'Surveillance', de Jennifer Lynch, gana el Premio a la Mejor Película en el Festival de Sitges 08
Las quinielas han funcionado y el jurado de la 41 edición del Festivalde Cine Fantástico de Sitges ha decidido premiar al cine negro de lahija de uno de los grandes. Jennifer Lynch presentaba la terrorífica ycómica investigación de dos agentes del FBI, interpretados por losactores Bill Pullman y Julia Ormond, de un sangriento crimen cometidoen la carretera de un pequeño pueblo norteamericano. Una película quesegún la directora trataba originalmente sobre brujas y de la que lacrítica especializada ha resaltado su ambiente claustrofóbico, eldominio de la directora de las claves del thriller e, incluso, las similitudes argumentales con el Rashomon de Akira Kurosawa.
Trailer Oficial http://www.youtube.com/watch?v=mc3Rasp2M-Q&translated=1
Educaban a Lynch en Los Ángeles y Michigan (en la academia prestigiosa de los artes de Interlochen) y, como adolescente, trabajó como ayudante de la producción en Velvet azul de su padre (1986). Sabido ya para su capacidad precoz de la escritura, ella fue autor del diario secreto de Laura Palmer para acompañar al programa de televisión de los picos del gemelo (1990) y escribió a episodio de la serie de televisión popular viernes de la ciencia-ficción la décimotercero: La serie (también en 1990).
Su guión comisionado para encajonar Helena, que ella se encendería más adelante dirigir, atrajo talento de la alta sociedad, incluyendo Madonna. Sherilyn Fenn hizo en última instancia la parte de Helena. Kim Basinger también fue atado y demandado famoso después de irse. La controversia que rodea que el caso, tan bien como protesta feminista sobre el tema sádico y las acusaciones inevitables de Helena delnepotismo,contribuyó indudablemente al drubbing crítico de la película sobre sulanzamiento en 1993. También en 1993, ella dirigió el vídeo musical“que vivía en la Rose” por el ejército británico del modelo nuevo de la banda de rock .
Luego, Lynch retiró de la arena pública, pero se volvió en el proyector con la vigilancia de la película. Le anunciaron recientemente pues director de la película Nagin (la película también se conoce como Hisss).
Su amor por el dadaismo queda demostrado en sus inquietantes películas,cuya total comprensión en su mayoría requiere un gran esfuerzointelectual por parte del espectador. Como ejemplo de ello puedencitarse Eraserhead y la serie de televisiónTwin Peaks (serie). Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story,aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de susproyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a travésde su página Web de pago: DavidLynch.com
IMDB
http://www.imdb.com/name/nm0000186/
Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks (film) o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks (film) o de la inquietante y perturbadora Lost Highway.
Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directoresactuales con un estilo auténticamente personal y constituye unreferente ineludible en el cine contemporáneo. Su nuevo film, que leocupó varios años de rodaje, usando exclusivamente técnicas digitales,se tituló INLAND EMPIRE (en mayúsculas) y su estreno se produjo en 2006.
Lynch Actualmente se encuentra en la pre-producion del Largometraje de Alejandro Jodorowsky KING SHOT poco se sabe de la pelicula pero ya se tiene reparto.
-Asia Argento
-Nick Nolte
-Marilyn Manson
-Udo Kier
-Santiago Segura
EN EL PROXIMO NUMERO Alejandro Jodorowsky
Niñez y juventud
Lynch podría considerarse el arquetipo del muchacho americano de clase media.Su padre, Donald, fue un científico adscrito al Ministerio deAgricultura norteamericano, y su madre, Sunny, era profesora de lengua.La familia vivió en distintos lugares, entre el noroeste del país y Carolina del Norte. Lynch fue boy scout y a los 15 años participó como acomodador en la toma de posesión del presidente John F. Kennedy.
Pronto experimentó impulsos artísticos y asistió al Corcoran School of Art en Washington, D.C. mientras terminaba sus estudios secundarios en Alexandria, Virginia. Después se apuntó al School of the Museum of Fine Arts de Boston durante un año, antes de partir rumbo a Europa en compañía de su amigo y colega artístico Jack Fisk. Sus planes eran estudiar con el pintor del expresionismo austriaco Oskar Kokoschka(quien resultaría uno de sus principales referentes artísticos) durantetres años. Sin embargo, Lynch regresó a los Estados Unidos al cabo desólo 15 días.
Filadelfia y sus primeros largometrajes
En 1966, Lynch se instala en la ciudad Filadelfia, Pensilvania, asistiendo al Pennsylvania Academy of Fine Arts (PAFA). Allí se dedicó en principio a la confección de complejos mosaicos a base de figuras geométricas, a los que él llamó Industrial Symphonies. Por aquel tiempo, tuvo sus primeros devaneos cinematográficos. Su primer corto recibió el título de Six Men Getting Sick("Seis hombres enfermos, o enfermando") (1966). Él lo describió como"57 segundos de desarrollo y pasión, y tres segundos de vómito". Conesta pieza ganó el certamen anual de la Academia. Este pequeño éxito lepermitió abordar su segundo cortometraje: The Alphabet.
A partir de 1970, Lynch se centró exclusivamente en el arte cinematográfico. Consiguió un premio de 5.000 dólares del American Film Institute por The Grandmother,("La abuela") sobre un pobre chico de la calle que se las ingenia paraconseguir una abuela a partir de una semilla. Esta película de 30minutos de duración muestra ya muchos de los patrones característicosen su cine de madurez, incluyendo un sonido perturbador y envolvente yuna potente imaginería enfocada a los deseos y al inconscientereprimido, todo ello lejos de los métodos tradicionales de narrar.
En 1971, Lynch se trasladó a Los Ángeles para asistir a las clases del American Film Institute Conservatory. Fue allí donde empezó a trabajar en su primer largometraje, Eraserhead,aprovechando una ayuda de 10.000 dólares concedida por dichainstitución. Este dinero no alcanzó para terminar el film y por estemotivo la película no se remataría hasta el año 1977.Lynch tuvo que pedir dinero a amigos y familiares, incluyendo a suamigo de la infancia Jack Fisk, diseñador de producción y marido de laactriz Sissy Spacek, e incluso se dedicó a vender periódicos para financiarla.
Eraserheades una película enigmática y sombría, plena de guiños surrealistas yelementos desasosegantes. Por tal motivo fue rodada apropiadamente en blanco y negro. Cuenta la historia de un joven tranquilo (papel que incorpora el inefable Jack Nance)que vive en una especie de erial industrial y cuya novia da a luz a unarara bestezuela que no para de gemir. Lynch se refiere a la películacomo “mi historia de Filadelfia”,aludiendo al hecho de que refleja muy bien todas las crudasexperiencias que vivió en esa ciudad en su etapa de estudiante,experiencias que le marcaron profundamente.
Sobre la película, la crítica ha afirmado que sugiere o intenta sugerir los miedos y ansiedadesdel propio cineasta acerca de la paternidad, personificados en elgrotesco aspecto del bebé, que se ha convertido en uno de los iconosdel cine fantásticode todas las épocas. El director ha rehuido en más de una ocasiónexplicar cómo fue elaborada la criatura, pero la leyenda cuenta que fueconstruida a partir de un feto de vaca embalsamado.
Debido a sus extravagantes contenidos, al principio se pensó que Eraserheadno podría ser exhibida comercialmente, sin embargo, gracias al esfuerzodel distribuidor Ben Barenholtz, se convirtió pronto en un clásico,típico en salas especializadas en proyecciones de medianoche, fuera delas grandes audiencias. La crítica más avanzada la alabó inmediatamentecomo obra maestra, lo que colocó al director a la cabeza de la vanguardia cinematográfica. El gran director Stanley Kubrickafirmó con admiración que era una de sus películas favoritas de toda lahistoria del cine. El éxito provocó que el equipo de actores y técnicos(entre ellos el cámara Frederick Elmes, el técnico de sonido AlanSplet, y el actor Jack Nance) siguieran trabajando con Lynch en añosposteriores.
Eraserhead atrajó la atención del productor Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir la película de 1980The Elephant Man (El hombre elefante), un biopic sobre la figura de Joseph Merrick, un hombre de clase baja con tremendas malformaciones físicas. Esta película, rodada igualmente en blanco y negro, fue un gran éxito comercial y obtuvo ocho nominaciones a los Oscar,incluyendo el de mejor director y mejor guión adaptado para Lynch. Delmismo modo demostró la viabilidad comercial de sus propuestas.
Posteriormente, el cineasta aceptó dirigir una superproducción que adaptaba la novela de ciencia-ficciónDune, del escritor Frank Herbert, para el productor italiano Dino De Laurentiis,con la condición de que la productora se comprometiera a financiar unsegundo proyecto sobre el cual Lynch mantendría control creativo total.Aunque el productor esperaba que Dune (1984) supondría algo así como la nueva Guerra de las galaxias,la película resultó un gran fiasco comercial, siendo además vapuleadapor la crítica. Se calculó que ingresaría 45 millones de dólares que alfinal se quedaron en sólo 27,4. Para compensar pérdidas, el estudioelaboró una versión alargada para la televisión que desvirtuaba elmontaje del director y que Lynch desautorizó inmediatamente.
La segunda película de Lynch producida por De Laurentiis fue Blue Velvet (Terciopelo azul, 1986), la historia de un joven universitario (representado por el actor que protagonizara Dune, Kyle MacLachlan)que descubre el lado oscuro de una pequeña ciudad, al investigar laprocedencia de una oreja cortada que había encontrado casualmente en eltranscurso de un paseo campestre. La película muestra actuacionesmemorables de Isabella Rossellini, en el papel de una cantante atormentada, y de Dennis Hopper en el de un criminal psicópata, líder de una banda de matones de medio pelo.
Blue Velvet obtuvo un gran éxito de crítica y proporcionó aLynch su segunda nominación al Óscar al mejor director. La películapresenta algunos lugares comunes en su cine: una cuidadísima puesta enescena, ciertos episodios y conductas inexplicables, mujeresultrajadas, los malsanos entresijos de una pequeña comunidad, y lautilización poco convencional de canciones antiguas. Blue velvet, de Bobby Vinton e In dreams de Roy Orbison suenan en este film extrañas y perturbadoras. Esta fue la primera ocasión en que Lynch trabajaba con el compositor Angelo Badalamenti, quien contribuiría en todas sus películas posteriores.
El director Woody Allen, cuya cinta Hannah y sus hermanas fue nominada como mejor película, afirmó que Blue Velvetera el mejor filme del año. La película, que es comúnmente consideradacomo una de las obras maestras del cine contemporáneo, ha llegado aconvertirse en un icono de la cultura popular.
Twin Peaks, Wild at Heart
Al no obtener financiación para posteriores guiones, a finales de los 80 Lynch optó por colaborar con el productor televisivo Mark Frost en la serie televisiva Twin Peaks, acerca de una pequeña localidad de Washington donde ocurren extraños sucesos. La historia se centraba en las investigaciones realizadas por el agente especial del FBI Dale Cooper (de nuevo Kyle MacLachlan) en torno a la muerte de una conocida estudiante de secundaria llamada Laura Palmer,una investigación que iba revelando los escabrosos secretos de muchosciudadanos aparentemente respetables. El cineasta dirigió seisepisodios en total, incluyendo los dos primeros, y escribió oco-escribió algunos más, e incluso apareció como actor en algunos deellos.
La serie se estrenó en la cadena ABC Network el 8 de abril de 1990y poco a poco fue revelándose como todo un fenómeno cultural. Ningúnotro proyecto de Lynch ha obtenido semejante aceptación. La serie fuevendida a infinidad de países, y algunos de sus latiguillos ingresaronen la cultura popular. Se hicieron parodias de la misma en el show Saturday Night Live y en la serie de caricaturas Los Simpson. Lynch apareció en la portada de la revista Time en gran medida debido al gran éxito cosechado con Twin Peaks. El director encarnó el papel del vociferante y medio sordo jefe del agente Cooper, Gordon Cole.
Pese a todo, Lynch chocó con los responsables de la cadena pordistintos motivos, en especial por la posibilidad de revelar o no laidentidad del asesino de Laura Palmer. La cadena insistía endesenmascararlo ya en la segunda temporada, pero Lynch quería guardarloen secreto hasta el final. Lynch pronto se desencantó de la serie ycomo resultado muchos miembros del reparto declararon sentirse“abandonados”.
Fue en aquel tiempo cuando Lynch empezó a colaborar con la editora, productora y su compañera en la vida real, Mary Sweeney, que había trabajado como asistente para él en Blue Velvet. Esta colaboración se prolongaría a lo largo de once proyectos. De su relación nació un hijo.
Su siguiente largometraje fue una adaptación de la novela de Barry Gifford, Wild at Heart (Corazón salvaje), una alucinante, sensual y atropellada “road movie” protagonizada por los actores Nicolas Cage y Laura Dern. La producción obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1990,pero no contó con la aprobación de la crítica ni el respaldo del granpúblico. Se dice que algunos espectadores abandonaban la sala en lasexhibiciones de prueba.
Twin Peaks acabó sufriendo serios reveses de audiencia y fue retirada en 1991. Mientras tanto Lynch escribió una precuela sobre los últimos siete días en la vida del personaje de Laura Palmer, que dio lugar al largometraje Twin Peaks: El fuego camina conmigo (1992), un desastre de taquilla que acarreó al director las peores críticas de su carrera.
Industrial Symphonies, On the air, American Chronicles y Hotel Room
El eslabón perdido entre Twin Peaks y Wild at Heart, es el espectáculo musical Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Hearted, una nueva colaboración con Angelo Badalamenti en la que canta Julee Cruise y actúan varios actores de Twin Peaks,así como Nicolas Cage y Laura Dern. Lynch confesó que la obra reflejabade alguna forma una relación sentimental rota. El director produjo en1990 un vídeo de 50 minutos sobre la obra.
Durante este periodo Lynch volvió a colaborar con Mark Frost en la serie de humor On the Air para la ABC,sobre los orígenes de la televisión. En EE.UU. sólo se emitieron tresepisodios. Esta colaboración se prolongó en la serie documental American Chronicles.
Su siguiente proyecto fue una miniserie de escasa importancia para la cadena HBO titulada Hotel Room, la cual narraba los acontecimientos que se enmarcaban en una misma habitación de hotel a lo largo de varias décadas.
En 1997 Lynch volvió a la palestra con el complejo film de argumento no lineal Lost Highway (Carretera perdida), el cual poseía muchos elementos de cine negro. Fue co-escrito con Barry Gifford y protagonizado por los actores Bill Pullman y Patricia Arquette.La película fracasó comercialmente, pero recibió críticascontrapuestas. No obstante, gracias en parte a la banda sonora en queaparecían cantantes y grupos como Marilyn Manson, Rammstein, Nine Inch Nails y The Smashing Pumpkins, Lynch obtuvo una nueva audiencia por parte de espectadores de la llamada Generación X.
En 1999, sorprendió muy positivamente a sus fans y a la crítica con una película producida por la factoría Disney: The Straight Story (Una historia verdadera),que era, al menos aparentemente, una sencilla película sin pretensiónalguna contando una historia real acerca de un hombre de pueblo(incorporado por el viejo actor Richard Farnsworth)que emprende un largo viaje de estado en estado, a bordo de uncortacésped, con el único fin de hacer las paces con su hermanoenfermo. La película recibió muy buenas críticas y proporcionó a suautor nuevas audiencias.
Mulholland Drive, Dumb Land, Rabbits y Darkened Room
Ese mismo año Lynch tentó una vez más a la cadena ABC con la idea deun drama para la televisión. La cadena dio el visto bueno y se grabó elepisodio piloto, de dos horas de duración. Pero controversias sobre elcontenido y la duración de la serie la aparcaron definitivamente.
Con la aportación de 7 millones de dólares por parte de la productora francesa Studio Canal, el director convirtió ese episodio piloto en un largometraje. Mulholland Drivees una historia extraña que trata de ahondar en la vertiente oscura deHollywood, la “fábrica de sueños”. Está protagonizada por Naomi Watts, Laura Harring y el actor Justin Theroux.En lo comercial, la película funcionó relativamente bien en todo elmundo, mereciendo además reseñas positivas, lo que supuso a su directorel premio al mejor director en el Festival de Cannes del año 2001 (este premio lo compartió con Joel Coen por El hombre que nunca estuvo allí) y otro premio al mejor director otorgado por la New York Film Critics Association.
En 2002, Lynch desarrolló una serie de cortos para Internet titulada Dumb Land.Los ochos episodios de que constaba, intencionadamente muy duros decontenido e interpretación, aparecieron posteriormente en formato DVD.
Lynch dedicó a sus incondicionales ese mismo año una comedia de situación a través de su página web. La serie se tituló Rabbits("Conejos") y constó de ocho episodios plenos de surrealismo que sedesarrollaban en un cuarto habitado por extrañas personas con cabeza deroedor.
En el Festival de Cannescorrespondiente a 2005, el cineasta anunció que durante un año habíaestado rodando en Polonia, por medio de técnicas digitales, su últimofilm. La película, titulada INLAND EMPIRE(en mayúsculas) supone casi un compendio del cine de este directoraudaz e inquietante desde sus comienzos. La historia, retorcida y contintes pesadillescos, desarrolla distintos niveles argumentalesentremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. Abundaen primeros planos expresionistas (especialmente de la atribulada LauraDern), el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectosespeciales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contieneproducen un gran impacto visual. El reparto de la película incluyeactores habituales de Lynch como la ya mencionada Laura Dern, Harry Dean Stanton, y el protagonista de Mulholland DriveJustin Theroux, con un cameo de Naomi Watts(supuestamente uno de los actores disfrazados de conejos en la seriedel mismo nombre), además de la actuación estelar del británico Jeremy Irons.Lynch describió la película como "un misterio acerca de una mujermetida en grandes dificultades”. Se estrenó en diciembre de 2006,habiendo suscitado hasta el momento entre los críticos, como en ocasiónde los más recientes largometrajes del director, multitud decomentarios y opiniones enfrentadas.
Lynch ha declarado a menudo admirar profundamente a los cineastas Stanley Kubrick y Federico Fellini, al escritor Franz Kafka y al pintor Francis Bacon.Sostiene que muchas de las películas de Kubrick se encuentran entre suspreferidas, y que las obras de Kafka y Bacon lo subyugan por su fuerzavisual y su conmovedora sensibilidad. Igualmente ha citado al pintorexpresionista austriaco Oskar Kokoschka como fuente de inspiración. Lynch se siente desde siempre hechizado por la película The Wizard of Oz ("El mago de Oz"), aunque no con el culto típico norteamericano y a menudo ha hecho clara referencia a la misma en cintas como Wild at Heart, donde crea una gran polémica al parodiarla.
Una influencia temprana en él fue el libro The Art Spirit del artista y profesor norteamericano Robert Henri,del cual afirmó que le ayudó a decidir el curso que tomaría su trabajoplástico. Como Henri, Lynch se trasladó del campo a un entorno urbanopara desarrollar su carrera artística. Henri era un pintor realistaurbano, que adoptaba la vida en la ciudad como materia principal de sutrabajo, lo que imitó Lynch en sus orígenes. Y si la obra de Henrisirvió de puente entre la Norteamérica agrícola del siglo XIX y laurbana del XX, las cintas de Lynch entremezclan la nostalgia feliz delos años 50 con la extrañeza existencial de los 80 y 90.
Tienen gran peso sobre su obra igualmente los cineastas Luis Buñuel, Werner Herzog y Roman Polanski, alguno de los cuales ha reconocido también al propio Lynch como referente.
En lo personal, Lynch ha mantenido relaciones sentimentales con la actriz Isabella Rossellini (a raíz del rodaje de Terciopelo azul), y ha estado casado tres veces: con Peggy Lentz (1967-1974; una hija, Jennifer Chambers Lynch, 1968, ahora directora cinematográfica). Con Mary Fisk (1977-1987) (un hijo, nacido en 1982, Austin Jack Lynch). Y con la editora y productora de sus películas Mary Sweeney (2006; un hijo nacido en 1992, Riley Lynch).
David Lynch vuelve a ser noticia, pero esta vez no por una serie o película o por salir al mercado un DVD de cortometrajes suyos. En esta ocasión el director ha colaborado con Mobypara la creación del videoclip musical del tema ShotintheBackoftheHead, preteneciente a su nuevo disco WaitFor Me.
Parece que Mobyse ha inspirado para este disco en un discurso que Lynchdio en los premiosBAFTA, donde hablaba sobre el desarrollo de unacarrera artística al margen de las exigencias del mercado, y tanto hasido su inspiración que le ha pedido que trabajen juntos en este clip.Según nos cuenta, Mobyle envió la canción al director y le diotodas las posibilidades creativas que el director pudiera aportar, sinlimites, para poder hacer lo que quisiera, con lo que el director,ilusionado, ha desarrollado un clip de animación que dará mucho quehablar, y muchas teorías en torno a lo que representa.
No es precisamente la mejor canción de Moby, y tampoco su mejor videoclip, pero tener detrás de dicho vídeo a Lynches síntoma de publicidad en muchos programas, no sólo de música, y eso es lo que normalmente interesa. Paisajessurrealistas, nieblas que lo cubren todo, trozos humanos al libre albedrío, violencia,.... y la música electrónica de Moby en 3 minutos para reflexionar.
Visita el Video Oficial: ShotintheBackoftheHead http://www.youtube.com/watch?v=5EI9caS6Lys&translated=1
Varios directores toman la camar lumiere y hacen un cortometraje
David Lynch es un de ellos.
Cortometraje:(DESDE EL MAKING OFF )
http://www.youtube.com/watch?v=aJE0IrDNxsY
Mulholland Drive Datos Curiosos :
Lynch realizó el casting a numerosas actricespara todos los papeles, pues es casualidad que tres actrices de estefilme: Naomi Watts (Diane/Betty), Melissa George (Camilla Rhodes) yElizabeth Lackey (Carol), llegaron ambas a trabajar antes en la mismaserie australiana: "Home and Away".
La cantante norteamericana Rebekah Del Rio aparece en el filme cantando una canción en castellano: "Llorando".
Cuando Rita (Laura Harring)y Betty (Naomi Watts) van a los apartamentos de Sierra Bonita, elnombre próximo al nº 17 es L. J. DeRosa: la técnica del departamentoartístico en este filme, se llama Laura J. DeRosa.
La placa de licencia de lalimusina que lleva a Rita (Laura Harring) es: 2GAT123, la misma queaparece en otras películas, como por ejemplo: "Superdetective enHollywood II", "Tres mujeres para un caradura", "Traffic", "Cadena defavores", "Amor loco/Amor prohibido".
Lisa K. Ferguson, que interpreta a Julie Chadwick, en este filme es la segunda asistente de cámara, su verdadero trabajo.Rucilam En este filme trabajan padree hija, Robert Forster haciendo del detective Harry McKnight, y KateForster interpretando a Martha Johnson.
Cori Glazer, la mujer con elpelo azul que se encuentra en el palco del Club Silencio, es lasupervisora del guión en este filme. Como David Lynch no queríaque nadie se quedara sin entender la película, llego a decir 10 pistaspara conseguir resolver el miserio: 1 - Pongan particular cuidado al inicio de la película, por lo menos 2 pistas son reveladas antes de los créditos. 2 - Consideren lo que sucede en las tomas de la lámpara roja. 3 - ¿Pueden recordar el título de la película para la que Adam Kesher está audicionando actrices? ¿Se menciona de nuevo? 4 - Un accidente es un evento terrible... consideren el lugar donde ocurrió el siniestro. 5 - ¿Quién entrega una llave? ¿Por qué? 6 - Presten atención a los siguientes objetos: un cenicero, una taza de café y una alfombra. 7 - ¿Qué sucede dentro del club "El Silencio"? 8 - ¿El talento fue lo único que ayudó a Camilla? 9 - Noten qué sucede con el hombre que está detrás de "Winkies" 10 - ¿Dónde está la tía Ruth?
Betty (Naomi Watts) mencionaque ella viene de Deep River (Ontario, Canadá), pues es el mismo nombreque los apartamentos en la película "Terciopelo azul", otra obramaestra del director David Lynch.
Sean Everett, el chofer deltaxi que coge las maletas de Betty (Naomi Watts), pertenece al equipotécnico del departamento artístico.
La película está dedicada aJennifer Symea, una joven actriz que tristemente falleció en unaccidente de coche semanas antes del estreno, su vida fue muy similar ala de Betty (Naomi Watts). David Lynch le dio su primer papel en elmundo del cine, fue en el filme "Carretera perdida", además, trabajócomo asistente del director.
El compositor habitual delas películas de David Lynch, Angelo Badalamenti, hace un pequeño papelcomo Luigi Castigliane. Aparece como uno de los productores quepresiona a Justin Theroux, concretamente el que escupe el café.
La película fue en unprincipio un episodio piloto que la NBC encargó a Lynch, pensando enrepetir el éxito de "Twin Peaks". Cuando vieron el resultado, no lesconvenció y decidieron archivar el proyecto, hasta que Canal PlusFrancia quiso recuperar la idea para convertirla en película, paso añoy medio. Lynch volvió a reunir a los actores para rodar nuevas escenas.Concretamente, cuando las protagonistas entran en El Club Silencio, yla historia sigue ese camino tan surrealista, el material nuevo.
David Lynch dijo haberse basado en la escena de Un perro andaluz de LuisBuñuel, donde aparece una mano con un hueco en el centro por dondecirculan hormigas, para recrear la escena de la oreja humana llena dehormigas encontrada en el pasto por el protagonista.
UN PERRO ANDALUZ
BLUE VELVET
«Elcine debe tener fuerza. La fuerza del bien y la fuerza de la oscuridad,para que puedas tener escalofríos y agitar las cosas un poco. Si teapartas de esas cosas, caes en picado en la basura de lo tibio.» David Lynch.
Por Cesar Amigo (El Chico Malo del Cine)
Escrito por amigofilms2000 el 20/06/2009 03:45 | Comentarios (0)
Después de dejar sus estudios en la Universidad Pública de California se casó en 1974 con la camarera Sharon Williamscon la que empezaría su larga lista de matrimonios y divorcios.Mientras tanto Cameron trabajó en diferentes ocupaciones comomaquinista, camionero y conductor de autobús escolar, por las nochespodía hacer lo que le gustaba así se dedicó a su afición, escribirhistorias y también pintar.
En 1977, al ver La Guerra de las Galaxiasentendió que lo suyo era el cine y por eso se dedicó en pleno a ello. Alos 25 años, después de varios trabajos poco importantes, le llegó laoportunidad de dirigir, aunque tal experiencia le decepcionó un tanto,es por esto que jamás volvió a dirigir una película que no hubiera sidoescrita por él mismo.
Se convirtió en uno de los directores de cine más destacados, cuandorealizo su obra maestra y más grande película en su trayectoriacinematográfica: Titanic.Se decía que la película iba a ser un fracaso, pero solo erancomentarios: Esta película paso a ser la más taquillera de todos lostiempos, recaudando 1800 millones de dólares en taquilla, ganó 11 Óscars, igualando así a Ben-Hur, y luego siendo igualada por la superproducción El Señor de los Anillos: el retorno del Rey.Tuvo un presupuesto de 200 millones de dólares, convirtiéndose en lapelícula más cara en su momento (Luego siendo superada por King Kong (2005): 209 millones de dólares).
Actualmente, Cameron, tras más de 10 años alejado de las pantallas de cine, rueda Avataruna historia de Ciencia Ficción para la cual ha esperado a queexistiese la tecnología adecuada para su rodaje en formatotridimensional de alta definición, con el cual Cameron ya ha trabajadoen algunos documentales filmados en formato IMAX. Su estreno está previsto para Diciembre de 2009, tras un largo proceso de postproducción a cargo de Weta Digital, responsable de los efectos visuales de King Kong y la trilogía de El Señor de los Anillos. Su presupuesto asciende a más de 200 millones de dólares.
The Terminator es una de sus mejores películas dirigida y protagonizada por Arnold Schwarzenegger. La historia está basada en varios relatos e ideas de Harlan Ellison, quien no fue acreditado en la película hasta muchos años más tarde. La forma del Exterminador, el cyborg asesino, está basada en diferentes pesadillas que Cameron tuvo estando enfermo, participando luego en la idea con varios storyboards. La película supuso toda una revolución por sus efectos especiales innovadores para la época y el diseño del cyborg.
Terminator significó un punto de inflexión en el mundo de laspelículas de ciencia ficción y en el cine en general por losmencionados efectos especiales, los cuales fueron idea y obra de Stan Winston, productor y diseñador de robots para películas: formó parte del equipo en la 2ª, 3ª y 4ª parte de Terminator, diseñó los robots para Jurassic Park, Doom (basada en el popular videojuegodel mismo nombre), Constantine, Big Fish, Inteligencia Artificial, Aliens y Edward Scissorhands entre otras.
El diseño del endoesqueleto de Terminator fue realizado en metal y necesitó de un mando a distancia para poder controlarlo. En las escenas que se ve al robot de cuerpo entero, éste estaba animado mediante la técnica de Stop-motion.
La película fue rodada con un presupuesto de clase B.
En el año 2029, después de devastar la Tierra y esclavizar a la humanidad, las máquinas, gobernadas por Skynet, están a punto de perder la guerra contra la resistencia humana liderada por John Connor.Frente a esa situación, las máquinas entienden que asesinar a Connor enel presente sería irrelevante, dado que ya ha conducido la resistenciaa la victoria. Por lo tanto, Skynet elabora su estrategia decidiendoeliminar al líder enemigo antes de que éste nazca, de modo que no puedacumplirse su misión de conducción futura. Para ello envía al pasado(año 1984) a un Terminator T-800, un cyborg asesino (Arnold Schwarzenegger), a través de una máquina del tiempo, con la misión de exterminar a Sarah Connor (Linda Hamilton), madre de John, antes de que éste sea concebido.
Enterados del plan para asesinar a la mujer que dará a luz al únicohombre capaz de salvar a la humanidad, la resistencia también consigueacceder a la máquina del tiempo y logra enviar a un soldado humano, Kyle Reese (Michael Biehn), con la misión de protegerla del exterminador.
Cuando el Terminator llega a 1984,rápidamente consigue ropa y armamento, y realiza su misión. Asesinasistemáticamente a dos "Sarah Connors", de quiénes encontró sudirección en la guía telefónica de Los Ángeles.La policía está sorprendida debido a que los asesinatos ocurrieron almismo tiempo, por el nombre similar de las víctimas y porque no teníanninguna relación entre ellas.
Luego, el Terminator asesina a la mejor amiga de Sarah Connor y alnovio de la amiga al confindirla con ésta pero, una llamada de Sarah ledá su ubicación así pues sale para encontrarla en una discoteca llamadaTech Noir, en donde espera a la policía. Los intentos deasesinato del Terminator a Sarah son evitados por Reese. Después elTerminator sube a un coche de policía y los sigue.
Luego de una breve persecución, Sarah y Reese se ocultan en unestacionamiento. En el estacionamiento, Reese le explica a Sarah que enel futuro, los militares crearán una inteligencia artificial llamada"Skynet", para tomar decisiones estratégicas. Skynet toma conciencia desí misma y decide que la raza humana es una amenaza, por lo que decidedestruirla. Para eso, toma el control de varias armas nucleares de losprincipales países del planeta, y lanza un ataque termonuclear total,creando una guerra entre los hombres y las máquinas. Cabe aclarar queen la primer secuela del film, Terminator 2, el T800 afirma que laguerra nuclear inicialmente enfrentó a los Estados Unidos con Rusia.Según su explicación, tras adquirir Skynet conciencia, los militarestratan de desconectarlo. Esto hace que el armamento nuclearnorteamericano, controlado absolutamente en 1997por Skynet, sea lanzado hacia Rusia, país que replica el ataque con unosimilar, destruyendo a ambos contendientes. De las cenizas del fuegonuclear de esa guerra mundial, las verdaderas vencedoras fueron lasmáquinas. Volviendo a la trama narrada en The Terminator, John Connorsería el futuro líder de la resistencia y dirigiría a los humanos a lavictoria.
El T-800 llega de nuevo y los persigue. Reese y Sarah son llevados auna comisaría de policía, mientras que el Terminator escapa. En lacomisaría, Reese es interrogado por el doctor Peter Silberman y éldefine que Kyle es un lunático y que sus delirios no tienen pruebaalguna. Mientras tanto en un motel, el Terminator está reparando subrazo dañado y su ojo y luego se dirige a la comisaría de policía.
Mientras se hallan en la comisaría el Terminator hace su aparición ysin dar tiempo a nada empieza a asesinar a cada oficial de policía queestá en su camino. Al sentir la llegada del exterminador Kyle y Sarahse esconden y consiguen escapar de allí. Kyle y Sarah se ocultan en uncampo de noche y se muestra el pasado de Reese (el futuro) en unflashback. En este futuro post-nuclear, Reese tiene una foto de Sarahque es quemada en un violento ataque de un Terminator a una base humana.
Al día siguiente, Sarah y Reese se ocultan en un motel y ambospreparan varias bombas de pipa para estar preparados ante una nuevaaparición del Terminator. Sarah le pregunta a Reese si alguna vez hatenido a una amante y él le responde que no y luego le revela a Sarahque la ama. Al principio, Reese se siente algo tonto por haberlerevelado eso, pero Sarah lo besa y entonces tienen relaciones sexuales.
Por la noche, el Terminator los persigue en una autopista y hiere aReese. Sarah estrella al Terminator con una camioneta, pero ellatambién se estrella. El Terminator se levanta del suelo y agarra uncamión cisterna para combustible presumiblemente lleno. Sarah y Reeselogran escapar justo a tiempo de la camioneta estrellada y Reesedestruye el camión con una de las pocas bombas restantes.
Cuando creen que el Terminator está destruido, el endoesqueletosurge de las llamas y los persigue hasta una fábrica automatizada. Enla fábrica, Reese empieza a encender los aparatos para evitar que elTerminator los rastree. El Terminator los encuentra y Reese se enfrentasólo a él, pero no le causa ningún daño. Muy herido, Reese enciendeotra bomba de pipa y la coloca en el torso del Terminator, quitándolelas piernas. Por la explosión, Sarah tiene un pedazo de metal clavadoen una pierna. Luego, Sarah encuentra a Reese, quién está muerto,mientras que el Terminator aún sigue vivo y persigue a Sarah, quién escasi estrangulada por el imparable cyborg. Sarah logra aplastar al Terminator con una prensa hidráulica.
El final de la película muestra a Sarah en México,grabando varias cintas que luego se las dará a su futuro hijo cuandoéste esté listo. Sarah ya está embarazada de John Connor. Las cintasrevelan que Reese es su padre y que lo concibieron la noche queestuvieron juntos en el motel. Sarah se detiene unos minutos pararepostar gasolina cuando un niño mexicano le toma una fotografía conuna cámara Polaroid y le pide cinco dólares por ella. Se puede ver quela foto es la misma que Reese tendrá en el futuro. Luego, el niñomenciona que se avecina una tormenta, a lo que Sarah responde Lo sé, refiriéndose a los oscuros acontecimientos futuros.
Datos Curiosos de Terminator
Cameron pensó originalmente que el Terminator como un serindestructible, pero que, a la vez, es capaz de ocultarse fácilmente.Como resultado, su primera elección para el papel fue Lance Henriksen. O.J. Simpsonestaba en la lista pero Cameron, que no creía que "el chico fuese undespiadado asesino" lo descartó. De acuerdo con él y co-escritorWilliam Wisher, a Schwarzenegger se le ofreció el papel de Kyle Reese.Sin embargo, se dieron cuenta de que él se adaptaba mejor alTerminator, que como consecuencia se convirtió en grande y musculado. Michael Biehn también estaba en la lista para el Terminator, y no para el héroe Kyle Reese.
La producción estaba prevista que se iniciase para la primavera de 1983 en Toronto, pero después de que Dino de Laurentis eligió a Schwarzenegger para la película Conan el Destructor, la filmación se retrasó hasta marzo de 1984 en Los Angeles.
Varias escenas cortadas de la película están disponibles en algunosDVD. Una escena en particular que implica la destrucción de Cyberdyneinspiró una trama muy similar para la secuela. En esta escena, sugierea Sarah que Reese se encuentran Cyberdyne Systems y destruirlo antes deque puedan inventar Skynet,la prevención de la guerra. Al final de la película, cuando Sarah estásiendo llevado por la ambulancia, dos trabajadores de la fábricaencuentran los restos del Terminator y deciden llevarlo a Investigacióny Desarrollo, con la cámara reduciendo el zoom se revela el nombre dela fábrica: Cyberdyne Systems. Estas dos escenas creadas principalmentecomo puntos de trama en Terminator 2,cuando la CPU y el brazo de Terminator en esta película, son técnicasde ingeniería inversa y se utiliza para crear Skynet, y cuando Sarah,John, el Terminator y deciden volar Cyberdyne para evitar la guerra.
James Camerondijo una vez que lo que le inspiró para hacer Terminator fueron dosepisodios de la década de 1960 de la serie de televisión de cienciaficción The Outer Limits, Soldier y Demon with the Glass Hand,no dandose cuenta de que ambos episodios fueron escritos por el autorde ciencia-ficción, Harlan Ellison. Ellison demandó al estudio para queen la película original se reconociera el aporte de Ellison, tambiéndeben incluirse en todas las futuras versiones de la película.
En 1991 Terminator 2 Judgment day
Terminator II: El juicio final es una película de acción estrenada en 1991, secuela de la exitosa película The Terminator, y que precede a la tercera película de la saga Terminator 3: La rebelión de las máquinas. Tras el éxito de la primera película, y en un intento de aprovechar la popularidad de Arnold Schwarzenegger, situado en un momento cumbre de su carrera como actor, James Cameronrepite los esquemas de la producción original. También tiene el méritode ser una de las primeras películas en las que se utilizaron imágenesgeneradas por ordenador(SGI) para recrear al antagonista. El resultado final fue un enormeéxito de taquilla y la consolidación de las carreras de Schwarzeneggery Cameron como actor y director respectivamente. Obtuvo cuatro premiosOscar en: mejores efectos visuales, mejor sonido, mejor maquillaje y mejor edición de sonido
Fue la producción más cara de la historia en el momento de suestreno, con un coste de 100 millones de dólares. Se convirtió en lasegunda película más taquillera de la historia en su momento,recaudando en todo el mundo 520 millones de dólares, siendo tan sólosuperada por E.T.
Se utilizó la técnica de Morphing con el terminator de metal líquido (el T-1000, interpretado por Robert Patrick),obligando al actor a correr desnudo con cuadrados dibujados por todo elcuerpo para que la computadora lo recreara luego digitalmente. Laescena que muestra al T-800(interpretado por Schwarzenegger) saltando al camión de nitrógenolíquido y tiroteando a su enemigo, fue hecha con miniaturas y maquetas.
Trailer Original http://www.youtube.com/watch?v=oL1RE8JXaIw&feature=related
Argumento
Después del fracaso de Skynet, gracias a la intervención de un humano enviado por la resistencia para salvar a Sarah Connor -el soldado y fiel seguidor de John Connor, Kyle Reese-las máquinas no se rindieron y esta vez envían a otro cyborg con unanueva misión; si la vez anterior no consiguieron acabar con Sarah, estavez el objetivo es el propio John Connor, aún siendo un niño.
La resistencia captura a un T-800 CSM-101(un Terminator "similar" al de la primera película), John Connor loreprograma y lo envía al presente para proteger y obedecer en todo a sujoven "yo" del pasado.
Las máquinas envían al avanzado T-1000, un prototipo de aleación mimética o metal líquido, capaz de copiar formas del mismo tamaño y de esa forma poder asesinar mucho más sutilmente a Connor.
Sarah Connor se encuentra encerrada en el hospital psiquiátrico dePescadero, en el área de máxima seguridad, "impresionando" con susfantásticas historias del fin de los tiempos y de las máquinas al Dr. Silberman (Earl Boen), de la misma forma que Kyle Reese en la primera película.
El joven John Connores un joven rebelde que vive con sus padres adoptivos(a los cuales norespeta) después del arresto de Sarah por intentar hacer explotar unaIndustria Cyberdine fabricante de computadoras, después de vivir muchosaños en México y Centroamérica aprendiendo a ser un líder militar.
El futuro ha cambiado; los humanos recuperaron del Terminatororiginal un brazo y un chip, los cuales eran una tecnología muysuperior y desconocida. El objetivo de Sistemas Cyberdyne (empresa quedesarrollaría posteriormente a Skynet), es estudiar y comprender comofuncionan esos extraños elementos radicalmente avanzados y de esa formaaplicarlos en la construcción de maquinaria civil y militar, décadasmás avanzados de los que existen en esa época.
La historia se bifurca en 2 subtramas: La primera es sobrevivir y destruir al T-1000que ha sido enviado para acabar con John Connor y Sarah Connor; lasegunda y no menos importante es encontrar y destruir esos elementos,deteniendo así el desarrollo de las mencionadas máquinas y evitando elfin de la raza humana.
El T-800da la información de donde vive y quien es la persona directamenteresponsable del estudio del brazo y el chip, el Dr. Miles BennettDyson. Sarah decide ir a asesinarlo, con el objetivo de interrumpir lainvestigación, pero en el último momento no puede matarlo, por que noes capaz de matar a una persona. En ese momento aparecen John y el T-800,el cual convence al investigador de ir a buscar esos elementos a lasede de Sistemas Cyberdyne, mostrándole su brazo igual al del T-800que tiene guardado en una cámara acorazada de la sede central deSistemas Cyberdyne y relatando la historia de lo que sucederá muypronto si no se detiene su investigación.
Mientras están colocando explosivos en la sede central de SistemasCyberdyne, la policía rodea el edificio y se produce un enfrentamientoentre el terminator y los policías, en el que Miles Dyson resultaherido, con lo que se queda atrás voluntariamente para volar eledificio. Mientras tanto, el T-1000 llega al edificio y comienza a perseguir a John, Sarah y al T-800, primero en helicóptero y más tarde en un camión cargado de nitrógeno líquido.
La persecución termina en una acería, en la cual el camión vuelca y el nitrógeno se vierte, congelando al T-1000, el cual se vuelve solido, lento y muy frágil. El T-800 le dice Hasta la vista, baby (Sayonara, baby en la versión española) y le dispara, rompiéndolo como un cristal. Pero el T-1000,debido al calor de la fundición, se regenera para, minutos después,enfrentarse en una brutal lucha y termina clavando una vara de hierroen el torax del T-800 y al parecer lo extermina dañando su "celda de poder". Cuando todo parece perdido, el T-800resucita (debido a una batería de reserva) y le dispara al T-1000con un lanzagranadas, la granada se introduce dentro del cuerpo delandroide y partiéndolo en dos en sentido vertical, lo que hace quepierda el equilibrio y caiga en una cuba de la fundición, derritiéndose.
Cuando, tras lanzar el brazo y el chip a la cuba, Sarah y John creen que todo ha acabado, el T-800 les recuerda que queda otro chip: el que está en su cabeza. Debido a que los T-800 no están programados para autodestruirse, le pide a Sarah que le baje hasta la cuba, a pesar de las negativas de John.
Se supone que el día del Juicio y el gobierno de las máquinas nuncase llevará a cabo. En el final normal, Sarah habla, mientras se ve lacarretera por la que se va junto con John, con la esperanza de que siuna máquina es capaz de entender el valor de una vida humana quizás aúnse pueda salvar la humanidad.
Datos Curiosos de Terminator 2 Judgment Day:
Final alternativo
El Sol, brillando en un cielo sin nubes. Mirando hacia abajo se veun parque, muy verde. La gente está vestida de calle, divirtiéndose,yendo en bicicleta, leyendo, ... hay unos niños en un parque de juegos.Más allá de la línea de árboles vemos la línea del cielo de Washington D.C. , con el Capitolio y el monumento a Washington. La línea del cielo está sutilmente cambiada, con muchos edificios nuevos.
Se ve un parque infantil. Hay niños columpiándose y deslizándose porlos toboganes. Cosas atemporales que 4 décadas de avances técnicos nohan cambiado.
SARAH (Voz en Off):El29 de agosto de 1997 vino y se fue. No paso gran cosa. Michael Jacksoncumplió los cuarenta. No hubo Juicio Final. La gente fue al trabajocomo siempre, rió, se quejó, vio la TV, hizo el amor.
Pasamos una pista de juegos, ni fundida ni quemada, sino llena deniños columpiándose y gritando. Un niño está pedaleando en su triciclo.
SARAH (V.O.):Queríacorrer por la calle gritando... cogerlos a todos y decirles "cada día apartir de este es un regalo. ¡Usadlo bien!". En lugar de eso meemborraché.
Vemos a una mujer mayor, sentada en un banco. Es Sarah, ahora con 64años. El mundo la ha envejecido, pero parece en paz en este momento.Habla a una grabadora de microcassettes.
SARAH (V.O.):Eso fuehace treinta años. Pero el futuro oscuro que nunca vino aún existe parami, y siempre existirá, como el recuerdo de un sueño persistiendo a laluz de la mañana. Y la guerra contra las máquinas sigue. O, para sermás precisos, la guerra contra aquellos que construyen las máquinasequivocadas.
Hay un hombre de unos cuarenta años jugando con dos niños pequeños cerca, y se gira. Es John Connor.Aunque tiene el mismo aspecto severo de su madurez, no lleva un parcheen el ojo, ni tiene cicatrices. Está lejos del hombre demacrado desombrío destino que vimos en el mundo que pudo haber sido. Aun así, hayuna inteligencia penetrante, incluso sabiduría, en sus ojos.
SARAH (V.O.):John luchala guerra de manera diferente a como fue predicho. Aquí, en el campo debatalla del Senado, las armas son el sentido común... y la esperanza.
Una niña de cuatro años corre hacia ella para que le anude los cordones.
NIÑA:Átamelos, abuela, átamelos.
La abuela Sarah sonríe. Es la única vez que la vemos sonreir. Seinclina mientras la niña pone el pie en el banco. Le anuda los cordonesmientras oímos...
SARAH (V.O.)El lujo dela esperanza me lo dio el Terminator. Porque si una máquina puedeaprender el valor de la vida humana... tal vez nosotros también podamos.
Sarah acaricia el pelo de la niña y esta corre a jugar con su padre.
2003 Terminator 3: La Rebelion de Las Maquinas
Terminator se convierte en Franquicia.
James cameron no le interesa mas Terminator y es sustituidos por Jonathan Mostow.
Terminator 3: La rebelión de las máquinas (en inglés: "Terminator 3: Rise of the Machines") es la segunda secuela de la película The Terminator y es posterior a Terminator 2: El juicio final.Este film describe las causas que dieron origen a la guerra contra lasmáquinas y es una pieza que abre el camino a la historia presentada enla primera película Terminator.
Trailer Original http://www.youtube.com/watch?v=WeC-lGnajT0&translated=1
Argumento
El 29 de agosto de 1997 no llegó el comienzo del fin de la razahumana, las máquinas no gobernaron al mundo, el objetivo estabacumplido, al menos eso parecía.
En 2032 las máquinas envían a la T-X (Kristanna Loken)un prototipo que era capaz de gobernar otras máquinas, tenía lacapacidad de modular la voz como un módem, desactivar y hastareprogramar cualquier computadora (incluido el propio T-800).
La resistencia envía al mismo modelo de Cyborg que en el 2029, pero en términos reales no era el mismo sujeto de Terminator 2.
En esta ocasión el objetivo de la asesina T-X no sólo era John Connor sino también a los futuros tenientes y compañeros más importantes de Connor en la futura rebelión, incluida su futura esposa, Katherine Brewster.
La razón por la cual el objetivo de la asesina no sólo era JohnConnor sino también los mencionados personajes, era porque el 4 dejulio de 2032 John Connor fue exterminado por el propio T-800que había sido capturado por las máquinas y reprogramado para hacerlo,logró infiltrarse entre los humanos gracias a la familiaridad que lecausó la presencia del cyborg a Connor, pero la rebelión no estabaterminada, las máquinas debían acabar con todos los que, en el futuro,seguirían a Connor después de que fuese exterminado.
Los humanos capturan al T-800, lo reprograman y lo envían al 2004 para evitar que la T-X cumpla su objetivo.
El día del Juicio no había terminado, sólo estaba pospuesto, secretamente el gobierno de EEUU había continuado con el desarrollo de máquinas civiles y de defensa que eran autónomas, este sistema se llamaba Skynet.
Un virus (que realmente era la Skynet en rebelión) estaba infectandoa la mayoría de las computadoras del mundo, la idea del Gobierno deEEUU era activar la defensa automática de Skynet para terminar con elvirus, que ellos desconocían era el propio Skynet.
El encargado de la decisión de automatizar, o no, todo el sistema de defensa, era Robert Brewster (el padre de Katherine Brewster), originalmente no quería dejar todo en manos de Skynet pero presionado por el presidente de EEUU accedió, en ese momento es cuando comienza la rebelión de las máquinas ya que Skynet tomo todo el control mundial de la defensa.
Antes de morir, Robert Brewster les da las coordenadas del lugar dónde esta el cerebro de Skynet para destruirlo.
Mientras eso ocurría la T-X, que tenía la capacidad de gobernar otras máquinas, captura al T-800 y lo reprograma para que extermine a John Connor, pero éste cuando estaba apunto de cumplir su misión, John Connor le pregunta "¿Cual es tu misión?" a lo que el Terminator responde "Asegurar la supervivencia de John Connor y Katherine Brewster", y John replica "¡Pues vas a fracasar en tu misión!". Como su CPU estaba intacta, el T-800 se auto desconecta para no cumplir las órdenes de la T-X.
John y Kate logran escapar en avión hacia el lugar indicado por el padre de Kate.
Luego de ingresar los códigos secretos necesarios (que Brewster leshabía proporcionado) para acceder al búnker donde se encontraba elcerebro de Skynet, reaparecen la T-X y el T-800, John y Kate ingresan al búnker anti bombas, el T-800T-Xjusto antes de que ingresara al búnker para asesinarlos, entonces tomauna de sus baterías de hidrógeno se la coloca en la boca a la T-X y le dice "estás exterminada", ambos Cyborgs fueron exterminados. atrapa a la
Al ingresar a donde estaba el cerebro de Skynetse dan cuenta de que no había tal cosa, el lugar era un refugioantibombas para los presidentes, había sí computadoras obsoletas, larealidad era que Skynetno tenía tal núcleo, Skynet era un software distribuido en elciberespacio, por tal motivo no se la podía apagar; el padre de Katesabía eso, así que los envió a un refugio a que sobrevivieran a losataques nucleares.
Era simplemente eso, sobrevivir porque la batalla acababa de empezar.
Datos Curiosos de Terminator 3 : La Rebelion de las Maquinas
Hay una escena eliminada de Terminator 3, donde aparece el Sargento Candy, interpretado por Arnold Schwarzenegger. En ella, se explica que el T-800 es diseñado a partir del Sargento Candy.
Narrador: CRS (Cyber Research Systems) presenta un avance de nuestra próxima línea de productos. Da la bienvenida al soldado del mañana; el T1 del Campo de Batalla de Robots, absoluta autonomía ofensiva terrestre del sistema, y en el aire, el Hunter Killer Arial. Esto no es ciencia ficción, es realidad gracias a nuestro sistema de innovación de alto secreto - Skynet- la revolucionaria y artificial gestor inteligente de combate en red.A partir de los misiles intercontinentales para el soldado individualen el campo, Skynet es capaz de controlar a todos.
Narrador: Los grandes líderes no han nacido aquí, aquí sedesarrolla la tecnología de CRS. Con la llegada de las nuevastecnologías, la pérdida de incluso un soldado en combate es intolerable.
General Brewster: Las patentes se obtuvieron de un proveedor privado, Cyberdyne.
Político: Cyberdyne, eso es pasado.
Narrador: El uso de diseños generados por Skynet,necesitamos ya no riesgo el bienestar de nuestros hombres y mujeres enuniforme. Robots tendrá su lugar en la línea del frente.
CMSgt. Candy: (con un espeso acento sureño) Hola, soy elSargento William Candy. Yo estoy honrado de ser seleccionados por elSRC en los esfuerzos que se realizan para salvar vidas americanas.
Político: Vaya acento.
CRS representante: (Voz de Schwarzenegger) Podemos solucionarlo.
CMSgt. Candy: Esta en nuestras manos hacer la guerra más segura,y esto, es realmente precioso. CRS le trae el rostro del futuro. Oooh,soy yo!
13 de Febrero del 2008 se trasmite por FOX Terminator : The Sarah Connor Choronicles. Terminator: The Sarah Connor Chronicles es una serie de televisiónestadounidense de la cadena Fox, estrenada en 2008.
Spot TV http://www.youtube.com/watch?v=OjLne16FKmQ&translated=1
Argumento:
Tras acabar con el T-1000, el T-800 y con la muerte del creador de Skynet, Sarah y John Connorsiguen su vida como fugitivos en 1999, un problema menor comparado conlos que están acostumbrados a enfrentarse debido a su pasado, perosobre todo a su futuro. Un futuro que creían cambiado con ladestrucción de los Terminator,hasta que en el presente vuelven a tener que enfrentarse a ellos. Enesta ocasión también contarán con uno de ellos como aliado inesperado.
A diferencia de lo que se vio en las películas, donde Arnold Schwarzeneggerencarnó al personaje en tres ocasiones, la serie presenta y respeta elsustento original, en el cual los humanos en el futuro tenían muchosproblemas para identificar a los Terminators. Esto es debidoprincipalmente a que estas unidades infiltrables eran externamenteidénticos a las personas. "...Si se lastiman, sangran. Además sudan,tienen mal aliento y podrían engañarte al contacto", cita de KyleReese, el héroe de la primera película de la saga y padre de JohnConnor.
Si bien el público espera la continuidad de las historias conocidasen la gran pantalla, una de las más gratas sorpresas para losaficionados a Terminator será ver crecer la mitología que apenasquedaba explicada y que a raíz de esta serie tiene oportunidad de veruna luz más clara y emocionante.
Situado en el post-apocalíptico 2018, John Connor (Christian Bale), el hombre destinado a ser el líder de la resistencia humana contra Skynet y su ejército de Terminators, el futuro es alterado en parte por la aparición de Marcus Wright (Sam Worthington),un extraño cuya última memoria es estar en el corredor de la muerte.Connor debe decidir si Marcus ha sido enviado desde el futuro, orescatados del pasado. Como Skynet prepara su ataque final, Connor y Marcus deben embarcarse en una odisea que los lleva en el corazón de las operaciones de Skynet, donde encuentran un terrible secreto que puede dar lugar a la posible aniquilación de la humanidad.[1]
James Middleton, el productor asociado de la película, declaró que la película "es de verdad sobre el nacimiento de un nuevo héroe", y McG dice que también será sobre el desarrollo del Modelo 101 Terminator. El explicó que la película es "como comenzar de nuevo en gran medida el espíritu de lo que Christopher Nolan hizo con Batman Begins", en el sentido de que el se mantendrá en su propia linea de películas, y que es "un poco de una secuela y una continuación, ya que narra la historia de cómo llegamos hasta allí".
Datos de Produccion:
El 9 de mayo de 2007, se anunció que los derechos de la serie Terminator habían pasado de las manos de los productores Andrew G. Vajna y Mario Kassar a la empresa Halcyon. Los productores esperan comenzar una nueva trilogía basada en la franquicia. McG afirmó en directo que las dos primeras películas de Terminatorestaban entre sus favoritas. A su juicio, la situaciónpost-apocalíptica permite que la película pueda ser lo suficientementediferente para no ser una secuela inferior. La idea de que losacontecimientos en Terminator 2: El Juicio Final y Terminator 3: La rebelión de las máquinas, han alterado el futuro, y también les ha permitido ser flexibles con su presentación del mundo futurista. John D. Brancato, Michael Ferris y David C. WilsonPaul Haggis lo revisó y Shawn Ryan lo reescribió tres semanas antes de filmar. Jonathan Nolan también lo escribió en conjunto. escribieron el guión,
El 19 de julio de 2007, el proyecto de Terminator Salvation está en el limbo jurídico debido a un pleito entre MGM y Halcyon filial T Asset. Según el artículo, MGM tiene una exclusiva de 30 días para negociar una justa distribución de las películas de Terminator. Al negociar para Terminator Salvation, Halcyon rechazó su propuesta inicial, MGMMGM alegó que el período durante el cual se suspendieron las negociaciones no cuentan y su plazo de exclusividad sigue abierta. Halcyon fue a un tribunal para que dicte un mandamiento judicial que les permita otros distribuidores. Eventualmente, sin embargo, Warner BrosSony Pictures Entertainmentdistribuirá la película en el exterior. Esto hace que la primerapelícula de la serie tenga la misma distribución que la anteriorpelícula. suspendió las negociaciones. Después de los 30 días, ha podido obtener de América del Norte los derechos de distribución, mientras que
El rodaje de la película comenzó el 5 de mayo de 2008 en Albuquerque, Nuevo México. Los cineastas habían previsto inicialmente para comenzar a filmar el 15 de abril en Budapest,pero la reducción de un veinticinco por ciento de impuestos hicieronque los cineastas buscaran este lugar más barato, a causa de sus 200millones de dólares de presupuesto. Para evitar las demoras causadaspor una posible huelga en julio, todas las escenas exteriores seterminaron entonces, por lo que podría reanudar la producciónfácilmente. El rodaje se espera para ir a en septiembre. La película serodó en color, con un balance del triple de la cantidad de plata que seusa normalmente. El cineasta consultó con numerosos científicos sobrelos efectos de un mundo abandonado y el invierno nuclear. McG cita la película Children of Men y la novela La carretera. McG dio instrucciones a su elenco a leer esta novela.
Stan Winston, que era el supervisor de efectos visuales en las tres primeras películas, continuó su papel en Terminator Salvation. La película cuenta con el implante de piel de los T-600,Winston puso un gran esfuerzo al igual la producción en buscar la formade envolver de protesis la máquina que es de unos 8 pies de altura. McG dijo que muchas de las máquinas tienen la influencia del escultor H. R. Giger.La película fue uno de los últimos trabajos de Winston, ya que él falleció el 15 de junio de 2008. McG le dedicará la película a él. Winston también filmó un cameo como alguien que lucha con un Hydrobot.
McG se graduó con un grado de psicología en la Universidad deCalifornia de Irvine. Comenzó como fotógrafo en el negocio de lamúsica, a bandas locales y músicos que hizo gratuitamente. Él ayudó aproducir el álbum debut de Sugar Ray,Lemonade and Brownies. Eventualmente, esto le llevó a dirigir videos musicales, es decir, para Fastball, Korn y The Offspring.
McG dirigirá la próxima película de la franquicia Terminator: Terminator Salvation. Él comenzará a trabajar en una versión americana de Spaced,pero sin el consentimiento o la contribución original de los encargadosde Simon Pegg, Edgar Wright y Jessica Stevenson, sino que seguirá lamismo concepto básico de la versión en Inglés.
En 2008, McG fue el productor ejecutivo de The WB Television Network un nuevo portal en línea. Una de las series, Sorority Forever, la produce con Big Fantastic, los creadores de la serie en línea Prom Queen.
Filmografia Basica:
20,000 Leagues Under the Sea: Captain Nemo (2011) (pre-production)
Terminator Salvation (2009)
"Chuck" (1 episode, 2007)
We Are Marshall (2006)
Dan Finnerty & the Dan Band: I Am Woman (2005) (TV)
Charlie's Angels: Full Throttle (2003)
"Fastlane" (1 episode, 2002)
Cypress Hill: Still Smokin' (2001)
Charlie's Angels (2000)
Internet Movie Data Base http://www.imdb.com/name/nm0629334/
Utilizando elementos de los universos de RoboCop y Terminator, el cómic establece su propia línea temporal independiente. Skynethace viajar al pasado a 3 terminators para proteger a RoboCop de unasoldado, también del futuro, que ha sido enviada al pasado paradestruirle.
Los Estudios Universal de Orlando crearon una araccion T2 3-D Battle Across Time Esta atracion en 3-D fue dirigida por James Cameron y el reparto original de T2 T2 3-D Battle Across Time es una Mini sequela de Terminator 2 Dia del Jucio
HASTA LA VISTA BABY
Por Cesar Amigó El Chico Malo del Cine
http://www.imdb.com/name/nm3137787/
Escrito por amigofilms2000 el 04/06/2009 06:39 | Comentarios (1)
El cine pornográfico mexicano realizado entre losaños 1920 y 1940 será objeto de "culto" durante la Muestra de CineLatinoamericano de Lleida.
"Este patrimonio representaparte de la historia fílmica mexicana y es un espléndido documento delos lenguajes de represión y liberación en determinado momentohistórico, así como la representación de las fantasías sexuales de losmexicanos que vivieron entre 1920 y 1940", dijeron los organizadores encomunicado de prensa reseñado por Europa Press.
EL AUTOR: Investigador cinematográfico conestudios de comunicación colectiva e historia en la UniversidadNacional Autónoma de México, ha sido colaborador de los diarios ElNacional y Novedades. Ha sido asistente de Emilio García Riera yEduardo de la Vega Alfaro. En el marco de un simposio sobre lainterrelación entre el cine mexicano y el cine español llevado a caboen Guadalajara (2003), participó con una ponencia sobre el actor JorgeMistral; dos años más tarde, también en Guadalajara, participó en elIII Coloquio Nacional de Cine Regional con una ponencia sobre “Tívoli”,la película de Alberto Isaac. Colaboró en la edición publicada yen el CD-ROM del Diccionario de Directores del Cine Mexicano de PerlaCiuk y ha prestado sus servicios profesionales en el Instituto Mexicanode Cinematografía y desde abril de 2001 forma parte del equipo deinvestigadores de la Cineteca Nacional, en donde ha tenido múltiples“charlas de café”, en torno a diversos temas cinematográficos, como:Literatura y cine negro; La radionovela y el cine; Tivoli, así se creeque fue o La enseñanza y la investigación al lado de Emilio GarcíaRiera.
LA OBRA: La pornografía, definida por elDiccionario de la Real Academia Española en su edición 1981 como“tratado acerca de la prostitución. Carácter obsceno de obrasliterarias o artísticas. Obra literaria o artística de este carácter”,ya es una palabra de uso común en la vida cotidiana. Se la utiliza paracalificar muchas de las imágenes presentadas por los diversos medios decomunicación, y la imagen fija y las imágenes en movimiento son suprincipal escaparate. Así inicia Ernesto Román su breve, que noinsustancial texto “El cine pornográfico mexicano de los ’90”, motivadopor la necesidad histórica de no dejar una sola página en blanco en lahistoria de la cinematografía nacional. El autor afirma que esindispensable hablar sobre el tema y documentarlo de la mejor maneraposible, gracias a su minuciosa investigación, encuentra que sunacimiento formal se dio en la convulsa década de los años noventa delsiglo pasado. Menester es aclarar que el cuerpo de la investigaciónse centra en auténtico cine XXX y no es tímidos acercamientos al mismo,como el cine de ficheras, tan representativo de la cinematografíamexicana de las dos ultimas décadas del siglo pasado. Este género, elporno, representa una situación efímera, consistente en unas cuantasproducciones.
El autor hace una acuciosa investigación entorno a la forma de producción, distribución y exhibición, misma que loconduce a la conclusión de que el tema del porno llegó al cine mexicanocuando éste se encontraba en una etapa de profundas transformaciones ensu forma de producción y exhibición, cuando la iniciativa privadatradicional prácticamente abandonaba la producción de largometrajes en35 milímetros para refugiarse, en términos generales, en la producciónde videos. En tanto el gobierno abandonaba su intervención en laexhibición, la cual quedó en manos de la iniciativa privada. Eltexto documenta básicamente las películas dirigidas por Ángel RodríguezVázquez: “Las profesoras del amor”, “El despertar del sexo”,“Traficantes de sexo” y “Sexo para… dos”.
Producciones exhibidasen salas de segunda o tercera corrida, o en espacios tradicionales delcircuito erótico de la capital de aquella época: los cines Venus,Mitla, Marilyn Monroe y Madrid. El volumen incluye tres apéndices:“Erotismo y desnudo. México y el extranjero”; “La ¿historia? de lapornografía en México”, y “El realizador Ángel Rodríguez Vázquez y suobra”, fichas técnicas de las películas mencionadas y una somerailustración. Como en todo arte, el estudio del cine es vasto y llenode ramificaciones. Ernesto Román nos entrega un análisis serio yobjetivo del cine pornográfico de nuestro país en la década pasada. Concinco películas como eje, podemos acercarnos al género y echar un pocode luz sobre el tema.
“El cine pornográfico mexicano de los ’90”. Autor: Ernesto Román. Editado por CONACULTA, Cineteca Nacional, Nueva Era. México, 2006. 82 páginas.
El cine pornográfico (también llamado cine porno, o simplemente porno) es aquel en el que explícitamente se muestran los genitales mientras se realiza el acto sexual y cuyo propósito es el de excitar al espectador.
También existen dibujos animados pornográficos, destacando los de producción japonesa, conocidos como hentai.
Hoy en día Hungría es el mayor productor europeo de cine porno, que difiere enormemente del estadounidense.
Estados Unidos es el mayor productor de cine porno mundial, localizándose su epicentro en el área conocida como San Fernando Valley, frecuentemente también denominada como The Valley o The Porn Valley, situado en la ciudad de Los Ángeles (California),también conocida como la «capital mundial del porno». En 2005, lafacturación de la industria del porno estadounidense superónotablemente a la de la industria cinematográfica convencional de Hollywood.Estados Unidos es el mayor país consumidor y productor de porno delmundo. La película pornográfica estadounidense más conocida esprobablemente Garganta profunda.
Garganta Profunda (Deep Throat) es una película pornográficaestadounidense que se estrenó en enero de 1972, escrita y dirigida por Gerard Damiano y protagonizada por la actrizLinda Lovelace.Fue exhibida en todo tipo de salas cinematográficas (no sólo salas X) yes probablemente la película pornográfica más exitosa e influyente detodos los tiempos. También fue extraordinariamente rentable,considerando el bajo presupuesto de producción en relación con lasganancias.
Sinopsis
La protagonista no consigue llegar al orgasmo, por lo que acude a la consulta de un sexólogo. Éste, después del reconocimiento médico, le dice que, por una mutación genética, tiene el clítoris en la garganta. La protagonista conseguirá tener una vida sexual plena mediante la práctica de la felación, lo que explica el título de la película.
Años 1960el CINE PORNO
En los años 1960 algunas actitudes sobre la representación de lasexualidad comenzaron a cambiar. Películas europeas como I Am Curious(Yellow) (1969) y Language of Love (1969) mostraban escenas sexualesexplícitas, aunque se clasificaban como cuasi-documentales, lo quehacía su status legal confuso.
En 1969, Dinamarca se convirtió en el primer país en legalizar lapornografía hardcore, y pronto comenzaron a producirse películasargumentales con escenas sexuales, a menudo con un carácter cómico,como en Bordellet (1972) y I Jomfruens tegn (1973), protagonizadas poractores generalistas y normalmente no calificadas como películas porno,a pesar de incluir alto contenido sexual. También en 1969 se legalizóla pornografía en los Países Bajos, lo que condujo a una explosión delporno producido comercialmente. Ahora que pornógrafo era una ocupaciónlegítima, no había problema alguno en que los emprendedores invirtieranen equipo para redirigir el producto hacia una comercialización masiva,de coste reducido, pero con calidad. Grandes cantidades de esta nuevapornografía, tanto en formato película como revista, terminaron enotras partes de Europa a través del contrabando, vendiéndoseclandestinamente o, en ocasiones, exhibiéndose en clubs elitistas.
Años 1970
La progresiva relajación legislativa permitió que en los años 1970se produjese un crecimiento de los cines calificados X en numerosospaíses. Al mismo tiempo, proliferaron también cabinas de monedas en sexshops que reproducían escenas de películas en forma de bucle.
Se considera habitualmente que la primera película explícitamentepornográfica con argumento que recibió una distribución masiva en losEstados Unidos fue Mona the Virgin Nymph (también conocida como Mona),una cinta de 59 minutos de 1970 protagonizada por Bill Osco y HowardZiehm, quienes a continuación producirían la, relativamente de altopresupuesto, película de culto Flesh Gordon, hardcore o software segúnla versión.
La película de 1971 Boys in the Sand trajo consigo una serie denovedades. Por un lado, fue la primera película generalizada de cinepornográfico gay. Aparte de este hecho, fue también la primera enincluir créditos en pantalla para el reparto y el equipo de producción(mayoritariamente pseudónimos), en parodiar el título de una películade cine convencional (en este caso, The Boys in the Band), y también enser analizada por The New York Times. Otras películas hardcoreestadounidenses significativas de la época son Deep Throat (1972),Behind the Green Door (1972), The Devil in Miss Jones (1973), RadleyMetzger's The Opening of Misty Beethoven (1975) y Debbie Does Dallas(1978).
En Nueva York, la obra de Gerard Damiano, Deep Throat, tomó especialrelevancia, y una razonable aceptación popular, dando nacimiento altérmino "porno chic", reconocido como una tendencia cultural. Ciertossectores predijeron que la representación explícita del sexo seconvertiría en algo común en los años siguientes, pero la sociedad nollegó a aceptar dicho cambio, manteniéndose en una postura másconservadora. William Rotsler afirmó al respecto en 1973 que "Laspelículas erótica están aquí para quedarse. En algún momento,simplemente se integrarán en películas generalistas y desaparecerá comouna subdivisión cinematográfica. Nada puede pararlo". En Gran Bretaña,sin embargo, Deep Throat no fue aprobada en su versión sin cortes hasta2000, y no fue reproducida públicamente hasta junio de 2005.
Un importante caso legal en los Estados Unidos fue el de Millercontra California, en 1973. El veredicto estableció que la obscenidadno estaba protegida legalmente, pero también impuso el test Miller, unaserie de pruebas para diferenciar obscenidad (ilegal en Estados Unidos)de indecencia (que puede ser legal o ilegal).
Años 1980
Con la aparición de los grabadores de vídeo domésticos a finales delos años 1970 y principios de los 80, la industria cinematográficaexperimentó un crecimiento masivo, y dio a luz a estrellas del cineadulto como Ron Jeremy, Christy Canyon, Ginger Lynn, John Holmes y Traci Lords,y directores como Gregory Dark. Para 1982, la mayoría de las películaspornográficas eran editadas en formato cinta, mucho más económico.Numerosos directores se resistieron a este cambio al principio a causade la diferente calidad de imagen ofrecida por el videocassette,resultando beneficiados aquellos que antes se adaptaron, que sehicieron con buena parte del mercado en tanto en cuanto losconsumidores se decidieron en masa por el nuevo formato. El cambiotecnológico fue rápido, y la mayoría de los directores se dieron cuentade que continuar rodando en película había dejado de ser una opciónrentable. Este cambio trajo consigo un cambio mayor, al trasladar laspelículas desde las salas de cine a los hogares de la gente, lo cualsignificó el fin de la era de producciones de gran presupuesto y lapornografía de amplio espectro. En poco tiempo, la industria se regresóa sus raíces y se expandió rápidamente para cubrir cualquier feticheposible, aprovechando el bajo coste de producción. Se pasó de cientos amiles de películas rodadas al año, incluyendo compilaciones de lasmejores escenas sexuales de varias producciones. El consumidor no solopasó a poder disfrutar de la pornografía en el confort y la intimidadde su propio hogar, sino que además podía elegir entre un ampliocatálogo para satisfacer sus fantasías y fetiches.
Asimismo, la cámara de vídeo supuso otra revolución en el cinepornográfico en la década de los 80, al permitir a la gente rodar suspropias películas amateur con alto contenido sexual, bien para usoprivado o para una distribución mayor.
Entre otras cosas, la derrota de Sony Betamax frente a VHSen la guerra de formatos de cinta se atribuye a la elección por partede la industria pornográfica del formato VHS en lugar del técnicamentesuperior sistema de Sony.
En 1987 tuvo lugar un importante suceso legal en los Estados Unidoscuando se legalizó la pornografía hardcore a consecuencia del resultadodel juicio de la República de California contra Freeman. Irónicamente,la persecución de Harold Freeman fue la primera de una serie de demandas planeadas de antemano para intentar ilegalizar dichas películas.
Años 1990
El mundo del porno se vio sacudido por la expansión de dos tecnologías en los años 1990: el DVD e Internet.
El DVD ofrecía mejor calidad de imagen y sonido, y fue recibido porlos pornógrafos con el mismo entusiasmo con el que fue recibido por losgrandes estudios de Hollywood y los consumidores. Asimismo, el DVDintrodujo innovaciones como los vídeos "interactivos", permitiendo alusuario seleccionar finales alternativos, múltiples ángulos de cámara ycontenidos extra para ordenadores.
Sin embargo, Internet es probablemente la causante de los mayorescambios en la distribución de pornografía desde que esta existe: enlugar de comprar una película en un establecimiento en persona, orealizar un pedido por correo, la gente pasó a poder ver películaspornográficas en sus ordenadores. En lugar de esperar semanas para queun pedido llegase, con Internet es posible descargar una película enunos minutos.
La pornografía en Internet se distribuye a través de varios canales,principalmente vía sitios de pago, servicios de almacenamiento de vídeoy redes peer-to-peer. Aunque la pornografía era motivo de intercambioen Internet desde los años 1980, fue la invención de la World Wide Weben 1991, así como la apertura de la red de redes al público general, loque condujo a la explosión del porno online. Al igual que las cintas ylos DVD, Internet se ha ratificado como un medio inmensamente popularde distribución, especialmente debido al anonimato que brinda alusuario, que puede disfrutar de contenidos de alto contenido sexual enla comodidad y privacidad de su hogar, abriendo así este mercado agente que, de otra forma, tendría vetado el acceso por restriccioneslegales o sociales.
Una consecuencia inmediata del crecimiento del porno en Internet,fueron las dificultades legales en cuanto a casos de obscenidad, entanto en cuanto las leyes varían entre diferentes estados o países, aunsin existir dichas discriminaciones en la red.
Algunos directores importantes de esta década son Viv Thomas, Paul Thomas, Andrew Blake y Antonio Adamo.
En 1998, la productora danesa nominada a los Oscar, Zentropa, seconvirtió en la mayor primera compañía de cine convencional en producirabiertamente películas pornográficas hardcore, comenzando conConstance. El mismo año también produjo Idioterne, dirigida por Larsvon Trier, la cual ganó varios premios internacionales y fue nominada ala Palma de Oro en Cannes. Esta película incluía una secuencia de duchamostrando una erección masculina y una escena de una orgía con primerosplanos de penetración (con la cámara enfocada desde los tobillos de losparticipantes). Idioterne inició una oleada de nuevas películasconvencionales representando imágenes de sexo explícito, como Romance,de Catherine Breillat, protagonizada por la estrella porno RoccoSiffredi.
En 1999, la emisora danesa Kanal København comenzó a emitirpelículas hardcore en horario nocturno, sin decodificar y disponiblesen abierto para cualquier televidente en la zona de Copenhage (a fechade 2009, aún continúan dichas emisiones, cortesía de Innocent Pictures,compañía creada por Zentropa).
Subgéneros pornográficos
Aunque básicamente presenten sexo, lujuria y erotismo,las películas pornográficas tienen diferente maneras de hacerlo para elgusto del aficionado. Según si muestra o no los genitales masculinos:
softcore se refiere a la pornografía en donde haysexo real pero nunca se ven los genitales (efecto que se logracambiando el ángulo de visión de la cámara);
hardcore,por el contrario, sí se filma (o fotografía) la penetración, se ven losórganos genitales y muchas veces se hace el acto sexual de manera mássalvaje de lo habitual.
Hay dos clasificaciones importantes en el cine porno Gonzo y Feature o argumental: :
Gonzo: Dícese de aquella película en la que no se busca uninterés por la historia narrada, sino que únicamente lo importante esfilmar el acto sexual de manera explícita.
Argumental (o Feature): Es aquel cine porno en elcual hay una producción complicada, con guión, personajes,encabezamiento nudo y desenlace. Es una película normal en la que elsexo esta presente y visible.
Pornografía según edad
Lolicon es el anime pornográfico que aparecen imágenes de niños o personajes que aparentan ser niños.
Mature o MILF (maduras), este porno los personajes son mujeres muy mayores por encima de los cuarenta años, incluso aparecen hasta ancianas.
Teen (adolescente), también conocido como barely legal(apenas legal), son actrices o modelos pornos muy jóvenes, siempre de18 años recién cumplidos (edad autorizada por la ley) y aparentan sermuy jóvenes. En las películas se buscan escenarios como cuartos dechicas y estereotipos de adolescentes, además de usar vestuarios paracrear fantasías y llamar la atención de los jóvenes y adultos quebuscan nuevas experiencias.
Escrito por amigofilms2000 el 26/10/2009 20:09 | Comentarios (0)
Una felicitacion a Miguel A. Reina (UN ALIADO EN EL TIEMPO-Cortometraje-2008) por estrena su nuevo Cortometraje SEGURO DE VIDA con Samuel Roga y Rocio Vazquez. Musica del Grupo His-Panic Esten pendientes de la PREMIER .
Miguel A. Reina en La Muestra de Venecia
Termino el rodaje del nuevo proyecto de Sergio Tovar Velarde (Mi Ultimo Dia-Largometraje) Infinito con Ricardo Polanco (Bajo La Sal ) ,Andrea Riera (Sicario) y La Maestra Astrid Hadad
Sergio Tovar Velarde con Hugo Catalan en rodaje de Infinito
El Terror en la India: Losinicios del cine indio de terror se remontan a los años 40’s con Mahal(1949), de ahí en adelante este género e realizo de una forma muysobria, nada muy importante, pero en Octubre de 1984 en la ciudad deBombay sucedió un hecho son precedentes en la historia cinematográficade la India, los animales se pusieron nerviosos, hubo estampida deelefante, las serpientes ya no salían de sus canastos y la tierratembló, es que una película de terror era exitazo total en la taquilla,los responsables fueron dos hermanos, Shyam y Tulsi Ramsay, hijos deuna verdadera casta de cineastas indios iniciada por al patriarca de lafamilia F.U Ramsay ahí por los años 60’s, bautizados por la audienciacomo “los hermanos del terror” (algo así como los Cohen Malditos de laIndia) y su obra maestra la llamaron “Purana Mandir” o traducido albuen castellano “El Templo Antiguo” (ahora la venden como “El TemploMaldito” que suena más pulento).
La Historia: Enun pasado muy lejano y en el medio del bosque al gran Rajá (pelá) se leha chingado una rueda del carruaje real, mientras su “team castrol” desúbditos cambian la rueda lo más rápido que pueden, la esposa del Rajáno se le ocurre nada mejor que salir a dar una vuelta por el espesolúgubre y neblinoso bosque en donde encuentra un templo abandonado(este inicio me recuerda mucho a la Maschera del Demonio, guardando laskilométricas proporciones claro está), la mujer decide entrar acopuchar y por metiche es atacada por el horrendo demonio, “Samri”, unbrujo poseído que vivía dentro del templo, brujo que estéticamente es algo así como el crossover entre un hombre lobo a medio convertir con algún mendigo alcohólico,osea un ser de excretable apariencia. Samrí absorbe los ojos de la pobremujer y esta a gritar como marrano llama la atención de la comitivareal, parten en su auxilio y Samri más que rápido es sometido con unextraña arma, el tridente del dios Shiva (que es el equivalente Indú ala cruz católica). Luego de ser capturado Samri es llevado a tribunales(¡!aló??), si señor, en la India hasta los monstruos tienen derecho a un juicio justo y parcial, cuentocorto el demonio en sentenciado a morir decapitado (o sea que el juiciosirvió para que lo maten igual). Obviamente y como en toda película elbrujos condenados no se irá al averno sin prometer la clásica venganzay maldiciones, la cual reencarnará en cada descendiente femenino de lafamilia impidiéndoles sobrevivir luego de dar a luz (onda, paris unguasho y te mueres al toque).
Luegode esta excelente intro, la película nos traslada el presente (1984) elheredero del Rajá es un hombre de negocios, viudo y padre orgulloso deuna hermosa jovencita llamada Suman, resulta que esta muchacha estaprofundamente enamorada del apuesto Sanjay, pero su padre por miedo aesta terrible maldición no aprueba para nada esta relación, inclusocuando se entera manda a unos matones a darle una descomunal paliza alpobre cabro (que buen suegro), por suerte en ayuda de Sanjay llega unamigo de el y juntos reparten charchazos por todos lados… yla huevada de golpe se convierte en la tremenda película de artes marcialescon patadas voladoras y combos, que aunque nunca tocan a su oponenteigual hacen daño…. Como ven empezó la delirante mezcla de géneros,empezó el Masali.
Buenodespués de que queda la cagada y ya tenemos encima unas cuantascoreografías de baile y cantos raros que no entendemos (baile a loTravolta incluido)… arrepentido el padre de Suman le explica a lapareja el por que de sus celos y sobreprotección extrema al tiempo quefinalmente aprueba la relación (¡!pero sin verle el ojo a la papa!!),la joven pareja impulsada por su deseo de pelar la gallina creo yo,deciden embarcarse en la cruzada para acabar con la maldición,dirigiéndose al mismo templo antiguo para luchar contra el mal y asípoder follar tranquilamente y tener hijitos.
Perola cosa no les sale fácil, en el camino se encontraran con una tribu desalvajes, brujos, posesiones infernales, duchas sangrientas, casasembrujadas, muchos efectos estrambóticos y varias coreografías de bailey canto que deberán sortear entes de lograr su misión.
Comentario
Estapelícula es importante en la historia del cine indio, de hecho esconsiderada la película de terror más importante salida desde ese país,ya que en ella se establecieron muchos de los cliches que hacen esecine la huevada rara y exótica que es para los ojos occidentales hoy endía, esto de mezclar géneros, bailar cantar y después asesinatos ymonstruos y después baile y canto otra vez, es una cosa que antes dePurana Mandir no se veía, por lo menos en una película de terror. Lainfluencia occidental adaptada a su cultura fue sin duda un gran saltoy gancho comercial, la utilización del erotismo acá es una volada muyloca, como los Indios eran muy pacatos en estos temas (desconozco sitodavía lo son) la insinuación sexual es una cosa que vemos a cada ratopero siempre tapaditos, por ejemplo una cosa muy degenerada es queAnand anda con una cámara fotográfica para todos lados sacándole fotosa …. pero siempre toma puros close up, adivinen a donde…si, a lastetas, al culo y a la pata de camello, pero de una forma ultradescarada, supongo que eso era lo máximo a lo que se podía llegar amostrar en una película de este tipo.
La historia, los clichés,fotografía y la ambientación también son importantes, todos elementosinfluenciados fuertemente por el cine occidental en especial por laHammer (otra vez), con estas películas europeas los Ramsay aprendierona iluminar de distintos colores y a manejar el terror de una forma más“comercial”.
Después de Purana Mandir, Boolywood se inundo depelículas de terror (que bacán) y si los Ramsay que ya eran bastantepsicotrónicos imagínenen como fueron el resto de los explotadoresindios, que en el terror ochenteno (y copiando las produccioneshollywoodenses) vieron una verdadera mina de oro que explotar, estefenómeno se extendió por más o menos una década. Lamentablemente(¿porque siempre hay una lamentablemente por la chucha!!?) deproducciones indias en occidente tenemos y conocemos una cagada, lapunta de iceberg si lo comparamos con el tiraje que tuvieron en losochentas y principios de los noventa, esperemos que algún díafinalmente se destape la caja de Pandora y tengamos toda la filmografíafantástica India a nuestra disposición, hasta el momento nos tenemosque conformar con los goterones solamente, salidos de empresas pequeñaspero con grandes iniciativas como son Mondo Macabro u Onar Films, quede a poquito están rescatando las joyas perdidas de la psicotroniamundial.
Esta película la pueden comprar en DVD remasterizadacon una calidad impresionante y una gran cantidad de extras en MONDOMACABRO DVD, más encima la edición viene con otra película de regalollamada “Bandh Darwaza (1991)” nada menos que la primera película devampiros Made in India” así que esta es una de esas maravillas que valela pena comprar si tienes la oportunidad...
Ho el gran Rajá Pelá
Samri a recibiendo sentencia
las efervescentes luchas
Escrito por amigofilms2000 el 27/11/2009 18:19 | Comentarios (0)
Creo que si hablamos de peliculas y directores de Culto nuestro primer reflejo mental seria George A . Romero . sinónimo de ZOMBIE.
George Andrew Romero (Nueva York, 4 de febrero de 1940) es un director, escritoractor de cineestadounidense. Es famoso por sus películas de terror que involucran muertos vivientes, las cuales ofrecen una crítica sobre varios aspectos de la sociedad Si bien no fue el primero en hacer este tipo de películas, Romero ha sido considerado por muchos el creador del arquetipozombi en la cultura popular, al incorporar varios de los elementos característicos de este tipo de criaturas. Gran parte de las características utilizadas en sus películas fueron luego emuladas por otros directores.
Internet Movie Data Base http://www.imdb.com/name/nm0001681/
La Noche de Los Muertos Vivientes (Night of the Living Dead)
La trama es sencilla y familiar, incluso para los espectadoresocasionales de este género: los muertos regresan a la vida, esparciendosu misma condición a través de los Estados Unidos y atacando a los vivos para alimentarse de su carne. Fue filmada en la ciudad de Evans (Pennsylvania).
Aunque fue una película de bajo presupuesto y fue dirigida por undirector nuevo en su tiempo, la película es considerada una obraclásica del horror por muchos críticos de cine, y se colocó en el lugar93 en la lista de los 100 del American Film Institute durante su centésimo aniversario.
Fue rodada en blanco y negro, y utilizó efectos especiales de bajo costo, por ejemplo usando jarabe de chocolate como sangre.
Trailer Original http://www.youtube.com/watch?v=5gUKvmOEGCU&translated=1
Datos La Noche de los Muertos Vivientes : Uno de los Videojuegos mas importantes de CAPCOM Residen Evil Tomo la idea de la Noche de los muertos vivientes para la saga de sus aventuras y creo el Survival Game.
La Noche de Los Muertos vivientes esta conciderada como uno de los mejores finales en la historia del cine.
Cuando los guionistas decidieron basar la película en zombis, ellos pensaron con qué cosa sobrecogerían y darían más miedo a la gente, y acabaron llegando a la conclusión del canibalismo.
En la escena en donde Ben (Duane Jones) está clavando las maderas a la puerta, unos números pequeños se pueden llegar a ver en ellas. Se habían escrito en la parte posterior de las mismas para poder ser quitadas y reemplazadas entre los rodajes, preservando así la continuidad. Algunos números son visibles porque en verdad se clavaron los tablones al revés.
Cuando el filme tuvo el título provisional de "Night of the Flesh Eaters", en un principio se había pensado en que el origen de los muertos vivientes eran cuerpos humanos poseídos o contaminados por aliens llegados a la Tierra en un satélite de la NASA proveniente de Venus. Al final, se concretó en que la supuesta causa de que los cuerpos se levantaran y volvieran a la vida, era debido a la radiación provocada por un satélite estrellado de la NASA que volvía de Venus. En el resto de secuelas, no se vuelve hacer mención al supuesto origen de los zombis.
Cuando escribieron el primer borrador del guión John Russo y George Romero bajo el título de "Monster Flick", la historia de terror-comedia trataba sobre unos jóvenes aliens que visitaban la Tierra y se hacían amigos de unos adolescentes humanos. Posteriormente, en una segunda revisión del guión, en este caso era un muchacho, que estando algo alejado de su casa, descubría los cadáveres de unas personas siendo el alimento de unos aliens.
La ropa de los actores toda ella era de segunda mano.
Cuando los zombis están comiendo los cuerpos de las personas del coche incendiado, los restos eran realmente jamón asado cubierto con chocolate.
La mano del zombi que Tom (Keith Wayne) corta con un cuchillo de cocina, estaba hecha de arcilla y rellenada con el sirope de chocolate. Se utilizó cera de un empresario de pompas fúnebres para el maquillaje de los zombis.
Las entrañas de las víctimas fueron suministradas por un carnicero a un precio total de 300 dólares.
La película se grabó en Pittsburgh y en otras localidades cercanas en el estado de Pennsylvania (USA), durante varios fines de semana sucesivos y días festivos. Todo el equipo técnico y artístico colaboró de forma desinteresada con la promesa de que cobrarían si la película funcionaba en taquilla.
Cuando se escribió el guión la película se llamó "Monster Flick", aunque luego se cambió a "Night of the Flesh Eaters", pero se tuvo que volver a cambiar ante la amenaza de un productor que ya había hecho un filme de terror con ese título ("The Flesh Eaters" (1964) de Jack Curtis); pasó a llamarse "Night of Anubis" durante el rodaje (el nombre de Anubis procedía del dios del embalsamiento y la momificación en el antiguo Egipto), y finalmente se tituló "Night of the Living Dead".
John A. Russo, que escribió y realizó el montaje junto a George Romero, tiene dos cameos en este filme, hace de: reportero militar en Washington y el zombi a quien Ben le golpea en la frente con un hierro. Además, dirigió las nuevas escenas de la edición del 30º aniversario. La conocida actriz de cine de terror, Debbie Rochon, tiene un cameo como zombie en la nueva edición.
S. William Hinzman, asistente de cámara en la original y director de fotografía en la nueva edición, tuvo un cameo en ambas, era el zombi del cementerio (para interpretarlo se inspiró en el actor Boris Karloff, a quien había visto en una película); su hija, Heidi Hinzman, hizo de Rosie en la nueva edición.
Karl Hardman, que hizo de Harry Cooper, fue productor, técnico de efectos sonoros, maquillador y realizó las fotografías que aparecen al final de la película. Además, es el padre real de Kyra Schon, quien hace de Karen Cooper, y años más tarde se casó con Marilyn Eastman (su segunda esposa), quien hace de Helen Cooper, colaboró en el maquillaje y en el montaje. Karl Hardman y Marilyn Eastman eran presidente y vice-presidente respectivamente de la productora de cine Hardman Associates, Inc.
Otras películas de terror que Romero tomó como referencia para este filme, fueron: "La legión de los hombres sin alma" (1932), "La rebelión de los muertos" (1936), "Yo anduve con un zombie" (1943), "La invasión de los ladrones de cuerpos" (1956), "El fantasma de Mora-Tau" (1957), "Invasores invisibles" (1959), "The Killer Shrews" (1959), "The Earth Dies Screaming" (1964), "La plaga de los Zombies" (1966).
En toda la película no se emplea la palabra: "zombi". El eufemismo más cercano utilizado en el filme para describir a los muertos vivientes es "esas cosas".
La inspiración inicial para este filme, Romero la obtuvo a través de la novela "Soy Leyenda" ("I am Legend") de Richard Matheson, y de su correspondiente adaptación en "El último hombre sobre la tierra" (1964).
"La noche de los muertos vivientes" primero se llamó cuando se escribió el guión Monster Flick, aunque luego se cambió a "Night of the Flesh Eaters", pero se tuvo que volver a cambiar ante la amenaza de un productor que ya había hecho un filme con ese título; pasó a llamarse "Night of Anubis" durante el rodaje, y finalmente se tituló "Night of the Living Dead".
El filme se estrenó con escenas censuradas en Australia, Canadá, Finlandia, Francia, Noruega, Suecia, USA (originalmente clasificada como X), Suiza, Inglaterra, y Alemania.
Vincent D. Survinski, director de producción en este filme, tiene un cameo como uno de los pistoleros; su hermano, Regis Survinski, se encargó de los efectos especiales junto a Tony Pantanello.
El sótano y las escaleras que se ven en la película no existían en la casa donde se filmó la película, sino que se rodaron en el sótano que había en el estudio de montaje.
En 1999 se lanzó al mercado una edición por el 30º Aniversario, en donde se incluyeron nuevas escenas (algunas de ellas por falta de presupuesto no se rodaron en su día) rodadas en 1998 por John A. Russo, el director de fotografía fue S. William Hinzman.
En el momento del lanzamiento de una película, cualquier trabajo que no incluyera un aviso de Copyright era asumido de dominio público. Pues la distribuidora original, Walter Reade Organization, olvidó incluir dicho aviso en las impresiones, y el filme se consideró de dominio público. En un principio, los productores de la película lo tenían puesto para el título de "Night of the Flesh Eaters", pero la Walter Reade eliminó dicha declaración cuando quitó ese título y lo sustituyó por "La noche de los muertos vivientes". Este problema años más tarde fue solucionado cuando hubo una modificación en la ley.
Bill Cardille, quien hace del reportero en televisión, era en la realidad una celebridad en la televisión local de Pittsburgh. Conocido como "Chilly Billy" Cardille, tras esta película consiguió un puesto como presentador de un programa de películas de terror en el Canal 11 y de vez en cuando presentaba las noticias.
Para los efectos especiales del maquillaje fue originalmente contratado Tom Savini, pero no pudo hacerlo, pues fue enviado por el Ejercito norteamericano a Vietnam como fotógrafo de combate. Romero le conoció buscando actores para un antiguo proyecto que nunca se realizó, "Whine of the Fawn"; Savini fue rechazado por Romero como actor. Años más tarde, cuando Tom se enteró de la nueva película que George preparaba, quedó un día con él, y le llevó un portafolios con todos sus trabajos en efectos especiales. A Romero le encantaron.
Durante el rodaje de la secuencia del cementerio, dicha escena se rodó entre 2 días, y un accidente inesperado en el coche que se utilizaba obligó a reescribir esa parte del guión. En medio de ese corto intervalo de tiempo, alguien cogió el coche y le hizo una abolladura que era bastante visible en cámara; por eso, George A. Romero tuvo que cambiar la escena haciendo que el coche se acabara estrellando contra un árbol. El coche conducido por Barbara (Judith O'Dea) y Johnny (Russell Streiner) era en realidad de la madre de Russell Streiner, el productor.
Columbia Pictures fue el único estudio de Hollywood interesado en distribuir la película, pero acabó rechazando la idea porque se trataba de un filme en blanco y negro que hubiera tenido que competir con los nuevos televisores en color. Lo irónico fue que en 1990 la Columbia se encargó de distribuir el remake en color. Otro estudio, American International Pictures (AIP) consideró distribuir la cinta, pero querían que Romero rodara otro final distinto y añadiera más escenas de amor entre los personajes. Al final, la distribución la terminó realizando la Continental con una mínima campaña publicitaria, pues no confiaba demasiado en el éxito que acabó consiguiendo, convirtiéndose hoy día en una auténtica película de culto.
La sangre falsa era en realidad sirope de chocolate de la marca Bosco. Este mismo efecto y con el mismo producto lo utilizó antes Alfred Hitchcock en Psicosis.
En un principio, la idea original era que Harry Cooper moría por el disparo recibido de Ben antes de que su hija se convirtiera en un zombi, lo que haría que Helen bajara las escaleras y se lo encontrara comiéndose a su propia hija; en vez de al revés como al final ocurre. Pensaron que podía ser demasiado perturbador y gráfico, y optaron por cambiarlo. Rucilam
Una de las ideas originales para el guión, antes de sus varias revisiones, era que el personaje de Barbara fuese de carácter fuerte y carismático. En lugar de eso, Romero y los productores decidieron que la actriz Judith O'Dea hiciera de una mujer catatónica y aterrorizada por la situación. Dicha idea fue más tarde recuperada por Tom Savini en el remake de 1990, igual que otra en la que Barbara era la única superviviente al asedio de los muertos vivientes. Rucilam
Según afirma George A. Romero en la versión en DVD, los materiales y elementos utilizados en el rodaje de la película ya no existen, se perdieron en una inundación del sótano (el mismo donde se rodó la peli) en el cual se tenía guardado todo ello.
El cuerpo en la parte de arriba de la casa fue hecho por el director George A. Romero, quien empleó bolas de ping-pong para los ojos.
Mientras Romero y John A. Russo escribían el guión, pensando en la manera de acabar con los zombis, Marilyn Eastman bromeó sobre la idea de que se le podrían lanzar tartas a sus rostros. Esto luego sirvió de inspiración para la escena de la pelea con pasteles en la secuela Zombi (1978).
En la película fueron utilizadas dos camionetas. La primera en la escena del comienzo y otra para la escena de la gasolinera. Sin embargo, olvidaron romperle los faros.
La casa utilizada en la película fue prestada a los productores por el dueño, quien tenía pensado demolerla de todos modos, por ello les permitió hacer con ella lo que quisieran.
La camioneta Chevy vista en la nueva fotografía no es la misma que la de la versión original. Los productores encontraron un vehículo muy parecido que pertenecía a un residente local, y se lo pidieron prestado, los técnicos lo dejaron casi igual al utilizado en 1968.
El cementerio de Evans City que fue usado en la versión original, no pudo utilizarse en la nueva versión, ya que antes del rodaje, un tornado había pasado por el lugar provocando importantes destrozos y dejado varias tumbas al descubierto.
La premiere mundial del filme tuvo lugar en el Fulton Theatre en Pittsburgh (Pennsylvania, USA), un sábado a las 8 de la tarde de un 1 de Octubre de 1968, a la cual sólo se podía asistir con invitación. La película terminó con una sonora ovación del público.
Uno de los reclamos publicitarios que la Walter Reade Organization puso en marcha, era una póliza de seguro por valor de 50.000 dólares para cualquier persona que muriese de un ataque al corazón mientras veía la película.
Cuando John A. Russo estaba escribiendo el guión tenía en mente una historia muy parecida a la del filme "Teenagers from Outer Space" (1959) de Tom Graeff, pero dicha versión al final no fue filmada. Sin embargo, se compró los derechos de su banda sonora que eran de dominio público por 1500 dólares y se usó en esta película.
George Kosana, director de producción de este filme, tiene un cameo como Sheriff McClelland.
Tanto los protagonistas, Duane Jones (Ben) y Judith O' Dea (Barbara), como casi todo el resto del reparto, interpretaron su primer papel en una película.
Richard Ricci, quien junto a George Romero y Russell Streiner a principios de los '60 fundaron la productora The Latent Image, tiene un cameo como zombie; su primo, Rudolph J. Ricci, también aparece como zombie, pero lo curioso es que además en un principio fue considerado para hacer el papel de Ben.
Russell Streiner, productor de esta película, interpreta a Johnny; además, estuvo casado con Judith Ridley, quien hace de Judy (el papel lo consiguió porque trabajaba de recepcionista para Karl Hardman y Marilyn Eastman). Jacqueline Streiner, pariente de él, trabajo como coordinadora. Su hermano, Gary R. Streiner, trabajó como ingeniero de sonido en este filme, y contar que durante la grabación de la escena donde Ben (Duane Jones) hacía arder el sillón, tuvo un accidente pues se prendió un brazo y comenzó a correr desesperadamente, S. William Hinzman le socorrió y le ayudó a extinguir las llamas tirándolo a la tierra; Gary debía extinguir el fuego del sillón para preservar la continuidad con secuencia siguiente.
Roger McGovern, padre del actor Terence McGovern, aparece en la nueva edición como zombie.
Tommy Goodwin, mezclador de efectos sonoros en cerca de 400 producciones, tuvo un cameo como zombie en la nueva edición de este filme. Rucilam
Diana Michelucci, la madre que está con sus dos hijas en el coche estrellado (aparece en la nueva edición del filme), aparece en esa escena junto a Dawn Michelucci, su hija real, y Jessica Streiner, hija del productor Russell Streiner.
George A. Romero, director, guionista, editor y director de fotografía en esta película, tuvo un cameo como el reportero de Washington sin barba que se le ve en el televisor y pregunta en la calle a un general y a unos científicos antes de que se metan en un coche.
Scott Vladimir Licina, quien compuso la música de la nueva edición, en la misma tuvo un cameo como Reverendo John Hicks. Durante el rodaje de las nuevas escenas en el cementerio, sufrió un golpe de calor y tuvo que estar hospitalizado un par de días.
La película tuvo un presupuesto de sólo 114.000 dólares, pero consiguió recaudar 12 millones de dólares en Estados Unidos y 30 millones de dólares en todo el mundo.
Fue la primera película de terror en tener un afroamericano como protagonista.
A los extras que hicieron de zombis se les pagó un dolar y se les dió una camiseta que decía: "yo fui un zombi en La Noche de los Muertos Vivientes".
El padre de la niña del sótano (Karl Hardman) hizo también de maquillador, técnico de efectos sonoros y fotógrafo (hizo las fotos que aparcen junto los créditos y cierran la película).
Dos productores recibieron dos pequeños papeles, y un tercer productor que era carnicero, proporcionó sangre y vísceras.
La influencia más importante fue "El Carnaval de Almas" (Carnival Souls) de Herk Harvey de 1962.
Se pensó que el protagonista fuera un camionero en un principio, pero finalmente se optó por un tipo educado y bien vestido.
En España, para promocionar la película se incluyó una enfermera en cada cine donde se emitió para hacer frente a posibles shocks y desmayos.
Esta película levantó el tabú sobre el canibalismo en el cine.
Es la película que introduce el elemento del canibalismo en el mito, algo que sería algo mucho más explícito a partir de su secuela.
Por Cesar Amigó El Chico Malo Del Cine
Escrito por amigofilms2000 el 18/05/2009 05:09 | Comentarios (0)
El Cine Giallo es un subgénero cinematográfico de origen italiano, derivado del thriller y del cine de terror.El nombre de "Giallo" (amarillo en italiano), se debe a que estaspelículas, están basadas en los argumentos de una colección de novelascon la cubiertas de ese color. Este tipo de películas fue iniciado por Mario Bava con la película La muchacha que sabía demasiado (1963)
Dicho género provocó que durante la década de 1970 (y gran parte de la década de 1980)las pantallas se llenaran con títulos enigmáticos, protagonizados porpsicópatas enmascarados, con guantes de cuero, y bellas mujeres enpeligro que se movían compulsivamente en una trama enrevesada.
Tres films del director Dario Argento hicieron resurgir este subgénero.
En estas tres películas, el director italiano utiliza su más famosorecurso narrativo, es decir, deja en el subconsciente del protagonistala clave del misterio sobre la identidad del asesino, reforzando así elsuspense.Ese enigma siempre se revela al final (a veces de una manera delirantey tramposa) y cuando sale a la luz, generalmente en forma de flashback, se desata la más visceral de las violencias.
Visita estos DOCUMENTALES AN INTRODUCTION TO GIALLO FILMS
Celine (Elsa Pataky), una bella modelo americana, acude a la Semana dela Moda de Milán sin sospechar que va a ser víctima de un secuestro.Ahora está en poder de un asesino en serie que se hace llamar Giallo(Amarillo), que la tortura sin piedad. Entonces comienza una búsquedadesesperada que llevará a la hermana de Celine, Linda (EmmanuelleSeigner), a contactar con el detective Enzo Avolfi (Adrien Brody).
Trailer oficial de la pelicula http://www.youtube.com/watch?v=lK5Fn4L4QhE&translated=1
Nació en Roma, sus padres fueron el productor de cine Salvatore Argento y la modelo brasileña Elda Luxardo. Empezó su carrera como crítico de cine, escribiendo para varias revistas mientras estudiaba. No entró a la universidad, eligiendo escribir para el diario "Paese Sera".
La siguiente película de Argento fue Suspiria (1977), un thriller violento y sobrenatural; muchos fans nombran a Suspiria y Rojo profundocomo los mejores trabajos de Argento. Esta película era la primera dela trilogía sobre «Las tres madres», tres antiguas brujas que vivían entres ciudades modernas diferentes. La segunda película de la saga fue Inferno en los años 1980. Pero la trilogía no se pudo completar debido a problemas financieros.
En 1987 se estrenó la película Opera,mal recibida por los fans y críticos. Además hubo otros incidentes, lamuerte del padre de Argento fue durante la producción, la protagonista Vanessa Redgrave dejó el proyecto después que la filmación había comenzado, tuvo problemas trabajando con su colaboradora y pareja Daria Nicolodi,la filmación estuvo llena de pequeños accidentes y errores queconvirtieron a la película en una de las peores experiencias de Argento.
Volvió al género giallo con Insomnio (2001) y El Jugador (2004), recuperando a algunos de sus fans, pero su nuevo estilo no fue visto del todo bien por la crítica.
En el año 2005 dirigió un capítulo de la serie Masters of Horror titulado «Jennifer», el trabajo fue recibido de buena forma por los críticos. Este mismo año realiza el telefilm ¿Te gusta Hitchcock?.
En diciembre de 2006 se estrenó «Pelts», un nuevo capítulo de Masters of Horror, dirigido por Argento.
En 2007 pudo concluir la trilogía «Las tres madres», rodando La terza madre.
Suspiria es la obra maestra del director italiano Dario Argento, basada en la novela "Suspiria de Profundis" de Thomas de Quincey. Protagonizada por Jessica Harper, Alida Valli, Stefania Cassini, Joan Bennett y Miguel Bosé en 1977.
Abriendo con una larga e impactante secuencia en donde el ritmo y las originales tomas de cámara determinan uno de los momentos más memorables dentro del cine de horror, Argento nos muestra un cuento mágico y pesadillesco que hace gala de su arquitectura, ambientación y fotografía.
Argumento
Cuenta la historia de una estudiante de ballet estadounidense llamada Suzy Banyon que llega a la ciudad de Friburgoen Alemania para continuar con sus estudios en una famosa academia quees dirigida por una secta de brujas, al mando de Helena Markos "LaReina Negra" o mejor conocida gracias a su secuela "Inferno"como la "Mater Suspiriorum" (de ahí el título de la película). Laingenua protagonista va encontrándose con situaciones extrañas que laconfunden hasta llevarla al delirio mientras algunos personajes vanmuriendo de manera atroz.
Realización
El filme fue realizado en el mismo edificio donde fue escrito "Elogio a la locura" del escritor Erasmo de Rotterdam, lo cual demuestra que fue muy inspirador para la realización de estas dos excéntricas obras.
La banda sonora fue compuesta por el extinto grupo de rock progresivo “Goblins”, dando como resultado la más truculenta y eficaz música para una película de terror hasta el momento.
Video Clip DEMONIA
http://www.youtube.com/watch?v=x9wl9_hNNGg
Miscelánea
“Suspiria” cuenta ya con la tercera parte llamada hasta el momento “La Terza Madre”,que contará la historia de la “Mater Lacrimarum” esperando superar lasexpectativas de sus anteriores filmes, los cuales no han sido bienrecibidos por la crítica ni el público en general.
Como dato curioso, en varios países se ha considerado a “Suspiria”como cine de arte, siendo la única película catalogada al mismo tiempoen el género gore, aunque por supuesto después de verla es sencillosaber por qué, pues todo el concepto visual es impecable.
Dato Curioso MASTERS OF HORROR
En en una toma del episodio Cigarette Burns, vemos un teatro el cual exhibe en cartelera la película de Darío Argento Profundo Rossoel cual uno de los empleados que maneja la cámara de proyección paraver la misma, corta una de las escenas de la película y la pone en un libro etiquetando el lugar que va a depositar la película con elapellido del director (Argento).
El capítulo Jenifer es la adaptación de un cómic corto de terror del mismo nombre publicado en la revista Creepy en julio de 1974.
Dario Argento Dirige Dos Capitulos de MASTERS OF HORROR
Jeniffer Un oficial de policía salva a una sensual joven con rostro deforme deser asesinada, pero esto lo conducirá a la autodestrucción.
Pelts Un peletero consigue y crea un abrigo de pieles de mapache paraintentar acabar con su mala racha con una stripper,de la cual él estáenamorado, pero las pieles con las que lo ha hecho esconden terriblesconsecuencias a todo aquel que las acaricie.
El Pajaro de las plumas de Cristal
Película rodada en 1970 por Dario Argento, siendo su opera prima e iniciando su primera trilogía, la de los Animales compuesta por esta, El gato de las 9 colas y Cuatro moscas sobre terciopelo gris.Producida por su padre: Salvatore Argento y protagonizada por TonyMusante, Suzy Kendall, Enrico Maria Salerno y un gag de Dario Argentoque pone sus manos al asesino.
Fue la primera película giallo (con permiso de Mario Bava)de la historia, un género que se basa en las novelas que se publicabanen los años 20 en Italia que trataban de asesinatos y misterios.
Sinopsis
Sam Dalmas, un joven escritor americano, está a punto de marcharsede Roma para volver a Estados Unidos. La noche antes de su marchaasiste a la agresión de Monica Ranieri: alguien la apuñala y desapareceen la oscuridad.
El comisario Morosini es encargado de la investigación e informa aSam de la posible presencia de un asesino en serie en la ciudad: lamisma persona que ya ha matado con arma blanca a tres chicas podríahaber intentado apuñalar a Monica. Sam decide aplazar su marcha einvestigar por su cuenta...
Comentarios
Está considerada la mejor película del director de culto Darío Argento, junto a sus obras maestras: Rojo Oscuro y Suspiria,y supuso la opera prima de uno de los mejores directores de cine deterror y suspense, siempre con la maestría de construir lugares oscurosy asfixiantes.
La música fue compuesta por Ennio Morricone (al igual que el resto de la misma trilogía).
Como pista en la película para resolver el misterio, Argento nos dauna pista visual al principio del film que es imperceptible para elcerebro, como ya hizo en Rojo Oscuro.
La segunda parte de la trilogía (llamada El gato de las 9 colas) no llega a superar la maestría del Pájaro de las plumas de cristal, y su tercer parte (Cuatro moscas sobre terciopelo gris) puede que esté a la misma altura que este film.
Por Cesar Amigó ( El Chico Malo del cine)
Escrito por amigofilms2000 el 13/07/2009 01:46 | Comentarios (0)
Hace exactamente 30 años aparecio en las carteleras la extraña imagen de algo que parecia ser un huevo junto con una amenazante leyenda EN EL ESPACIO NADIE PUEDE OIR TUS GRITOS, ALIEN de Ridley Scott.
Su estilo eleva la importancia de la experiencia sensorial (visual,sonora) en un filme. El cine de Scott utiliza a la iluminación,fotografía, creación de ambientes y sincronía con la música y el sonidocomo "actores" adicionales que contribuyen a la experiencia total delespectador. Esta característica puede ser percibida en los anuncios de televisión que Scott ha dirigido (más de 2000).
Sus primeros filmes (especialmente Los duelistas, Alien, y Blade Runner)proporcionan al espectador una experiencia completa donde las escenasson recordadas no solamente por los actores que intervienen o pormomentos específicos del guión, sino por el ambiente recreado en ellas.
Ridley Scott fue el primero en utilizar comercialmente ladenominación "Director's Cut" (‘montaje del director’) para una obraque el director reedita para el público y en la que se apreciandiferencias con la versión estrenada originalmente.
Algunas de sus películas son consideradas como auténticas obras deculto, especialmente "Blade Runner" y "Alien, el octavo pasajero".
En 1966 comenzó a trabajar como diseñador de interiores. A partir de1968 Giger se dedicó exclusivamente al arte y sus primeros postersfueron publicados hacia 1969. Durante esa época mantuvo una relación con Li Tobler, con la que grabaría varios cortos. El suicidio de su amada en 1975 marcó para siempre la obra de Giger.
Conocido entre el gran público por diseñar y desarrollar junto a Carlo Rambaldi la criatura y algunos escenarios de la película Alien, el octavo pasajero de Ridley Scott (1979, basándose en sus propias obras anteriores, como "Necronomicon V")por la que le concedieron en 1980 el oscar al mejor diseño deescenarios. También participa en la parte estética de otras películas,como Species (Roger Donaldson,1995) siendo sus trabajos usados en las portadas de muchos libros ydiscos. Asimismo, ha realizado trabajos para videojuegos como Dark Seed, una aventura gráfica de ambientación lovecraftiana. Posteriormente se presta voluntario como diseñador de Alien 3, ya que James Cameron, reusó de su trabajo para Aliens. También participó en el diseño del lado oscuro de Poltergeist II, quedando bastante desilusionado del tratamiento que se le dio en la película a sus diseños.
Giger ha utilizado mayormente el aerógrafocreando imágenes surrealistas y paisajes de pesadilla. Destaca tambiénsu mezcla de representaciones de cuerpos humanos mezclados conmáquinas, descritas por él como Biomechanical. Estas imágenes contienen un alto grado de fetichismo a la vez que añade simbología sexual un tanto subliminal. En su obra podemos encontrar la influencia de artistas como Erns Fuchs, Jean Cocteau y Salvador Dalí.
Alien, el octavo pasajero es la primera parte de una saga de cuatro películas de ciencia ficción. La protagonista de esta saga es la Teniente Ellen Ripley, interpretada por Sigourney Weaver,quien se convierte en la principal oponente de una serie de criaturaspertenecientes a una raza alienígena, comúnmente llamadas aliens. Aliense considera como la primera película importante de Hollywood con unaheroína como protagonista. Su impacto cultural fue tan grande que sehicieron novelas e historietas, basados en su historia.
Desde el 2002, la Biblioteca del Congreso estadounidense la consideró culturalmente trascendental, y se guardan copias de esta primera parte en el Registro Nacional de Filmes (nombre oficial de la filmoteca nacional estadounidense).
Datos Curiosos
El guión original fue escrito por Dan O'Bannon, se titulaba Star Beast (Bestia estelar) y tiene varias diferencias con la obra final:
2. Toda la tripulación sería masculina, luego se decidió incluir dos tripulantes femeninas.
3. El actor Tom Skerritt interpretaría al tripulante Ripley, aunqueen el desarrollo de los personajes se hizo otra audición para queRipley fuera una mujer, este hecho influyó en el éxito del largometraje.
El guión fue reescrito por Walter Hill y David Giler para eliminarlo superfluo de la trama y orientarlo más a la acción, lo cual provocóconflictos con O'Bannon.
El primer director fue Walter Hill, posteriormente sustituido por Ridley Scott.
Scott renunció a filmar una escena donde Dallas y Ripley mantenían relaciones sexuales para minimizar la censura.
Originalmente, cuando los tres tripulantes del Nostromo llegan alorigen de la transmisión, encuentran que el piloto extraterrestrefosilizado, en sus últimos momentos de vida, rascó un triángulo en suconsola de control; salen de la nave extraterrestre, para descubrir unapirámide donde Kane entra para explorar y descubre un altar con unosextraños huevos, una atmósfera respirable y unos jeroglíficos que describen el ciclo de vida de la criatura. En vez de lo anterior, Gigersustituyó la pirámide por una enorme cámara dentro de la nave ysuprimió el altar y los jeroglíficos. Estos tres conceptos fueronreconsiderados en la secuela Alien vs. Predator del año 2004, excepto la parte del Space Jockey, el misterioso alienígena piloto.
El Space Jockeytambién es motivo de controversia, pues todo él está rodeado demisterio. Por ejemplo, se dice que pertenecía a una raza de gigantesbiomecanoides que crearon a los aliens de la película, pero que se lesfue de las manos y se extinguieron por ello. Además en la película hayun detalle curioso: el piloto tiene el tórax reventado, como si algohubiera emergido de él, razón para pensar que un facehugger(atrapacaras) del cargamento lo habría infectado y habría creado unacriatura, el Jock-alien, que murió mucho antes de que llegasen los hombres de la Nostromo.
Se filmó incompletamente una escena donde Kane prepara la comida dela tripulación, antes de morir, pero nunca fue incluida. Sin embargo,es material adicional en la edición en DVD.
Se filmó una escena que muestra a la criatura de cuerpo completo,encogida en el suelo, después se acerca agachada a Lambert y se levantapara matarla. La escena tampoco se incluyó en la película porque RidleyScott quiso mantener el misterio sobre el aspecto completo de lacriatura. También es material adicional en la edición DVD.
El material eliminado es adicional en el DVD de la película:
La tripulación escuchando la misteriosa transmisión, que ocurredespués de la junta. Después Lambert traza en un mapa estelar latrayectoria recorrida por la nave. Rastrea la procedencia de latransmisión para saber su destino. La escena fue quitada para apresurarla escena de la llegada al planeta.
Mientras Parker y Brett hacen reparaciones a la nave, Ripley losllama para que la informen de sus avances. Esta escena muestraantipatía entre Ripley y Parker.
Mientras Ash y Dallas examinan a Kane, Ripley llega a la enfermería y Lambert la abofetea, reclamándole la frustrada cuarentenaque casi le obligó a cumplir a Kane. Esto desemboca en una corta luchaentre las mujeres hasta que son separadas. La eliminación de la escenaoculta el resentimiento de Lambert hacia Ripley.
Después de revisarse los daños que provocó el derrame de ácido, latripulación de nuevo en la enfermería discute sobre el destino de Kane.La escena fue eliminada por ser incongruente para entender la trama.
Inmediatamente después de la muerte de Kane y antes de su funeral,aparece otra escena en el comedor, ya limpio, donde la tripulacióndiscute lo que harán. La escena fue eliminada por ser incongruente paraentender la trama.
Una muerte diferente para Brett.
Cuando Ripley consuela a Lambert, después de lo sucedido a Dallas,y le pregunta si copuló con Ash. La conversación se interpreta como unareconciliación entre ellas.
Según el guión de la película, habría una escena después de laconversación anterior, donde Parker se encontraba a la extraña criaturafuera de los conductos de ventilación. Sólo se escenificó una porciónen la que Parker transmite instrucciones a Ripley que está en el puente.
Una secuencia donde Parker mira a la extraña criatura entrando alconducto de ventilación, la entrada se sella abruptamente hiriéndola yel derrame de ácido activa la alarma de despresurización de la nave. Laescena retorna a Lambert en el puente.
Después de que Ripley mira los cadáveres de Lambert y Parker,descubre la madriguera creada por la criatura, también a Brett muertoy, a Dallas agonizante dentro de capullos. Dice unos comentarios delamento y lo quema todo. La eliminación de esta escena oculta undetalle del ciclo vital de la criatura.
En octubre de 2003 aparece una nueva versión del largometraje, en DVD, que restaura algunas escenas y cortos eliminados de la primera versión:
La tripulación escuchando la misteriosa transmisión.
La piloto Lambert manoteando a Ripley.
Un diálogo eliminado durante la confrontación de Ripley contraDallas en el corredor por permitirle a Ash conservar el cadáver de lacriatura que se aferró a la cara de Kane.
Más tomas en la muerte de Brett.
El descubrimiento que hace Ripley de la madriguera de la criatura, pero se excluyen los comentarios de lamento que dice.
Una toma no vista donde la criatura empuja la caja del gato fuerade su camino después de verla, dentro de la escena donde interrumpe elpaso a Ripley hacia la nave de escape.
Pero también elimina otras:
La conversación entre Ripley y Dallas, donde él comenta que lacompañía sustituyó al oficial científico original por Ash dos díasantes de partir de Thedus.
Una secuencia de Dallas preguntando a Madre la probabilidadde matar a la criatura y no obteniendo respuesta, antes de entrar enlos conductos de ventilación a enfrentarla.
Debido a la película The Brood, también de 1979, Alien también es catalogado dentro del subgénero de terror Body Horror.
Contó con un presupuesto de 11 millones de dólares.
El guión completo de O'Bannon aparece en la colección DVD Tetralogía de Alien del año 2003.
Para escribir el guión original, Dan O'Bannon se inspiró en una vieja idea de adaptar un mito de la Segunda Guerra Mundial, sobre gremlins que no sólo averiaban un bombardero en pleno vuelo sino que también mataban a la tripulación.
Los anuncios publicitarios en el cine y la televisión advertían quela película era misteriosa, pero nunca revelaban su contenido con elfin de despertar el interés de los espectadores para ir a verla. Elmisterioso anuncio mostraba un suelo árido y un enfoque aumentado de unhuevo de gallina quebrándose de enmedio, liberando luz y vapor.Inmediatamente después se mostraba el título y el lema En el espacio nadie escucha tus gritos.
Sólo uno de estos anuncios reveló al fin que se trataba de una película de terror-ciencia-ficción.
El diseño de la criatura, sus edades, las naves, sus interiores, el relieve de la luna, fueron creados por el pintor surrealistasuizoHans Ruedi Giger. El estado adulto de la criatura fue inspirado en una de sus pinturas. Por su obra recibió el único Oscar que ganó Alien.
El extra que se disfrazaba de la criatura era Bolaji Badejo, un estudiante universitario nigerianode dos metros de altura muy delgado que encajaba perfectamente con lasilueta de la criatura. Badejo hizo célebre su disfraz, pero su nombrees desconocido.
El U.S.C.S.S. Nostromo es la nave espacialficticia que aparece en la película. Se trata de una nave de cargaremolcadora de 243.8 metros de longitud que transportaba a latripulación de Ellen Ripley.
El nombre de la nave es tomado de los antiguos pilotosmaestres navegantes de barcos. El nombre de la nave está tomado de la novela homónima del autor inglés de origen polaco Joseph Conrad, Nostromo. Una historia del litoral, escritor por quien Ridley Scott estaba influenciado, al grado de llevar al cine una de las noveletas de Conrad llamada "Los Duelistas".Ubicado erróneamente por algunos críticos como autor de obras deaventura, Conrad abreva sin embargo de ese espíritu que de algunamanera guiaba la conducta de los hombres de mar: la verdaderaaventura que está en el viaje, el conocimiento, el enfrentar lodesconocido, el mar por antonomasia, el espacio por similitud, y salirairoso. Y es este mismo espíritu el que se encuentra presente en Alien,en donde la nave Nostromo, es movida por la expresión quizá másacabada del espíritu aventurero: la salvación del hombre, en este casono una salvación espiritual, sino objetiva, la del mismo hombre comoespecie diferenciada en el espacio. El Alien que nomina al film es el polizónque en el seno mismo de la nave encontrara las condiciones parareproducirse, lo que pone en peligro a la tripulación que representa ala especie humana.
La ausencia de secciones rotatorias y la capacidad atmosférica de lanave, previo desacople del inmenso módulo de carga, hacen suponer laexistencia de generadores de gravedad artificial en el interior de la nave y de propulsores gravimétricos.
La nave está equipada con módulos de escape con sus propias cápsulas de hibernación y motores subluz para viajes interplanetarios.
El nombre original era Leviatán.Curiosidades extras El alien aparece desnudo tiene la apariencia de unapersona erguida media unos 2.30m y pesaba 120kgs Ripley apareciacompletamente vestida al igual que los demas personajes escompletamente ciego solo se guia por el calor y la entrepierna careciade sexo lo cual no se sabe si es hembra o macho
Visiten Proyecto Yautja
http://www.proyecto-yautja.com
Aliens, el regreso es la segunda parte de la saga de ciencia ficción Alien. Si la primera películacreó el concepto de la feroz criatura asesina, la segunda le da formaal Universo imaginario de Alien, del cual se basan para hacer más novelas e historietas, así como los videojuegos
correspondientes a su historia.
Datos Curiosos
Quizá uno de los importantes logros de la película, además de mantener la misma atmósfera claustrofóbica y oscura de su predecesora,es el de esclarecer los misterios planteados en esa primera parteacerca del ciclo de vida de los aliens. Y lo hace de una forma originaly muy verosímil lo que le confiere un realismo pocas veces visto. Lacolonia de aliens resulta estar gobernada por la voluntad de una Reina, semejante a las reinas de los insectos sociales. Dicha reina es mucho más grande que los demás individuos y pone huevos sin parar a través de un abdomen gigante adherido a su tóraxdel cual se puede desprender a voluntad si se siente atacada. Y aquí esdonde está lo más fantástico de todo, porque estos huevos que pone sonen seguida recogidos y agrupados por los zánganos que protegen su cubil.
Dichos huevos resultan ser del mismo tipo que los encontrados por los tripulantes de la nave Nostromoen la primera parte de la saga. Los zánganos deben salir de caza conperiodicidad para capturar presas que serán expuestas a los huevos dela reina. De los huevos sale la criatura en forma de araña (facehugger) que atemorizó en el filme precedente. Esta araña es la incubadora. Es la que introduce la larvaparásita en el aparato digestivodel huésped. De esta forma queda cerrado el ciclo de vida convirtiendola película en pieza fundamental para entender a estas criaturas que senos presentan en El octavo pasajero y que nos dejan con tantas incógnitas.
Este ciclo de vida no era el que había imaginado Ridley Scotten su primera parte. Toda la estructura de la colonia alien, la reina,engendramiento de los huevos y los zánganos fue creada en la segundaparte. Los cortos y escenas suprimidos en la primera parte para mantener en misterio a la criatura (Xenoforme),permiten que en la segunda parte se pueda inventar todo sobre ésta, seexplica y resuelve de forma muy ingeniosa casi todos los enigmas delprimer filme, y se minimizan las incongruencias dentro del filme: estenombre utiliza el término griego xenos, extraño (raíz del gas Xenón) más la palabra "forme", que tiene forma.
Por otro lado, el guión crea otros conceptos que fueron incluidos enposteriores historietas, novelas y videojuegos correspondientes al tema:
Nombrar Corporación Weyland-Yutani a la mencionada Compañía del primer filme.
La existencia de otras organizaciones humanas interestelares, como la Comisión de Comercio Estelar y la Administración Colonial.
La existencia de Marines coloniales y de sus sofisticadas armas.
La terraformación: Transformación artificial de atmósferas planetarias o lunares irrespirables a otras adecuadas para la vida terrestre y la colonización.
Nombrar a la criatura "Xenoforme", este nombre fue dado por elteneniente Gorman al explicar a los marines qué es lo que encontrarán.
Mientras completaba la preproducción de The Terminator en 1983, el director James CameronAlien del año 1979 con el productor David Giler.Como fan de la primera peli, Cameron estaba interesado en crear unasegunda parte y se autorecluyó para sacar ideas para la segunda partede Alien. Alien II. Tras cuatro días, Cameron tenía unahistoria inicial que ocupaba 45 páginas, pero por temas de cambios enla gestión de la 20th Century Fox, la peli se puso en un estado deespera porque, en parte, pensaban que Alien no había generado beneficios suficientes para garantizar una secuela. Por un problema de horarios con el actor Arnold Schwarzenegger, la peli The Terminator se pospuso 9 meses debido a que estaba rodando Conan the Destroyer, lo que permitió a Cameron teer tiempo para desarrollar el guión para Aliens. Durante el rodaje de The Terminator, Cameron escribió 90 páginas para Aliens, y aún el guión no estaba terminado, Fox estaba sorprendida y le dijo a James que si The Terminator tenía éxito, podría dirigir Aliens. discutió la posibilidad de trabajar en una secuela de la peli Alien, El Octavo Pasajero
Tras el éxito de The Terminator, Cameron y su compañera Gale Anne Hurd tuvieron la aprobación para dirigir y producit la secuela de Alien,cuyo estreno estaba programado para 1986. Cameron estaba entusiasmadode poder crear un nuevo mundo y optó por no seguir la fórmula que rigióla primera entrega, sino crear una versión con más combate centrada enel terror y no en el horror.Sigourney Weaver, que interpretó a Ellen Ripley en Alien,tenía dudas acerca del proyecto, pero tras reunirse con Cameron ellamisma expresó el interés en volver a interpretar a Ripley. Pero 20thCentury Fox no quiso firmar un contrato con Sigourney por una discusiónacerca de su retribución y pidió a Cameron que reescribiera o hicierauna historia sin Ellen Ripley.Él se negó argumentando que, cuando empezó a escribir el guión, la Foxindicó que ya había firmado el contrado con Sigourney. Con lainsistencia de Cameron, Fox firmó el contrato con Sigourney por el cualla actriz obtuvo 1 millón de dólares, una suma que era 30 vecessuperior que lo que recibió para hacer la primera entrega. Weaverobtuvo el mote de su personaje en la secuela "Rambolina".
Cameron cogió la inspiración militar para Aliens de la Vietnam War, una situación donde la potencia tecnológica superior no siempre sirve en un entorno hostil y desconocido. En la peli Aliens los Marines son contratados para proteger los intereses de la Weyland-Yutani Corporation,que se corresponde con las creencias en las razones que tenían lastropas americanas para ser enviadas al Sur de Vietnam. Y se basan en lamisma creencia que tenían dichos soldados de que, gracias a susmáquinas y tecnología, la guerra ya estaba ganada.
Conceptos y diseño
Un diseño inicial fue creado por Syd Mead, que trabajó en la peli 2010 y Tron. Uno de los diseños inciales para la Sulaco la hacían de forma esférica, pero fue rediseñada para que fuera de una forma alarga debido al aspecto anamórfico de la peli aspect ratio.Cameron le enseñó a Mead su concepto, que fue descrito como "unlanzatorpedos que transporta cosas". Los artistas de diseño fueron losencargados de incorporar detalles subliminales de la guerra de Vietnam,que incluyeron el diseño de la dropship como una combinación entre un F-4 Phantom II y el AH-1 Cobra.
Algunas de las escenas en la madriguera de los Aliens se filmaron en una central eléctrica abandonada en Acton, London.El personal de producción creyó que era un lugar perfecto por suscorredores y escaleras metálicas estrechas. Los problemas que seencontraron fueron los del óxido y los asbestos,así que tuvieron que invertir parte del presupuesto en limpiar losasbestos. Dicho set, el de la madriguera de los aliens, no se desmontótras el rodaje, y fue reutilizado en 1989 como la fábrica química AxisChemicals en Batman. Cuando el personal de producción de BatmanBritish Airwaysestaba reequipando y actualizando varios de sus remolcadores, y elpersonal de Aliens pudo comprar uno viejo para usarlo como APC. Pesaba70 toneladas y, aunque consiguieron quitarle unas 35 toneladas de peso,la parte de la estación eléctrica por donde iba a ir el vehículo tuvoque ser reforzada para soportar el sobrepeso. El equipo usó muchascosas de desecho de la British Airways en la peli, como el lavabo deRipley que era el lavabo de un Boeing 747.Puertas blocantes, motores de helicópteros y máquinas expendedoras seusaron como decoración en la primera escena de la peli del hipersueño.El diseñador de producción Peter Lamont fue el encargado de reducir elcoste de varias escenas, incluyendo la que nos muestra a los marinesdurmiendo cuando van llegando a su destino. Gale Hurd quería cortartoda la escena, pero Lamont y Cameron sintieron que era importante parael desarrollo de la peli. Para ahorrar costes, solo se construyeron 4cabinas de hipersueño, usando un espejo para crear la ilusión de quehabía más en el set. En lugar de tubos hidraúlicos, las cabinas seabrían manualmente usando titiriteros de toda la vida. entraron en el set, lo encontraron casi intacto. La compañía
Casting
Cameron optó por contratar a actores que tuvieran, o pudieran hacer,acento americano. Un total de 3000 residentes del Reino Unido fueronlos que se presentaron al casting. Tras no encontrar a nadie,decidieron traer actores de américa incluyendo a Lance Henriksen, Bill Paxton, y Michael Biehn, que ya había trabajado con James Cameron en The Terminator.El actor para Newt (la niña) fue el más dificil de encontrar según eldirector de casting. Se hicieron pruebas a chicas de varias escuelas,pero se encontraron con que la mayoría habían hecho anuncios varios ytenían la costumbre de sonreir tras haber dicho su frase, cosa que noera conveniente en la peli. Carrie Henn,cuyo padre estaba destinado en una base militar estadounidense dellugar, fue elegida de entre 500 chicas aunque no tuviera experienciadelante de las cámaras.
Los actores que interpretaron a los Marines tuvieron que leer la novela Starship Troopers de Robert A. Heinleiny someterse a entrenamiento militar que incluía correr, llevar cargaspesadas, aprender saludos, marchas, despliegues militares, etc durante2 semanas. Al Matthewsya tenía experiencia militar y creyó que por eso le dieron el papel delSargento Apone. Cameron quería que el grupo de actores de Marinesentrenaran juntos, para poder formar sectores y que la camadería seviera en la pantalla. Sigourney Weaver, William Hope, and Paul Reiserse ausentaron del entrenamiento debido a varias obligaciones, peroCameron vio eso como algo positivo pues los personajes de esos actoresse verían como 'externos' al grupo habitual. Michael Biehn tampocoestuvo en las sesiones de entrenamiento, pues no se le contrató hastauna semana después de haber empezado el rodaje de la peli.
La primera versión del filme Aliens dura 132 minutos, porque el Director eliminó 17 minutos, que incluyen:
La escena de Burke diciendo a Ripley el destino de su hija.
La escena donde se muestra el nombre de la colonia, el número dehabitantes, y la entrada de un vehículo terrestre a las instalaciones.
La escena del administrador de la Colonia hablando con un empleado. (Mientras se contempla la vida cotidiana en la Colonia)
La escena del señor Russ Jorden explorando en compañía de su familia que culmina cuando se infesta de un "facehugger".
La escena donde los marines activan los robots centinelas.
Dos escenas donde los robots centinelas tirotean a los Xenoformes.
En 1992, James Cameron restauró las escenas anteriores, en una versión para disco láser, VHS y posteriormente aparece en DVD.
Ambas versiones aparecen en la colección Tetralogía de Alien aparecida en el 2003.
1. Los colonos no encontraron la nave extraterrestre a pesar de vivir mucho tiempo en LV-426.
2. Para buscar la nave, los colonos exploraron el terreno en vez de ubicarla inmediatamente rastreando la transmisión, que era continua y permanente, como sucedió en la primera parte.
3. La nave extraterrestre se muestra parcialmente destruida cuandoen la primera parte estaba intacta. Esto explicaría en parte el puntoanterior. la nave es dañada, Según algunas teorías, por la inestablesuperficie volcánica de LV-426.
Lo que aparece en ambas versiones:
4. En el juicio contra Ripley, le llaman planeta a la LV-426 cuando era una luna en la primera parte.
5. El aspecto del Xenoforme es diferente de la primera parte. Algoque se justifica bastante si se tiene en cuenta la mejora en losefectos especiales que hacen del nuevo alien una criatura más rápida ybestial. Además su cabeza no es lisa sino con acanaladuras, lo cualsignifica que han estado ahí desde hace mucho tiempo.
Lo que no aparece en ninguna versión existente:
6. una secuencia durante la escena en el laboratorio médico(después del primer barrido a la colonia) en la que Newt trata deescapar nuevamente siendo detenida por Hicks, el cual es mordido otravez a lo que responde: "espero que no tenga rabia"
7. una ecena en que los marines usan un lanza-granadas de seis tiros contra el nido alien.
8. Ripley, mientras busca a newt en el nido alien, encuentra aBurke atrapado y moribundo. este despierta y le pide ayuda a Ripley, lacual le entrega una granada como la de Gorman y lo deja solo. después,escucha la explosión y vacila por un momento, antes de seguir subúsqueda.
Alien³ es la tercera película derivada de Alien (1979) dirigida por Ridley Scott y continuada bajo el título de Aliens (1986), por James Cameron.
Su cine encierra una gran tensión psicológica, paranoia, pesadillasrecurrentes y demonios interiores de la psique humana. Es un perfectoconocedor de los miedos más ocultos del ser humano y en su cine esosmiedos están presentes en la mayoría de los fotogramas.
IMDB
http://www.imdb.com/name/nm0000399/
Visual y narrativamente su estilo es impecable, mostrando sobre todoun dominio magistral en la puesta en escena. Parte de su influenciavisual se la debe al video clip.
Datos Curiosos de Alien 3:
La secuencia inicial es más larga (la caída y rescate del EEV).
El alien es engendrado dentro de un especie de vaca que utilizan los reclusos. En el filme, es un perro el "huésped". En ambos casos, emerge (aunque pequeño) casi completamente desarrollado a diferencia de las cintas previas.
Durante el incendio de los túneles, consiguen atrapar a la criaturaen un depósito sellado, pero el desequilibrado convicto Golic (PaulMcGann) va en su busca y la libera.
El final de Ripley es ligeramente distinto.
Una escena donde se muestra que el interno Golic va a donde tenían el alien atrapado y lo libera.
Nota: el director no tuvo participación en la versión extendida presentada en la tetralogía.
La película fue nominada a los Oscars de la Academia en la categoría de mejores efectos especiales.
Además ganó los premios DVDX, Sierra y Golden Reel además de obtener otras 16 nominaciones.
Alien: Resurrección es la cuarta película de la saga Alien, precedida por Alien, Aliens y Alien³. Se estrenó en 1997. Esta entrega dirigida por el francés Jean-Pierre Jeunet.
Su película más popular es Amélie, la cual obtuvo cinco nominaciones a los Premios Óscar y otros diferentes premios cinematográficos. El actor Dominique Pinon aparece en todos sus largometrajes.
IMDB http://www.imdb.com/name/nm0000466/
Alien vs. Depredador es una película de ciencia ficción estrenada en 2004 que narra el encuentro entre los Aliens y los Depredadores.La película no fue muy bien aceptada por los fans. La frase con la queera reconocida la pelicula era "Una gran guerra se desatara, gane quiengane nosotros perdemos"
La película fue estrenada en dvd el día 25 de enero de 2005, mesesdespués, el 22 de noviembre de ese año, fue editada la versión sincensura (unrated) que incluye 8 minutos de escenas reintegradas almetraje de la película
El lema de la película, originalmente, iba a ser "su guerra, nuestromundo", pero al final decidieron elegir "gane quien gane, nosotrosperdemos". El lema original fue utilizado para la película de Transformers.
A lo largo de la película los nombres Alien y Depredador nunca sonmencionados, los personajes humanos se refieren a ellos como "losmonstruos" o "las criaturas".
El mismo actor que interpreta al androide Bishop en Aliensaparece aquí como Charles Bishop Weyland, el propietario de IndustriasWeyland. Cabe destacar que ese es el nombre de la compañía que buscabausar al alien como arma en la saga de Alien, Weyland-Yutani.
Los tres depredadores que aparecen en la película son nombradosCeltic, Chopper y Scar, además que el alien que mata a Celtic y Chopperes llamado Grid (en inglés, cuadrícula, debido a la cicatriz que leinfligió la red del predator Celtic).
El mensaje morseque la corporación Weyland envía significa, para el que entienda morseentre el público: "Whoever wins, we lose", o en español, el que es ellema de la película: "Gane quien gane, nosotros perdemos".
Alien vs. Depredador 2 es la secuela de la estrenada en 2004, llamada Alien vs. Depredador.La película comenzó a rodarse en septiembre de 2006 bajo la direcciónde los hermanos Strause y fue estrenada en diciembre de 2007.
Pagina Oficial http://www.avp-r.com/
Datos Curiosos
Las escenas del comienzo han sido motivo de controversia. Porejemplo, el altar sobre el que el cadáver de yautja Scar reposa cuandoemerge el revientapechos predalien no es el mismo que el de la escenafinal de Alien vs Predator. Otro detalle es que el predalien nace dentro de la nave madre yautja, pero la nave que captura y estrella en Alien vs Predator: Requiemcuando ya ha crecido no es la misma, sino otra más pequeña que, segúnlos fans, estaría acoplada a la nave madre y se separó de ella despuésde que el predalien creciera y se infiltrara en ella.
Esto fue aclarado con el lanzamiento del DVD edicion especial. Semuestra en una de las escenas eliminadas, como una pequeña nave sedesprende de la nave madre vista en la primera entrega. Siendo estapequeña nave la que se estrella.
Aún no se ha llegado a hablar de una secuela de Alien vs. Depredador2, ya que la película no fue un éxito como se esperaba, pero unahipotética secuela podría llevar los siguientes títulos (fuenterequerida):
-AVP 3: Survival of the Fittest (este iba a ser el título de Alien vs. Depredador 2, aunque decidieron suprimir ese título).
-AVP 3: Extermination.
-AVP 3: Fate of the Strongest.
-AVP 3: Deadliest of the species.
Salio Un Cortometraje Independiente en Red No Oficial
Batman Vs Alien , Predator Basado en la Novela grafica
Cortometraje:
http://www.youtube.com/watch?v=OL-metgvQ2Q
Por Cesar Amigó (El Chico Malo del Cine)
Escrito por amigofilms2000 el 12/06/2009 16:48 | Comentarios (3)
Esta nueva entrega THE FINAL DESTINATION tiene un nuevo toque que la hace muy atractiva y es que el filme se ve en 3-D todo el gore de esta cinta te salpicara hasta tu asiento.
La historia del 3D
Inmediatamente después del nacimientodel cine, en diciembre de 1895, ya se empezó a plantear la posibilidadde llevar esta nueva forma de espectáculo más allá y dotarlo de latercera dimensión que lo hiciera más real. Ya se sabía que elcerebro creaba la sensación de 3D sumando las dos imágenes recibida,una a través del ojo izquierdo y la otra a través del derecho. Por lotanto, era necesario crear una solución técnica que permitieraproyectar esas dos imágenes de forma separada para que el cerebro lasuniera.
Nacimiento del 3D
A finales de la década de 1890, William Freese-Greene, consideradoun pionero del cine, patentó el primer sistema cinematográfico en 3D,pero no tuvo éxito debido a lo complejo del mecanismo.
En 1900,Frederick Eugene Ives patentó una cámara con dos lentes pero tampocotuvo ninguna repercusión práctica. Lo mismo les sucedió a Edwin S.Porter y William E. Waden que ni siquiera lograron pasar de la fase deensayo cuando, 15 años más tarde, presentaron al público una separaciónde las imágenes basada en los colores rojo y verde, donde cada colorera “leído” por sólo uno de los ojos, gracias a unas gafas concristales rojo y verde. No pasaron de la fase de ensayos. No fue hasta el 27 de septiembre de1922 cuando llegó la primera película en 3D a las salas comerciales de Los Ángeles.
Sutítulo: The Power of Love”. Para lograr el efecto tridimensional, elproductor Harry K. Fairall y el cámara Robert F. Elder utilizaron ladoble proyección a partir de 2 tiras de película y, de nuevo, separandola imagen mediante los colores rojo y verde. La película no tuvo ningúnéxito pero fue el verdadero inicio del interés real por lacinematografía en 3D. Un interés que continuó durante los años 20 y quese vio frenado por la Gran Depresión de finales de la década, de modoque hubo que esperar hasta que, en 1934, mientras la Metro Golden Mayerobtenía algunos éxitos con cortos rodados en 3D, Louis Lumière presentó el remake tridimensional de su famosa película “Llegada del tren”, rodada con una cámara estereoscópica.
3D por fin en color
Aunque todas las películas en 3D se rodaban en color, el paso a laseparación en colores (anaglifo) hacía que los espectadores sóloobtuvieran una imagen en blanco y negro. La llegada de los filtrospolarizados patentados por Polaroid supuso un gran cambio, ya que nosólo era posible revelar las películas en color sino que se sustituíael uso de las gafas con cristales de color rojo y verde por otras confiltros polarizados de Polaroid. Pero estas gafas imponían la necesidad de crear dos imágenes separadas que debían ser proyectadas sincrónicamente por dos proyectores en una sola pantalla para lograr el efecto adecuado. En1937 se proyectó la primera película en 3D en color: “Zum greifen nah”,producida en Alemania, utilizando filtros Polaroid, aunque de forma nooficial. La primera que oficialmente utilizó filtros Polaroid sellamaba “In Tune with Tomorrow” y fue presentada en la ExposiciónMundial celebrada en Nueva York en 1939 y, aunque se proyectóinicialmente en blanco y negro, alcanzó tal éxito que al año iguientese hizo un remake en color.
3D, el éxito
Como muchos otros avances, el Cine en 3D sufrió el freno que supusola Segunda Gurra Mundial y no fue hasta principios de los años 50cuando los estudios cinematográficos y las empresarios de las salas loquisieron utilizar para intentar contener el avance de su grancompetidor: la televisión. Arch Oboler imtuyó las posibilidades queofrecía el formato “Natural Vision” que M.L. Gunzberg había intentadovender a varios estudios y lo utilizó para crear el primer largometrajeestereoscópico en color, a partir de dos tiras de película y filtrosPolaroid: “Bwana Devil”. A pesar de que los críticos no fueron muybenévolos con ella y a que era necesario detener la proyección parasolventar las limitaciones del sistema de doble proyección, estapelícula constituyó el primer gran éxito de taquilla y el inicio delboom del 3D. Muy pronto, llega también el sonido estéreo al cine en3D. “House of Wax” es la primera película que lo utiliza y que deverdad llega a una gran mayoría de público. Su actor principal, VincentPrice, no sólo se convertiría en la estrella del cine de terror sinotambién del Cine en 3D, ya que intervino en muchas películas de estetipo.
3D, el final
A pesar de los éxitos, en 1953 se detiene de nuevo la evolución debido a la excesiva complejidad de mantener el sistema de dos tiras de película; a que cualquier fallo en la sincronización daba al traste con la proyección y provocaba dolores de cabeza y cansancio visual a los espectadores y a que la proyección en 3D no permitía utilizar la totalidad del aforo de la sala, ya que desde las butacas laterales se perdía el efeco tridimensional. Afortunadamente, éxitos como “Kiss me Kate”, la famosa “Creature from the Black Lagoon” y “Dial M for Morder”, de Alfred Hitchcock, le dieron algo de continuidad, la llegada del Cinemascope o pantalla ancha, volvió a hacer que el 3D pasara a segundo plano, aunque consiguió un último éxito con una película de título reivindicativo: “Revenge of the Creature”.
3D, simplificado
Los años sesenta conocieron el estreno ocasional de películas en 3D,pero fue nuevamente Arch Oboler quien se encargaría de su nuevoresurgimiento creando el nuevo sistema Space-Vision 3D que imprimía dosimágenes superpuestas en una sola tira de película y que permitíautilizar un único proyector equipado con una lente especial. Obolerutilizó este sistema para su largometraje “The Bubble” que, de nuevo,fue maltratado por la crítica y bien recibido por la taquilla, por loque el Space-Vision logró introducirse en los estudios de cine, sobre todo en los independientes. En1970, la marca Stereo-Vision desarrolló otro sistema, en el que lasimágenes eran comprimidas una al lado de la otra sobre una misma tirade película de 35 mm y proyectadas mediante una lente anamórfica através de filtros Polaroid. Con este sistema se eliminaba el peligro dela desincronización. Con este formato se produjo la comedia de enredo“The Stewardesses”, un éxito económico tan grande para una película en3D que tuvo que ser reeditada posteriormente en formato 70mm 3D. En los25 años siguientes, Stereovision realizó 36 películas en 3D conformato anamórfico y pantalla ancha ó 70mm, aunque casi todas eran decarácter pornográfico, de terror o de una mezcla de ambos.
3D ampliado
En los años ochenta, el formato IMAX supuso un nuevo despegue del cine en 3D, que hasta1995 presentaba obras de carácter divulgativo. El sistema 3D Stereovision resurgió brevementeen los años ochenta y algunos jóvenes directores realizaron títuloscomo ‘Tiburón 3D’, ‘Amityville 3D’ y ‘Viernes13, tercera parte’. Así,desde mediados de los 80 y al margen de una serie de estrenos enformato IMAX, el cine en 3D quedó circunscrito al entorno de ferias yparques temáticos.
3D el despegue
En los inicios del nuevo milenio, el director James Cameron dió nueva vida a este Sistemacon la película ‘Ghosts of the Abyss’, el primer largometraje eneditarse en formato 3D-IMAX en 2003.
La cinta fue filmada con elsistema ‘Reality camera’, diseñado especialmente para Cameron queutilizaba cámaras de vídeo con formato HDTV en lugar de película.
Cuando al año siguiente se presentó ‘Polar Express’ como el primerlargometraje de animación en formato 3D-IMAX, su recaudación fue 14veces superior a la versión en 2D, lo que reavivó nuevamente el interéspor el cine en 3D. Las técnicas fueron refinadas y reajustadas y, almismo tiempo, se mejoraron los contenidos.
Actualmente, los queadelantados del cine en 3D son ‘RealD’, un sistema con proyeccióndigital de imágenes circularmente polarizadas donde se utilizan gafasactivas, y el sistema ‘Dolby 3D Digital Cinema’, que utiliza un filtrode color de espectro total montado sobre el proyector, permitiendo asíla proyección en 3D sobre pantallas blancas clásicas y donde las gafasutilizadas son las llamadas pasivas. Aparte de que se está procediendoa la digitalización de las películas ya existentes, cada vez másestudios están produciendo largometrajes de última generaciónespecialmente concebidos para 3D. En una palabra, parece que el 3D halogrado conquistar definitivamente su lugar en el mundo del cine.
Jeffrey Katzenberg, el jefe de DreamWorks Animation, decidieraque el futuro de las películas estaba en el 3-D! Inmediatamente despuésde haber visto el film, Katzenberg hizo una prueba en 3-D sobre unasecuencia de Kung-Fu Panda, y tras ver los resultados decidió que Monstruos contra Aliens fuera la primera película de DreamWorks Animation creada totalmente en 3-D. ¡La revolución 3-D había comenzado!
Y es que la época de la tecnología digital en las películas haeliminado prácticamente el 90 por ciento de las cosas que retrasaban el3-D.
Monstruos contra Aliens presenta una novedad, las películas en 3-D anteriores se rodaban en 2-D y luego se les daba un tratamiento en 3-D. DreamWorks utilizó lo último en tecnología estereoscópica digital para hacer Monstruos contra Aliens en 3-D desde el principio.
Monstruos contra Aliens
Monstruos contra Aliens
Las 3-D son el último hito en el desarrollo de películas. El cine haido avanzando en tres fases significativas: de las películas mudas alas sonoras, del blanco y negro al color… y ahora, del 2-D al 3-D. Enel pasado, el 3-D era poco más que un truco. El uso clásico que sehacía de él era hacer sentir a los espectadores que los objetos sesalían de la pantalla hacia ellos. Sin embargo, en DreamWorks, dondehan creado un sistema virtual de cámara en 3-D y un sistema de montajepara garantizar que sus películas en 3-D se hagan con tecnología punta,están convencidos de que el 3-D va a tener una larga vida y no va a serun simple truco. Así que lo más importante es que DreamWorks estáutilizando el 3-D como un medio para contar historias de una formanueva, innovadora y emocionante. La idea es que el 3-D meta alespectador dentro de la pantalla y aumente la emoción de ir al cine.
Los espectadores seguirán necesitando gafas, sí, pero no tendrán nadaque ver con las incómodas gafas de cartón que se llevaban antes. Lanuevas gafas 3-D son ligeras y de diseño puntero, y tan cómodas que elespectador pronto se olvidará de que las lleva puestas. No obstante sepiensa que al final los espectadores tendrán sus propias gafas 3-D demarca, igual que tienen gafas de sol para ir a la playa. Y llegará unmomento en que no se necesiten. Ya se están produciendo los avancesnecesarios de la tecnología. De nuevo, es sólo cuestión de tiempo elque esta ciencia esté lista para desplegar su magia en un cine. Y luego, con total seguridad se convertirá en parte del entretenimientoen casa. Ése debería ser el siguiente paso natural después de que el3-D se haya convertido en la norma en los cines. Es sólo cuestión decuándo estará disponible la tecnología para los hogares.
Eso sí. Las películas en 3-D son más caras de realizar. Si cuesta 150millones de dólares hacer una película, entonces harían falta 15millones más para hacerla en 3-D. Es más caro hacer una película deimágenes digitales en 3-D porque hay que proyectarla tres veces paraconseguir la visión del ojo derecho, del izquierdo, y de los doscombinados.
PROXIMOS ESTRENOS EN 3-D
Scar
AVATAR-James Cameron
Christmas Carol-Robert Zemmekis
This is it
Datos Curiosos:
FILMORGRAFIA de PELICULAS 3D
AMITYVILLE 3D (El Pozo del Infierno) DeLaurentis, 1983, Color, 105min Dirección: Richard Fleischer, con: Meg Ryan Horror
A*P*E (Gorila Contra Tiburón) Independent, 1976, Color, 87min. Dirección: Paul Leder
ARENA MGM, 1953, Ansco color, 70min Dirección: Richard Fleischer, con: Lee van Cleef Western
BWANA DEVIL / SPEAR IN THE SAND UA, 1952, Ansco color, 79min Dirección: Arch Oboler, con: Robert Stack Aventuras
CAT WOMEN ON THE MOON / ROCKET TO THE MOON (Mujeres Gatos de la Luna) Astor, 1953, b/w, 64min Dirección: Arthur Hilton, con: Sonny Tufts
CEASE FIRE Paramount, 1953, b/w, 75min Dirección: Owen Crump, Música: Dimitri Tiomkin Western
THE CHARGE AT FEATHER RIVER (La Carga Fatal) Warner Brothers, 1953, WarnerColor, 95min Dirección: Gordon Douglas, con: Vera Miles Western
COMIN' AT YA! (Yendo Hacia Ti) Filmways, 1981, Color, Dolby Stereo, 91min Dirección: Ferdinando Baldi Spaghetti-Western
CREATURE FROM THE BLACK LAGOON (El Monstruo de la Laguna Negra) Universal-International, 1954, b/w, 79min Dirección: Jack Arnold Horror
DANGEROUS MISSION (Nieves Traidoras) RKO, 1954, Technicolor, 75min Dirección: Louis King, con: Victor Mature, Vincent Price Policial
DEVIL'S CANYON (Infierno en el Desierto) RKO, 1953, Technicolor, 92min Dirección: Alfred Werker, con: Virginia Mayo Western
DIAL M FOR MURDER (La Llamada Fatal) Warner Brothers, 1954, WarnerColor, 105min Dirección: Alfred Hitchcock, Música: Dimitri Tiomkin, con: Grace Kelly, Ray Milland Suspenso
THE DIAMOND WIZARD (Agente Federal X-678) UA, 1954, Color, 83min Dirección: Dennis O'Keefe Policial
DOMO ARIGATO Sherpix, 1972, Color, 90min Dirección: Arch Oboler Drama
DRUMS OF TAHITI Columbia, 1954, Technicolor, 73min Dirección: William Castle Drama
QIAN DAO WAN LI ZHU / MING DYNASTY 1976, Color, 94min Dirección: Chang Mei Chun, con "Sonido cuadrofónico" Kung Fu
ANDY WARHOLS FRANKENSTEIN / FLESH FOR FRANKENSTEIN (Carne para Frankenstein) Bryanston, 1973, Color, 94min Dirección: Paul Morissey, con: Udo Kier, Joe Dallesandro Horror
FLIGHT TO TANGIER (Vuelo a Tánger) Paramount, 1953, Technicolor, 90min Dirección: Charles Marquis Warren, con: Jack Palance, Joan Fontaine Policial
FORT TI (Ticonderoga) Columbia, 1953, Technicolor, 73min Dirección: William Castle Western
THE FRENCH LINE (Línea Francesa) RKO, 1954, Technicolor, 102min Dirección: Lloyd Bacon, con: Jane Russell Comedia
FRIDAY THE 13TH, PART 3 (Martes 13: Parte 3) Independent, 1982, Color, 95,5min Dirección: Steve Miner Horror
IL PIÙ COMICO SPETTACOLO DEL MONDO Paramount, 1954, Ferraniacolor, 80min Dirección: Mario Mattoli, con: Toto Italienischer ZirkuCiencia Ficciónilm
THE GLASS WEB (El Crimen de la Semana) Universal-International, 1953, b/w, 81min Dirección: Jack Arnold, con: Edward G. Robinson Policial
GOG (El Monstruo de Cinco Manos) UA, 1954, Color, 82min Dirección: Herbert L. Strock Ciencia Ficción
GORILLA AT LARGE (La Bestia Negra) 20th Cent.-Fox, 1954, Technicolor, 84min Dirección: Harmon Jones, con: Cameron Mitchell, Anne Bancroft, Lee J. Cobb, Raymond Burr, Lee Marvin Intriga
GUN FURY (Hermanos Enemigos) Columbia, 1953, Technicolor, 81min Dirección: Raoul Walsh, con: Rock Hudson, Donna Reed, Lee Marvin Western
HANNAH LEE UA, 1954, Pathecolor, 78min Dirección: John Freland Drama
HONDO (Hondo) Warner Bros., 1953, WarnerColor, 84min Dirección: John Farrow, con: John Wayne, James Arness Western
HOUSE OF WAX (Museo de Cera) Warner Bros., 1953, WarnerColor, 6-Kanal-Stereoton, 90min Dirección: Andre de Toth, con: Vincent Price, Charles Buchinsky (luego "Charles Bronson") Horror
I, THE JURY (Yo, el Jurado) UA, 1953, b/w, 87min Dirección: Harry Essex Policial
INFERNO (Huellas en el Infierno) 20th Cent.-Fox, 1953, Technicolor, 83min Dirección: Roy Ward Baker Policial
INVADERS FROM MARS (Los Invasores de Marte) United Artists, 1953, Color, 81min Dirección: William Cameron Menzies Ciencia Ficción
IT CAME FROM OUTER SPACE (Llegaron de Otro Mundo) Universal-International, 1953, b/w, 90min Dirección: Jack Arnold Ciencia Ficción
JAWS 3-D (Tiburón III) Universal, 1983, Color, 98min Dirección: Joe Alves, con: Dennis Quaid, Louis Gossett Jr. Horror
JESSE JAMES VERSUS THE DALTONS (Jesse James Contra los Dalton) Columbia, 1954, Technicolor, 65min Dirección: William Castle Western
KISS ME KATE (Bésame, Catalina) MGM, 1953, AnscoColor, 109min Dirección: George Sidney, con: Kathryn Grayson, Howard Keel, Bob Fosse Musical
THE LITTLE MAGICIAN Navodaya, 2002, color Con: S. P. Balasubramanian y Suraj Balaji
LOUISIANA TERRITORY RKO, 1953, Pathecolor, 65min Dirección: Harry W. Smith Aventuras
THE MAD MAGICIAN (La Máscara Siniestra) Columbia, 1954, b/w, 72min Dirección: John Brahm, con: Vincent Price Horror
MAN IN THE DARK (El Hombre en las Tinieblas) Columbia, 1953, b/w, 70min Dirección: Lew Landers Policial
LA MARCA DEL HOMBRE LOBO 1967, color, 95min Dirección: Enrique L. Eguiluz - Con: Paul Naschy Horror
THE MASK Columbia, 1961, b/w, 83min Dirección: Julian Roffman, mit teilweisen 3D-Sequenzen Suspenso
THE MAZE (El Terror de la Torre) Allied Artists, 1953, b/w, 81min Dirección: William Cameron Menzies Fantasía
METALSTORM - THE DESTRUCTION OF JARED-SYN (Metalstorm) 1983, Color, 84min Dirección: Charles Band Ciencia Ficción
MISS SADIE THOMPSON (La Mujer de Satanás) Columbia, 1953, Technicolor, 90min Dirección: Curtis Bernhardt, con: Rita Hayworth, Jose Ferrer, Charles Buchinsky (Bronson) Musical
MONEY FROM HOME (La Suerte al Galope) Paramount, 1954, Technicolor, 99min Dirección: George Marshall, con: Jerry Lewis, Dean Martin Comedia
THE MOONLIGHTER (Sombras Tenebrosas) Warner Bros., 1953, b/w, 77min Dirección: Roy Roland, con: Barbara Stanwyck, Fred McMurray Western
MY DEAR KUTTICHATHAN 1986, color Película india
THE NEBRASKAN Columbia, 1953, Technicolor, 68min Dirección: Fred F. Sears, con: Lee van Cleef Western
CON LA MUERTE A LA ESPALDA Balkazar/West u.a., 1967, Color, 68min Dirección: Alfonso Balcazar, con: Jorge Martín, Vivi Bach, Klaus-Jürgen Wussow Espionaje
PARASITE (Parásito) Independent, 1982, Metrocolor, 85min Dirección: Charles Band, con: Demi Moore Horror
PHANTOM OF THE RUE MORGUE (El Fantasma de la Rue Morgue) Warner Bros., 1954, WarnerColor, 83min Dirección: Roy del Ruth, con: Karl Malden Suspenso
REVENGE OF THE CREATURE (El Regreso del Monstruo) Universal-International, 1955, b/w, 82min Dirección: Jack Arnold Ciencia Ficción
SHI SHAN NU NI / REVENGE OF THE SHOGUN WOMAN / 13 NUNS Independent, 1977, Technicolor, 98min Dirección: Mei Chung Chang Artes Marciales
THE ROBE (El Manto Sagrado) 20th Cent.-Fox, 1953, Color, 133min - CINEMASCOPE Dirección: Henry Coster, con: Richard Burton, Victor Mature, Jean Simmons, Michael Rennie Epica
ROBINZON KRUZO (Robinson Crusoe) 1947, URSS Con: Pavel Kadochnikov, Y. Lyubimov Aventuras
ROBOT MONSTER (Robot Monster) Astor, 1953, b/w, 63min Dirección: Phil Tucker, Música: Elmer Bernstein Con: George Nader Ciencia Ficción
SANGAREE (Sangaree) Paramount, 1953, Color, 95min Dirección: Edward Ludwig Drama
SECOND CHANCE (La Vida en un Hilo) RKO, 1953, Technicolor, 82min Dirección: Rudolph Mate, con: Robert Mitchum, Jack Palance Drama
SEPTEMBER STORM (Un Septiembre Borrascoso) 20th Cent.-Fox, 1960, DeLuxe Color, 90min Dirección: Byron Haskin Aventuras
SON OF SINBAD (El Hijo de Sinbad) RKO, 1954, Technicolor, 88min Dirección: Ted Tetzslaff, Música: Victor Young Con: Vincent Price, Dale Robertson Fantasía
SPACEHUNTER: ADVENTURES IN THE FORBIDDEN ZONE (El Cazador del Espacio) Columbia, 1983, Color, 90min Dirección: Lamont Johnson Música: Elmer Bernstein Con: Peter Strauss, Michael Ironside, Molly Ringwald Ciencia Ficción
THE STRANGER WORE A GUN (Lance de Honor) Columbia, 1953, Technicolor, 83min Dirección: Andre de Toth, con: Randolph Scott, Lee Marvin, Ernest Borgnine Western
TIGERMAN Independent, 1981, Color, 90min Dirección: Matt Cimber Artes Marciales
EL TESORO DE LAS CUATRO CORONAS / THE TREASURE OF THE FOUR CROWNS Filmways, 1982, Color, 100min Dirección: Ferdinando Baldi, Música: Ennio Morricone Aventuras
TOP BANANA USA, 1953, b/w Dirección: Alfred E. Green Con: Phil Silvers Comedia
WINGS OF THE HAWK (Rebelión Redentora) Universal-International, 1953, Technicolor, 80min Dirección: Budd Boetticher, con: Van Heflin Western
Escrito por amigofilms2000 el 19/10/2009 18:35 | Comentarios (0)
J-Horror es un término utilizado para referirse a lasaportaciones japonesas a la ficción de terror. A diferencia de lamayoría de producciones occidentales, el J-horror tiende a centrarse enel terror psicológico y la tensión, con la intervención de fantasmas y poltergeists.
El origen del J-Horror se remonta los relatos clásicos e historias de fantasmas de Período Edo y la Era Meiji, conocidas como kaidan. Diversos elementos de estos cuentos populares tradicionales han sido utilizados en el cine.
Debutó en la dirección en 1996 con Joyû-rei (Ghost Actress).
IMDB http://www.imdb.com/name/nm0620378/
Takashi Miike(三池 崇史,'Miike Takashi'?, 1960 -), nacido el 24 de agosto de 1960 es un directorjaponésmuy prolífico y controvertido; ha dirigido más de setenta produccionesteatrales, de video y televisivas desde su début en 1991. En los años2001 y 2002 solamente, Miike está acreditado por dirigir quinceproducciones.
IMDB http://www.imdb.com/name/nm0586281/
Takashi Shimizu(清水崇,Shimizu Takashi?, nacido el 27 de julio de 1972 en la ciudad de Maebashi, Prefactura de Gunma, Japón) es un director de cine japonés, famoso por su saga de films de terror Ju-on.
En los últimos años, debido a la creciente popularidad del cine deterror japonés, muchas de las cintas han tenido o tendrán próximamentesu remake. Ring fue una de las primeras en tener su remake americano como The Ring, más tarde The Ring Two (aunque difiere del argumento de la secuela original japonesa). Dark Water, Ju-on y Kairo son ejemplos de ello .
J-Horror del Manga al Anime y al celuloide
Ichi the Killer (también conocido como Koroshiya Ichi o Koroshiya １) es un controvertido filme dirigido por el director japonés Takashi Miike en 2001, adaptado del manga de Hideo Yamamoto.
Argumento
El protagonista de la película es Tadanobu Asano en el papel de Kakihara, un sádico y masoquista yakuza que disfruta provocando y sintiendo dolor en igual medida. Además su boca está ensanchada por ambos lados y sus mejillas unidas a través de piercings.Anjo, el jefe de Kakihara desaparece una noche después de ser asesinadode manera grotesca. Un misterioso grupo se encarga de limpiar todas lasevidencias del asesinato de Anjo y roba los 300 millones de yenes que éste tenía en su habitación.
Muchos de los compañeros de la banda de Kakihara, incluida Karen, lanovia de Anjo, sospechan que éste simplemente tomó el dinero y seescapó, pero Kakihara esta convencido de que su jefe permanece con viday nunca escaparía. Su investigación le lleva a torturar brutalmente aun miembro del clan rival, Suzuki (Susumu Terajima),colgándolo del techo mediante ganchos metálicos que le atraviesan lapiel de la espalda y clavándole agujas por todo el cuerpo, además lobaña con aceite caliente en el cual preparaba tempura.
"Todos los sucesos y personajes en la película son totalmenterepulsivos. Cualquier semejanza con personas, vivas o muertas, es unatriste coincidencia".
Así rezan los títulos de crédito de ICHI THE KILLER.Muchas cosas se han dicho acerca de esta película desde que fueestrenada hace un año en festivales occidentales. Y no es para menos,ya que la extrema violencia y sadismo de la que hace gala ha mandado amás de un espectador disparado fuera del cine en busca del lavabo. Enel festival de Toronto Midnight Madness 2001,por si acaso, pusieron bolsitas de papel en los asientos. En elfestival de Londres del año pasado, un tipo a mi lado, paró de comerpistachos después de 10 minutos de haber empezado la cinta y delantemía, una señora, pasó toda la película mirando al suelo. ICHI THE KILLER cerró el festival de Udine 2002.A su comienzo, el teatro estaba abarrotado, al acabar y después deencenderse las luces pude comprobar que el cine estaba medio vacío.
Los primeros en esfumarse fueron los actores y directores invitados, entre ellos Miriam Yeung, protagonista de la ganadora del premio del público, Love Undercover.Pero para ser sinceros era sábado por la noche, la proyección comenzó aeso de la una y media de la noche y muchos de los asistentesseguramente no tenían otra cosa que hacer esa noche.
De todas maneras, Takashi Miike, poco a poco, está poniendo a test el aguante de la audiencia. Empezando con su TRIAD SOCIETY TRILOGY(donde empieza a destrozar algunas de las convenciones del género depelículas de yakuzas), continuando con el explosivo inicio de DEAD OR ALIVE (seguido de numerosas perversidades entre ellas zoofilia, cropofilia, etc.), pasando por AUDITION,la cual también obligó a muchos a dejar el cine, primero deaburrimiento y luego de terror, con un cruce de géneros que hace buenuso de la acupuntura. ICHI THE KILLER parecía estar destinada aser el no va más en cuanto a aberraciones cometidas en una largometrajeen solitario, pero todo apunta a que VISITOR Q, la cual me perdí y vi este año, es incluso mucho más impactante.ICHI THE KILLER está basada en el manga de culto en diez volúmenes de Hideo Yamamoto, el cual apareció publicado originalmente en la revista Weekly Young Sunday.Recientemente, se ha puesto a la venta una versión animada del cómic.Uno de los atractivos de ésta es que el propio Takashi Miike le da vozal personaje de Kakihara.
El jefe (oyabun) de Kakihara (Tadanobu Asanoen el papel de un yakuza tan masoca como sádico. Sin embargo Asano leimprime con un atractivo y estilo muy diferente al personaje del manga,el cual es totalmente repulsivo y desagradable) ha desaparecido con unacantidad importante de yenes. Muchos piensan que ha sido asesinado porun lunático (interpretado por Nao Omori, hijo del famoso bailador de butoh, Akaji Maro) que pulula por las calles de Kabuki-cho(centro de Tokio).Éste, durante el día es un joven tímido e introvertido que trabaja decamarero pero también es un experto en artes marciales y, bajo elcontrol hipnótico del misterioso Jijii (Shinya Tsukamoto, director de TETSUO y A SNAKE OF JUNE), se tranforma en un máquina de matar, en Koroshiya Ichi (asesino número uno). Para cargarse a miembros de clanes yakuza (kumi)seleccionados por Jijii, Ichi se pone un uniforme negro, con un nu'mero1 fluorescente sobre una especie de caparazón que le da un aspecto deinsecto y con cuchillas guardadas en los talones de sus botas. Ichicorta a sus enemigos de arriba abajo, los destripa y descuartiza en unplis-plas, al mismo tiempo que llora como un bebé, provocando el mayorbaño de sangre en la historia del cine. Ichi no es sólo un sádicollorón sino que también le gusta masturbarse mientras ve a un chulosádico golpear a su prostituta. Destornillante escena que da comienzo ala película, donde el esperma que Ichi eyacula, poco a poco, se vadisolviendo en el suelo hasta producir el título del largometraje. Ichino mata al chulo para ayudar a la pobre prostituta, completamentedisfigurada después de tantas palizas. Lo que Ichi realmente quiere estomar el lugar del chulo.
Como ya he dicho antes, detrás de las barbaridades que se amontonan enIchi hay una clara intención, por parte de Miike de subvertir lasconvenciones del género, llevándolas a extremos casi cómicos. Unejemplo de estas convenciones es la relación homoerótica entre el oyabun y kobun (subordinado) como por ejemplo en el clásico de Suzuki Seijun, TOKYO DRIFTER.Este tipo de relación está muy por encima de cualquier relaciónheterosexual. El oyabun es casi siempre un obstáculo para una posiblerelación entre el protagonista y la chica de turno. Un claro ejemplo en ICHI THE KILLER es la escena donde Karen, la prostituta deHong-Kong, trata de ocupar el rol del jefe de Kakihara. Pegándole a másno poder, Kakihara le dice a Karen que no es tan buena como su jefe,que no hay pasión en su violencia. Con la entrada en escena de Ichi,Kakihara parece que ha encontrado su perfecta media naranja y removerácielo y tierra hasta conseguir dar con Ichi. Este es el momento queKakihara llevaba aguardando durante largo tiempo y, por supuesto, seencuentra totalmente excitado sexualmente ante la posibilidad deenfrentarse con una persona carente de sentimientos, la cual mata asangre fría sin ningún tipo de vacilación o remordimiento.
Elementos sadomasoquistas también son muy comunes en películas de estegénero y, de la misma manera, Miike los empuja hasta extremosimpensables. Cuerpos enteros rajados por la mitad, completamentedescuartizados o suspendidos de ganchos de carnicero y atravesados conagujas. ¿Pero tiene ICHI THE KILLERalgún tipo de moraleja o comentario social?. Quizás, pero están muysumergidos en la carnicería. Ichi, el protagonista, está obviamenteobsesionado con videojuegos y cuando no se está cargando yakuzas ovisitando camareras/prostitutas en hostess bars, pasa las horasencerrado en su habitación. De pequeño Ichi fue martirizadopor sus compañeros de escuela (un problema que es bastante común enJapón, vease ALL ABOUT LILY CHOU CHOU)y se encuentra traumatizado después de presenciar la violación de sucompañera de clase, la única persona que le había ayudado, a manos deaquellos. Interesante es el misterioso personaje de Shinya Tsukamoto,Jiji, quien hipnotizando a Ichi, le obliga a cargarse a los yakuzaenemigos. Jiji pone cámaras de seguridad en los recintos que ocupan losmafiosos para enseñar a Ichi a quien tiene que matar, asegurándole queestos matones son los mismos tíos que lo habían intimidado en laescuela y violado a su amiga. En una conversación con Ichi se sugiereque Jiji pudiera ser el alter-ego de Takashi Miike (el directormanipulando a sus espectadores), manipulando al pobre Ichi a través detelevisores.
Por otro lado, esta teoría pudiera ser muy rebuscada y como alguien ha comentado, quizás la violencia en ICHI THE KILLERno haya que tomarla demasiado en serio (después de todo el film estábasado en un manga. Y si éste le parece a alguno demasiado extremo, nose puede comparar a la barbarie del manga. Comparada con éste, laversión de Takashi es bastante blandilla), pero casi como de broma.Aunque hay algunas escenas que podrían definirse como cómicas, otras,la que protagoniza Susumu Terajima y Tadanobu Asano al principio del largometraje, te dejan boquiabierto. Cómica o no, Takashi no puede remediar acabar ICHI THE KILLERcon un final bastante depresivo y muy intrigante que, a mí, me hadejado helado las dos veces que la he visto. Un final, que por cierto,difiere completamente, o por lo menos es más enigmático, del queaparece en el manga. Una de las razones por esta discrepancia quizássea lo laborioso, por no decir imposible, que sería llevar el final delmanga a la gran pantalla.
Miike parece ser que simpatiza más con los críos que con las mujeres (como por ejemplo en DEAD OR ALIVE 2: BIRDS).Para feministas Miike sería el enemigo público número uno, puesto quela manera en que las trata es bastante sospechoso y, tal vez, ésto sealo que haya escandalizado a más gente. De todas maneras, esta actitudhacía el sexo femenino es algo que Miike lleva demostrando desde que vila primera parte de su trilogía SHINJUKU TRIAD SOCIETY, dondeuna prostituta se enamora del personaje central, después de haber sidoviolada por detrás. El motivo: nadie la había hecho correrse de talmanera. En una entrevista con Takashi Miike decía que la razón por lacual se carga a las mujeres de una manera tan violenta y rápida es porque tienden a racionalizar todo y él no tiene tiempo para proveer suspelículas con una explicación racional o coherente.
A pesar de toda esta polémica, el director parece que se esté alejando de las películas directas a vídeo (o v-cinema como se las conoce en Japón), con la excepción de VISITOR Q,que realizó en la etapa inicial de su carrera. En los últimos 3 añosTakashi Miike ha dirigido comedias, musicales, sátiras sociales,películas de terror y por supuesto de yakuzas.
Visita el trailer del Anime:
http://www.youtube.com/watch?v=YSc_eZSLM5g
Por Cesar Amigo (El Chico malo Del Cine)
Escrito por amigofilms2000 el 29/08/2009 16:55 | Comentarios (0)
Cuando el Señor Lobo pregunta la situación de los domicilios de Vincent y Jules, estos responden "en Redondo" (Vincent) y "en Englewood" (Jules). Englewood es el lugar de nacimiento en la vida real de John Travolta.Pirata
El actor Paul Calderon, que en el filme interpreta a Paul del bar donde está Marcellus en su primera escena, era uno de los seleccionados para hacer a Jules. Esto cambió cuando Samuel L. Jackson audicionó para la escena de la cafetería y consiguió el papel.
Inmediatamente después de que Butch (Bruce Willis) mata a Vincent (Travolta) se escucha un pitido constante. Es la alarma de incendio que se acciona con el humo que echa la pistola que usa Butch.
La billetera de Jules (Samuel L. Jackson) que dice "Bad Motherfucker" pertenecía a Quentin Tarantino.
Cuando Mia y Vincent van a bailar a el Jack Rabbit Slim el anunciador le pregunta sus nombres, en la versión en inglés, Mia dice el de Vincent con un acento estilo Elvis Presley, esto corresponde a una conversación que ellos sostienen en el coche antes de llegar al estaurante, que fue editada y está en la versión DVD, ahí Mia le dice a Vincent que existen dos tipos de hombres, los hombres Elvis Presley y los hombres Beatles, le dice a el que es un hombre Elvis Presley y de ahí que diga su nombre de esa forma.
Cuando el Señor Lobo apunta los nombres en su libreta para acudir a la ayuda de Vincent y Jules, vemos que se utiliza el mismo método que en "Reservoir Dogs" al asociar los nombres de los implicados a colores.
Cuando Mia vuelve a casa tras el percance de la sobredosis, hace un pacto de silencio con Vincent, y lo firman dándose la mano, detalle que vemos en un primer plano. En el restaurante, cuando Vincent le pregunta por qué su marido tiró a Antoine por la ventana de un cuarto piso, Mia dice que no lo sabe, y que lo único que Antoine tocó de Mía fue su mano. Ese apretón de manos no fue otra cosa que otro pacto de silencio, y por eso Mía no cuenta lo que realmente pasó con Antoine.
La espada que coge Butch en la tienda es la misma que utiliza Uma en "Kill Bill".
La secuencia de entrada de Vincent Vega en el Jack Rabbit Slim's, realizando un largo plano-secuencia mediante una "steady-cam", es un homenaje a las mismas tomas de Martin Scorsese (véase la buenísima "Goodfellas").
La canción que acompaña la secuencia de los "silencios incómodos" entre Mia y Vincent en el Jack Rabbit Slim's, no está incluida en la BSO de la película, se trata de Rumble, del grupo "Link Wray".
En un principio el papel de Lance tenía que ser interpretado por Quentin Tarantino y el de Jimmie por Eric Stoltz, pero Tarantino decidió que por su peso, quería estar detrás de la cámara en la escena del chute de adrenalina. Por esta razón, se intercambiaron los papeles.
En la conversación entre Mia y Vincent en el restaurante, concretamente en el momento en el que hablan del piloto que hizo ella, comentan como Mia formaba parte de un comando de 5 chicas: una rubia, una china, una negra, una francesa y la propia Mia (Uma Thurman) era la más letal del mundo con los cuchillos..., curiosamente esto coincide con las carácterísticas de las 5 chicas integrantes del "Escuadrón Víbora Letal" de "Kill Bill". Dudo mucho que sea una casualidad puesto que tengo entendido que el proyecto Kill Bill era algo que Tarantino tenía en la cabeza desde hace tiempo.
El Chevy Malibú de color rojo es el mismo coche que se apuesta Tarantino en la "Four Rooms" en la ultima habitación, que precisamente es la que él dirije.
Cuando Marcellus intenta convencer del tongo en el ring a Butch se escucha de fondo la canción "Let´s stay together". Permanezcamos juntos...en este negocio. Una curiosa forma de utilizar una canción de amor.
La escena en la que Butch se encuentra con Marcellus cruzando un paso de cebra, está tomada de la peli "Psicosis", de Alfred Hitchcock.
La frase del Señor Lobo: "bueno, pero no empecemos a chuparnos las pollas todavía", da título a una canción de Siniestro Total, cuya letra está formada por múltiples fragmentos de diálogos de la película.
Mat Dillon iba a realizar el papel de Butch, pero Keitel le pasó a Willis el guión en una barbacoa y éste se interesó por el papel.En la tienda en la que acaban Butch y Marcellus, uno de los violadores (Zed) le pregunta al otro si su "Gracia" estará segura fuera. Más tarde, cuando Butch coge la "choper", se puede apreciar que el enganche de la llave es un llavero con forma de "Z" , de Zed.
Existe una parodia de la película llamada "Plump Fiction" que rinde una especie de homenaje a la obra de Tarantino. Entre sus gags se encuentran parodias a películas tales como "Pulp Fiction", "Reservoir Dogs", "Asesinos Natos" y, por alguna extraña razón, "Forrest Gump".
El personaje de John Travolta en"Pulp Fiction" es Vincent Vega. El personaje de Michael Madsen en "Reservoir Dogs" al que se conoce por Señor Rubio tiene como nombre real Vic Vega.
Las pistolas plateadas de Vincent y Jules que sacan del maletero al principio
de la peli son las mismas de la banda de Reseroir Dogs.
El chaval que está en su casa viendo la tele (Butch de pequeño) simboliza la infancia de Quentin Tarantino.
El personaje del Señor Lobo (Harvey Keitel), está sacado de una famosa serie de televisión americana.
Butch tiene que escojer entre un martillo, un bate, una espada samurai y una motosierra, él elige la espada samurai. Ésto es un homenaje de Tarantino al cine oriental.
Cuando Vincent y Jules se dirigen a recoger el maletín, pasan por un pasillo donde está sonando la misma canción que Ordel pone en su coche cuando se va a cargar a Bomon en "Jackie Brown".
La peluca de Jules debería de haber sido más grande (al estilo afro), pero Tarantino cambió de opinión al ver a Samuel L. Jackson con ella.
En la película los lavabos son muy utilizados en las escenas: Mia se va a empolvar la nariz al servicio del restaurante, Jules y Vincent se lavan las manos en el lavabo de Jimmy, Vincent Vega protagoniza un extenso monólogo en el lavabo de Mia, el chaval que dispara el arma con poco acierto está en el lavabo escondido, Vincent Vega se va al lavabo poco antes del atraco de Honey Bunny y Pumpkin, y Butch mata a Vincent en el lavabo de su casa.
Esmarelda Villalobos (la taxista), que no deja de hacerle preguntas a Butch después del combate de boxeo, está obsesionada con saber que se siente al matar a un hombre y es una psicópata nata, como se demuestra en su personaje, igualmente latino de "Tú asesina, que nosotras limpiamos la sangre", en la que sólo piensa en homicidios y maneras de asesinar.
Tanto la mayoría de secuencias y planos de la historia de Butch (el boxeador), como la discusión sobre los Mc' Donals, son parodiadas en un episodio de "Los Simpsons" llamado "22 Cortos sobre Springfield", en el cual el Jefe Wiggun sería Marcelus, el Serpiente sería Butch y el violador de la tienda sería Herman
Al principio de la historia de Butch, el hombre que le da el reloj a Butch de niño dice: "Este reloj fue comprado por tu padre en Knoxville, Tenesse"; Knoxville, es el lugar de nacimiento de Quentin Tarantino.
En varias escenas de la película se ve como los actores usan un mechero zippo, este tipo de mecheros está presente en todas las películas en las que participa Tarantino. En "Abierto hasta el amanecer" sirve para encender un rollo de papel higiénico; en "Resevoir Dogs" lo usan constantemente; en "Jackie Brown" también sale; e incluso en la historia que hizo Tarantino para "Four Rooms" tienen una gran relevancia.
Esta película es la recopilación de tres guiones, que Tarantino había escrito para hacer cortos cuando era joven.
Vincent y Jules visten exactamente igual que los gangsters de "Reservoir Dogs".
El interior del "Jack Rabit Slims" es un decorado gigantesco perfectamente ambientado, los exteriores del local se filmaron en los alrededores de una antigua bolera.
En un principio la película, constaba de cuatro historias, pero una de ellas se independizó; esta historia trataba sobre un robo de joyas frustrado, que se convirtió en "Resevoir Dogs".
Es muy curiosa la lección de idiomas que le da Bruce Willis a Maria de Medeiros sobre como hablar portugués, especialmente porque esta domina el portugués perfectamente. Esto se debe a que en la versión original lo que le enseña Bruce es a hablar español y no portugués, puesto que su destino de huida es las Islas Canarias.
Steve Buscemi aparece en esta película, en calidad de camarero, es Buddy Holly.
Cuando Mia Wallace decide ir a "empolvarse la nariz", cuestión que realiza más por dentro que por fuera. Al entrarle el material por el cuerpo dice en español "¡Es la ostia, la ostia!". En la versión original lo que exclama es "Goddam" recordando a la canción sobre un camello que en su momento tocaba el grupo SteppenWolf, en concreto "The pusher", dicho grupo es conocido por su cancion "Born to be Wild".
En cuanto a la razón que lleva a la señorita Wallace a un estado de sobredosis tan extremo, muchos piensan que es porque ya lleva demasiada cocaína circulandole en el cuerpo. Nada más alejado de la realidad, lo cierto es que toma la bolsa del abrigo de Vincent Vega y aquello no es cocaína, si no heroína, demasiado fuerte como para ser esnifada y que debe, como bien nos enseña antes Travolta, ser inyectada.
La conversación de las pequeñas diferencias entre los armoniosos europeos holandeses y los temibles norteamericanos, entre Jules y Vincent, está inspirada en una conversación de Huckleberry en una entrega de "Loca academia de policía".
Cuando sale del baño un muchacho con una arma y les dispara, no les da porque alguien interviene para salvar el alma de Marcellus.
Los relojes que aparecen en la película marcan las 4:20 porque 4-20 es el código policial para consumo de marihuana.
La escena en la que Vincent mata sin querer al negro en el coche es distinta según el guion original: en éste, Vincent le disparaba en el cuello, y tras una discusión con Jules, deciden matarle para que no sufra, todo esto mientras está consciente.alex lagua
Lance, Eric Stoltz, hace referencia a su jaco de calidad con el nombre de "Babba" en la escena en que Vincent va a comprarle algo de ello. En realidad, el nombre fue una invención de Quentin, tomando ese nombre del cineasta italiano Mario Bava.
El maletín del que nunca se llega a ver su contenido es un homenaje a "El beso mortal", película de Aldrich en 1955.
Cuando Vincent es tiroteado en otro cuarto de baño, está leyendo "Modesty Blaise", exponente perfecto de las novelas de quiosco que se conocen como "Pulp Fiction". Golpe muy adecuado para redondear el título de la película.
Bruce Willis se ofreció voluntariamente para el papel de Butch.
El papel de Vincent Vega que interpretó travolta era en un principio para Michael Madsen, que rechazó la oferta para trabajar en "Wyatt Earp". La productora de "Pulp Fiction" no estaba convencida con Travolta, y sugería para su papel a Mel Gibson, Kevin Costner o Tom Hanks.
Quentin no resistió la tentación de colocar dos de sus juegos de mesa preferidos, Operation y Life, en el cuarto de estar de la casa de Lance.
La famosa escena del baile de Travolta y Uma, está inspirada en la película animada de Disney "Los Aristogatos".
A consecuencia de que Miramax, distribuidora de la película, fue adquirida por Walt Disney, "Pulp Fiction" fue la primera película Disney en la que aparecieron escenas de sexo anal.
La obsesión que tiene Jules por citar la Biblia, está tomada de una película de kung fu en la que el protagonista cita a menudo este mismo pasaje de Ezequiel 25, 17.
La violación homosexual por parte de los dos fanáticos chalados está tomada de "Deliverance", de John Boorman, que Quentin vio con su madre en el cine cuando sólo tenía 7 años.
El Chevy Malibú de color rojo, modelo del 64, que lleva el gangster Vincent, tenía para Quentin un significado personal: era el coche que él mismo había adquirido con los diez mil dólares que obtuvo con la opción de "Asesinos natos". El coche le pareció a Quentin caro de mantener; como además era descapotable, le daba miedo ser víctima de un asalto en alguna de las calles más sórdidas de la ciudad. Por este motivo, durante el rodaje de la película, Quentin intentó convencer a todos los miembros del equipo y a casi todos los actores del reparto de que le comprasen el coche por los diez mil dólares que había pagado por él. Pero no encontró comprador.
La secuencia del concurso de baile en la que aparecen Mia y Vincent, en el Jack Rabbit Slim´s Diner, está claramente influida por una película que hizo Jean-Luc Godard, "Banda aparte".
Para el papel de Uma Thurman (Mia), se consideró a Meg Ryan, Meg Tilly y Holly Hunter.
El arma que Butch encuentra en su apartamento, mientras que Vincent está en el cuarto de baño, no era de Vincent, en realidad pertenecía a Marsellus que había salido a comprar unos cafés. Por eso no reacciona Vincent cuando oye que alguien a entrado en el apartamento. Si hicieran falta más pruebas, nótese que Marcellus lleva dos vasos de plástico cuando pasa por delante del coche de Butch en el semáforo.
Cuando Butch, Bruce Willis, regresa sigilosamente a su apartamento para recuperar el reloj de oro, la radio da a todo volumen un anuncio del Jack Rabbit Slim´s, bar donde se desarrolla la escena del twist.
Además del nombre de la heroína, Quentin (director) también se inventó marcas de productos para evitar publicidad, como es el caso de los cigarrillos "Red Apple".
Quentin Tarantino estuvo a punto de suprimir la escena del twist porque a Uma Thurman le entró una crisis de inseguridad al no saber bailar decentemente ante el legendario Travolta.
Timur Bekmambetov es el nuevo nombre del cine ruso de terror y fantasia.
Timur Bekmambetov
Tras licenciarse en el Instituto A.N. Ostrovsky de Arte Dramático enTashkent, Bekmambetov trabajó como diseñador de decorados para elTeatro Ilkhom Theater y los Estudios Uzbekfilm. Su primer anunció lodirigió en 1989 y desde entonces ha dirigido anuncios para más de 500marcas, cubriendo desde bebidas como Pepsi o la cerveza Golden Barrelhasta la firma de coches Daewoo. Sus obras han recibido numerosospremios internacionales de publicidad, incluyendo el Gran Premio delFestival Internacional de Moscú (1994), el Nuevo Festival Europeo enEslovenia (1994) y el Premio Publicitario a la Mejor Imagen delFestival de Houston (1995).
Su debut como director y guionista llegó en 1994 con "The PeshavarWaltz", por el cual recibió el premio al Mejor Director, lograndoademás la propia película el premio al Mejor Conjunto en el FestivalInternacional Karlovy Vary
Es fundador y Director General de la firma Imperial Film Closed Stock Company y de TABBAK Film Studio.
Ironiya sudby. Prodolzhenie (2007) ... aka Ирония судьбы, или С новым счастьем! (Russia) ... aka Ирония судьбы-2 (Russia) ... aka Ирония судьбы. Продолжение (Russia) ... aka Ironiya sudby-2 (Russia: alternative transliteration) ... aka The Irony of Fate 2 (International: English title) ... aka The Irony of Fate. The Sequel (International: English title: informal title)
Dnevnoy dozor (2006) ... aka Day Watch (Australia: video title) (International: English title) ... aka Night Watch 2 (International: English title) (USA: TV title) ... aka Дневной дозор (Russia) ... aka Night Patrol 2 (Europe: English title)
Night Watch (ruso: Ночной дозор, Nochnoy Dozor), llamada Guardianes de la noche en español, es una película rusa basada en la novela fantástica del mismo nombre del escritor ruso Sergei Lukyanenko, publicada en 1998, mientras que la película fue estrenada en 2004.
Es la primera parte de una saga de cuatro libros, que son Guardianes de la noche (Night Watch en inglés; Ночной дозор, Nochnoy Dozor en ruso), Guardianes del día (Day Watch en inglés; Dnevnoy Dozor, Дневной дозор en ruso), Guardianes del Crepúsculo (Twilight Watch en inglés;Сумеречный дозор, Sumerechny Dozor en ruso) y Los Últimos Guardianes (Final Watch en inglés; Последний дозор,Posledniy Dozor en ruso). Sólo se han llevado al cine las dos primerasentregas, pero son, según parece, lo mejor de la saga, pues las otraspartes las hizo el escritor por el éxito de las anteriores (el propioSergei lo admite).
Acogida
La película tuvo mucho éxito en Rusia (16 millones de dólares de recaudación), comparable con El Señor de los Anillos,pero muchos seguidores se vieron decepcionados al esperarse más. Noobstante, la llegada de la película tuvo también cierto éxito en elextranjero lo que hizo que la novela se popularizara más, pues latraducción en inglés de la novela salió sólo en 2006 (dos años despuésde que saliera la película), y la traducción en español salió en 2007.Así, convirtió a Sergei Lukyanenko en una insignia de la ciencia ficción.
Datos Curiosos
Algunos nombres de los personajes, son bíblicos, como Zabulon(aunque en la obra de Lukyanenko se escribía con "v"), y otros deleyendas asiáticas, como el mismo Gesar.
Referencias
Guardianes de la noche (Night Watch en inglés; Ночной дозор, Nochnoy Dozor en ruso), película de Channel One Russia, y producida por TABBAK/BAZELEVS, y dirigina por Timur Bekmambetov, estrenada en 2004. Konstantin Khabensky en el papel de Anton Gorodetsky. Despues la compró Fox Searchlight Pictures e hizo un nuevo montage (cortaron algunos personajes y escenas) y cambió el soundtrack.
Wanted (Se Busca) es una serie limitada de seis cómics creados por el guionista Mark Millar y el dibujante J. G. Jones publicada orginalmente por la editorial estadounidense Top Cow desde el año 2003 hasta el año 2005.
En 2008 el director Timur Bekmambetov, realizó una adaptación cinematográfica con el mismo título, Wanted.
Publicación
La editorial Top Cowlanzó al mercado con fecha de portada de diciembre de 2003 el primernúmero de la serie. Le siguieron el número 2 en febrero, el 3 en junio,4 en julio y el 5 en octubre de 2004, saliendo el último con fechafebrero de 2005.
Posteriormente, la serie ha sido reimpresa en un único tomo que recopila los seis números.
Todo el equipo debió mudarse a Praga, Republica Checa para filmar lamayor parte allá. La ventaja de filmar ahí era porque quedaba cerca deMoscú, donde Timur tenia su compañía de efectos especiales.
Algunas escenas de acción fueron realizadas por los mismos actoressin necesidad de dobles. Los productores dicen que el humor negro deTimur ayuda al guión de la película. Al llegar a Pragavisitaron varias empresas textiles pero para ensamblar las escenasescogieron varias, la tejedora que decifra sloan es antigua pero semodificó con algunos artefactos modernos, como por ejemplo "la lupa".Además Timur quería antigüedad con un toque de moderno. A pesar de quela mayor parte fue filmada en Praga la película no podía perder el aireamericano sin dejar atrás lo europeo. El auto que Fox utiliza para perseguir a Wesley en el tren es un Ladacuyo auto al verlo nos da una sensación de película de espionaje enEuropa oriental, y de hecho la escena del tren y el puente fue grabadaen una estación abandonada en Hungría.
Wanted 2 EL DATO CURIOSO
Poco antes del estreno de Wanted se Universal Pictures ya se encontraba trabajando en una secuela , y también anunciaron el regreso de Chris Morgan como Guionista y el de Timur Bekmambetovcomo director y tuvieron la oportunidad de decir que de tener éxito conla secuela estarían trabajando en Wanted 3 convirtiéndola así en una Trilogía .
Escrito por amigofilms2000 el 23/11/2009 18:12 | Comentarios (0)
Michael Joseph Jackson (Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 y Muere el 25 de Junio del 2009 ), conocido simplemente como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarínestadounidense de música hard rock, rhythm & blues (soul y funk), disco y dance. Tras formar en los años sesenta, siendo aún un niño, un grupo de gran éxito en compañía de sus hermanos, The Jackson Five, en la década de los años ochenta se convierte en la superestrella de rock más exitosa a nivel mundial, el nuevo rey de la música rock, debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música.
Michael Jackson & Steven Spielberg
Denominado como "King of pop, rock and soul", por la actriz estadounidense Elizabeth Taylor, esta denominación hace referencia a que Jackson era el "rey del pop", y el "rey de la música soul". De modo similar, el cantante ha sido denominado como "King of entertainment" ("rey del entretenimiento") por la popular presentadora de televisión Oprah Winfrey, durante la entrevista que éste le concediese en febrero de 1993, y además, la Enciclopedia Británica incluye a Michael Jackson, como notable estrella de rock, en su sección "rock music", junto a Madonna y Prince.
A lo largo de su trayectoria artística como solista, la música deMichael Jackson ha ido modernizándose y evolucionando, especialmentedesde la década de los años 80. Esto se manifiesta en los estilosmúsicales soul o funk que interpreta, específicamente en la fusión de soul o funk con disco ("Billie Jean" o "Thriller", de 1982); luego la de soul o funk con dance, o hard dance ("Bad" o "Smooth criminal", de 1987); y la de soul o funk con hip hop ("Remember the time" o "Jam", de 1991), esta última fusión se llama new jack swing.
Pero también incursiona en el rock and roll duro, a través de sus innovadoras canciones de hard rock como "Beat it"(1982), "Dirty Diana"(1987), "Black or white"(1991), "Give in to me"(1991), "D.S."(1995), "Morphine"(1997) y "Privacy"(2001), en las que han tocado, entre otros, destacados guitarristas de hard rock como Eddie Van Halen, Steve Stevens y Slash.
Jackson fue catalogado como un genio musical y artístico, y esto lodemostró desde sus inicios, época en la que fue reconocido como un niñocon un nivel artístico realmente extraordinario. Pero también fue unpersonaje polémico, con defensores y detractores, al que rodean todauna serie de leyendas, muchas veces alimentadas por él mismo, sobre suvida privada y que se ha visto envuelto en varios juicios, acusado de pedofilia,que tuvieron repercusión mundial y que le han mantenido apartado en losúltimos años de la primera fila de la popularidad. En cualquier caso,su genialidad artística ha sido indiscutida, y su éxito a nivel mundialque le llevó a vender cientos de millones de discos apoyado por laespectacularidad de sus campañas de promoción, videoclips y conciertos, en los que hizo gala de su enorme talento como cantante y bailarín.
Miss Cast Away (2004) .... Agent M.J. ... aka Miss Castaway and the Island Girls (USA: new title) ... aka Silly Movie 2 (Canada: English title: DVD title)
Men in Black II (2002) .... Agent M ... aka MIB 2 (USA: promotional abbreviation) ... aka MIIB (USA: promotional abbreviation)
Michael Jackson 1972 canto el Tema de Ben de la pelicula Ben La Rata asesina
Secuela de"Willard (1971)", en la que un jovencito se hace amigo de una ratallamada Ben, que domina una terrible horda de roedores. Un detectiveinvestiga aún los crímenes de la primera película.
Visita el Videoclip en You Tube
http://www.youtube.com/watch?v=aSqo17o2a1w
Thriller es el segundo álbum del cantante Michael Jackson como solista, tras su larga etapa como líder de la banda familiar, conocida como The Jackson Five y posteriormente como The Jacksons. Su primer álbum como solista fue Off the Wall de 1979, que tuvo gran éxito.
Thriller de 1982 fue un álbum que tuvo algo para todo el mundo, basándose en el proyecto básico de Off the Wall, pero añadiendo funk más duro (Billie Jean o Thriller), hard rock (Beat It), baladas más suaves y soul más fluído (Baby Be Mine), ampliando el enfoque de tener algo para cada público.
Publicado por Epic Records el 1 de diciembre de 1982, contó como el álbum anterior con Quincy Jones como productor y Rod Tempertoncomo uno de los principales compositores. Es el disco más vendido en lahistoria de la música. Vendió más de 68 millones de copias tan solo enlos Estados Unidos y se calcula que en la actualidad lleva vendidas másde 109 millones de copias en todo el mundo según el Libro Guinness de los Records.
El Videoclip Thriller fue Realizado por John Landis
John Landis es un director de cine que nació en Chicago (Estados Unidos) en 1950.Sus dos primeras películas, "The Kentucky Fried Chicken Movie" y "Elmonstruo de las bananas", fueron películas de bajo presupuesto, perofue con "Desmadre a la Americana" cuando consiguió el gran éxito que lepermitió hacer películas de más alto presupuesto, como el clásico deculto "Granujas a todo ritmo", superproducción musical a la que siguió An American Werewolf in Londonen 1981, que para ese año era una de las películas de terror conmejores efectos especiales y que ya es un clásico dentro de estegénero. Seguidamente haría el Thriller (video musical) de Michael Jackson,que seria el más famoso video de la historia, y con el que MichaelJackson promocinó el álbum más vendido de la historia. Posteriormente,realizaría comedias, siendo la de "Espías como nosotros", la de mayor éxito. Otras comedias fueron "El príncipe de Zamunda", "Superdetective en Hollywood III" o "Blues Brothers 2000"
Las escenas iniciales de los páramos fueron rodadas cerca de Hay Bluff, una montaña que se extiende a lo largo de Welsh Marches en el Parque Nacional de Brecon Beacons. Las escenas fueron hechas en el lado de Welsh de Hay Bluff, aproximadamente cuatro millas al sur del pueblo de Hay-on-Wye, en Powys. La escena donde David y Jack bajan del camión es cerca del círculo de piedra, el mismo lugar donde el Dr Hirsch observa la señal indicando el camino a East Proctor. El mismo camino se usa en la escena donde los protagonistas conversan sobre Debbie Klein.
East Proctor es un pequeño pueblo diez millas al oeste de HayBluff llamado Crickadarn. Se lo puede ver en la escena en que losprotagonistas bajan la colina para dirigirse allí. El exterior de La oveja degollada era una casa privada en Crickadarn diseñada para parecer un bar. La estatua del Angel de la muerteque se encuentra en el pueblo fue creada especialmente para lapelícula. La iglesia que se encuentra al lado todavía es frecuentada,aunque los pisos superiores no se han conversado.
El interior de La oveja degollada fue rodado en un pub llamado The Black Swan —El cisne negro, en idioma inglés en Effingham, cerca de Leatherhead, Surrey. Se agregó una pared falsa para que el lugar pareciera más pequeño.
El apartamento de Alex se encuentra en Coleherne Road, a la salida de Redcliffe Square cerca de Earls Court.
La escena final en el callejón fue filmada en Clink Street, Londres. Hoy el lugar resulta irreconocible debido a las remodelaciones que han habido en el área.
Todas las canciones en la película hacen alguna forma de referencia a la luna. Una versión lenta de Blue Moon interpretada por Bobby Vinton se puede escuchar durante la presentación. Moondance de Van Morrisonse usa cuando Alex y David tienen relaciones sexuales por primera vez.Cuando David está por convetirse en hombre lobo se escucha Bad Moon Rising de Creedence Clearwater Revival. Durante la agonía de la transformación se puede escuchar una versión más cercana a una balada de Blue Moon, interpretada por Sam Cooke y una versión doo wop de la misma interpretada por The Marcels en los créditos del final. Landis no pudo conseguir el permiso para utilizar Moonshadow de Cat Stevens ni de Moonshiner de Bob Dylan;ambos artistas consideraron la película inapropiada para ser asociada asus canciones. En los comentarios incluidos en la versión en DVD David Naughton y Griffin Dunne comentan que desconocen las razones por las que Landis no pudo obtener permiso para utilizar Werewolves of London de Warren Zevon, una canción que hubiera resultado muy apropiada para la película.
Una adaptación para radio fue transmitida por BBC Radio 1 en 1997, escrita y dirigida por Dirk Maggs.Jenny Agutter, Brian Glover y John Woodvine repetieron sus papeles dela enferma Alex Price, el jugador de ajedréz y ahora también agente depolicía de East Proctor George Hackett y el doctor Hirschrespectivamente. Los papeles de David y Jack fueron interpretados por Eric Meyers y William Dufris.El guión de Dirk Maggs incluyó en la historia que algunos de loshabitantes de East Proctor son inmigrantes de Europa del este y quetrajeron con ellos la licantropía.También se revela que el hombre lobo que ataca a los protagonistas esHackett, que había escapado de un asilo donde estaba internado bajo elnombre Larry Talbot (que es el mismo nombre del protagonista de The Wolf Man).
LOS GANADORES
Psicomagia
EN EL PROXIMO NUMERO
por Cesar Amigó (El Chico Malo Del Cine)
Escrito por amigofilms2000 el 26/06/2009 02:23 | Comentarios (1)
Sam Raimi, hermano del actor Ted Raimi, comenzó su carrera como director con filmes de terror de bajo presupuesto como la trilogía de The Evil Dead.También le gusta actuar en filmes realizados por sus compañeros, comolos hermanos Coen, para quienes también ha sido ayudante de dirección.Raimi es una estrella de culto que no abandonó ese género hasta 1999 con Entre el amor y el juego. En 1990, Raimi también trabajó para la televisión, como productor de series como Hércules los viajes legendarios y Xena: La princesa guerrera. Más conocido actualmente por ser el director de la saga de Spider-Man.
Sam Raimi empezó a aficionarse por la realización a los 13 añosgracias a una primitiva cámara de vídeo que tenía un amigo suyo. Hastala edición de Posesión infernal, había grabado unos 30 films de prácticas. El más célebre entre su pandilla fue The Happy Valley Kid: The Story of a Sudden Driven Mad,la historia de un universitario que es humillado por sus compañeros yvejado por su novia hasta volverse loco y acabar con todos ellos.
En 1981 escribió y dirigió una de las obras más innovadoras del género de fanta-terror: The Evil Dead, una acertada combinación de humor negro, terror sobrenatural y el gore más brutal.
Tras acabar el guión de Posesión infernal, Raimi preparó unaversión condensada de la historia para comprobar su efectividad anteuna audiencia local. Los pases de dicha prueba, el poderoso corto Within The Woods,provocaron los más agudos aullidos de terror entre los asistentes. Unsólido apoyo por parte de la crítica y el permiso de varios exhibidorespara poder pasar el corto ayudaron a consolidar la validez delproyecto. Como resultado, el director empezó a trabajar inmediatamenteen el largometraje.
Raimi rodó dos secuelas de este film: Evil Dead II, una especie de remake alocado y ultra-gore de su predecesora, y Evil Dead III: Army of Darkness, un film más cómico que terrorífico.
A lo largo de su trayectoria como realizador, Sam Raimi ha creadouna gran variedad de películas que van de la comedia de tortazos alterror más gore. Su filmografía incluye Ola de crímenes, ola de risas,coescrita con sus amigos Joel y Ethan Coen; Darkman, Rápida y mortal, Un plan sencillo, Entre el amor y el juego, Premonición y la taquillera saga de Spiderman.
Como actor ha participado en pequeños papeles en películas como Thou' Shall Not Kill, Espías como nosotros, Maniac Cop, Muerte entre las flores, El gran salto o Los Picapiedra, así como en alguna que otra producción para televisión.
Sam Raimi es a su vez un activo productor. Uno de sus proyectos más destacados fue la célebre serie televisiva Hércules, de la que llegó a dirigir los primeros episodios y Xena.
Raimi abrio su propia productora de peliculas de terror Ghost House Pictures
Sito Oficial
http://www.ghosthousepictures.com/
Sam Rami en Locación de Spider Man
Internet Movie Data Base: http://www.imdb.com/name/nm0000600/
Datos Curiosos de Evil Dead: Datos de The Evil Dead:
Sam Raimi, admirador confeso de loscomics y de ‘los tres chiflados’ y director de películas de culto muyrecordadas como ‘Darkman’, 'Testigo' y sobre todo la reciente saga de‘Spiderman’ ha sido un inquieto realizador que sufrió mucho para lograrsus primeros proyectos. Para conseguir dinero para hacer unlargometraje, se vio obligado a realizar un corto llamado ‘Within TheWoods’, en donde un grupo de personas va a una cabaña y accidentalmenteprofanan una antigua tumba, lo que resulta en una maldición que losconvierte en una especie de zombis asesinos. Con las ganancias y laayuda de sus amigos, Raimi emprende la realización de su película másfamosa en el mundo del cine de terror, la tan comentada ‘The Evil Dead’.
Esta cinta es una autentica realización serie B que recurre a trucospara ocultar sus carencias monetarias. Para ahorrar recursos y sacarletodo el jugo posible a la inversión de 350 000 dólares, las filmacionestuvieron que realizarse en una autentica cabaña en medio del bosque. Pero la historia, aunque sencilla y predecible, no es el único elementonotable. Esta película vendría a sacudir los cimientos de la industriay ofrecer una nueva manera de mostrar barbaridades en la pantallagrande. Usando solo lo que tenían a su alcance, se mostraron algunos delos efectos más gloriosos del momento.
La sangre y los momentos más escalofriantes de la cinta han quedadopara siempre en la mente de los que tuvieron la oportunidad de ver ensu momento esta película en el cine, o en los tempranos tiempos delcine en video casero. Inolvidables las escenas donde una criatura esdescuartizada a base de puros hachazos o el estrujante desenlace: unbaño de sangre y un montón de efectos especiales en stop-motion decarnicería y destrucción.
Raimi no se tienta el corazón para hacer que sus actores se enfrenten aseres monstruosamente aterradores, con movimientos y gritos queencrespan el cuerpo de los más sensibles y presentar una violenciaextrema nunca antes vista. Desde las posesiones demoniacas, pasando porel entierro de un lápiz en el pie de uno de los protagonistas hasta lamanera en que Ash se deshace de las criaturas a medida que estas vanatacando, la película es un viaje sin pausas ni intermedios hacia lomás profundo del terror, la desesperación y la incertidumbre que rodeaa esta ya mítica y clásica película calificada desde su primer día comode obligatoria para los aficionados y una de las películas que lograacelerar pulsos y corazones.
Desde el excelente trabajo del movimiento de la cámara (la cual semueve según el punto de vista de la fuerza maligna o de lassanguinarias criaturas) hasta los diálogos ingeniosos y a ratosenfermizamente divertidos, la película se convierte en una autenticasorpresa para los que estaban acostumbrados a las cintas huecas encuanto a historia que basaban su éxito en la sangre derramada o lasmuertes espectaculares. Como datos curiosos, el buen amigo de Sam Raimi, Bruce Campbell, saltaa la fama a partir de entonces como el actor ‘de cajón’ en la mayoríade las películas dirigidas por Raimi y el nacimiento de su gran carreraen donde se ha caracterizado como un actor que da todo de si encualquier proyecto, no importando si es un papel principal o de solounos momentos. El vehiculo usado en la película y propiedad del mismoRaimi, el ahora famoso Oldsmobile Delta 88, ha aparecido en cada una delas películas dirigidas por Raimi. A diferencia de la historia que evita las complicaciones, la filmacióny finalización del producto requirieron bastante tiempo paraterminarlo. Cuando terminó el proceso de la realización, la mayoría delos actores se retiraron, pero a Raimi le hacia falta algo de trabajo,por lo que utilizo a algunos miembros del equipo para representar a losactores que se retiraron. Para esto tuvo que utilizar algunosdisfraces.
‘The Evil Dead’ cambió completamente la manera de ver (y de realizar)cine para aterrorizar al espectador y durante mucho tiempo se convirtióen la película que todos los jóvenes tenían la obligación o el reto dever. Hoy día ha perdido algo de impacto (esos relámpagos falsos y otrosmomentos que ahora se ven un poco risibles como los efectosespeciales), pero no hay duda que en su tiempo esta película sirviópara que los que la vieron ‘maduraran’ varios años en menos de hora ymedia. Muy difícil encontrar otra película que logre el efectoperturbador e hipnotizante como este ‘Despertar Del Diablo’.
Evil Dead Trailer http://www.youtube.com/watch?v=u8Bi9mGv1J8&translated=1
Sito Oficial de Evil Dead Fans http://www.deadites.net/
Además de actuar y ocasionalmente dirigir, Campbell se ha convertido en un escritor activo, haciendo una autobiografía, If Chins Could Kill: Confessions of a B Movie Actor,que explica su carrera como actor en películas de bajo presupuesto. Unaedición posterior incluye un capítulo donde agrega la reacción de susseguidores hacia dicho libro.
Campbell también escribió un libro titulado Make Love! The Bruce Campbell Way,una novela cómica protagonizada por él mismo, quien intenta triunfar enlas super producciones del cine. Posteriormente grabó una versiónactuada de Make Love con su voz y la de compañeros actores,incluyendo a su colaborador Ted Raimi. La grabación consta de 6 discoscon 6 horas de material.
Además de sus novelas Campbell también escribió una columna en la revista X-Ray Magazineel 2001, un número del cómic "The Hire", una adaptación de "Man WithThe Screaming Brain" al cómic y la introducción a "The Complete GuideTo Low Budget Feature Film Making" de Josh Becker.
Internet Movie Data Base http://www.imdb.com/name/nm0132257/
Sitio Oficial http://www.bruce-campbell.com/
En El 2007 el dirigio su propia pelicula de el mismo donde se autoparodia My Name is Bruce
Trailer Oficial http://www.youtube.com/watch?v=yVTroIfJxiA&translated=1
Tuvo una gran acogida de público, sobre todo debido a la grancantidad de seguidores del personaje de comic y a los excelentesefectos especiales que John Dysktra (ASC - Sony Pictures Imageworks INC.) creó para la película. Además James Acheson creó unos vestuarios muy adecuados para los personajes.
Tras el éxito de esta película se estrenó en Junio del 2004 su secuela, Spiderman 2. Tres años después, se estrena Spiderman 3, siendo, hasta ahora, la última película rodada de esta saga.
Tobey Maguire es un amante de las arañas y podría pasarse horasentre miles de arácnidos sin temor, ya que le encanta observarlas,mientras que Kirsten Dunst las detesta.
Para su papel como Spiderman, TobeyMaguire tuvo que subir varios kilos, aunque esto no lo molestó, porquemás que grasa fueron músculos.
Los lentes que se incorporaron a la máscara de Spiderman son de la marca Oakley.
Porincreible que parezca, el equipo de producción pasó únicamente dossemanas filmando en Nueva York. en ese lapso, se hicieron tomas deManhattan, Queens, la isla Roosevelt y el puente de Queensboro.
Willem Dafoe tardaba 30 minutos en ponerse el traje, para interpretar al Duende Verde.
Paracrear al Duende Verde, los diseñadores se inspiraron en el artejaponés, patrones de reptiles, comics y trajes espaciales. Dicho trajetiene 65 piezas esculpidas.
Recabara las arañas que aparecen en la película fue dificil, debido a quedurante el invierno, los arácnidos escasean en Norteamérica.
El traje de Spiderman fue diseñado por James Acheson, la elaboración del disfraz le llevó seis meses.
Diferenteslocalizaciones ubicadas en Los Angeles fueron acondicionadas pararecrear lugares típicamente neoyorquinos, por ejemplo: el Museo deHistoria Natural se transformó en el supuesto laboratorio de laUniversidad de Columbia, en donde Peter es mordido por la araña. Unedificio del centro de Los Angeles se utilizó como la oficina deJ.Jonah Jameson, editor del Bugle.
En total se crearon 24 trajes distintos de Spiderman. Su aspecto iba variando según las necesidades del guión.
Durante el rodaje, un operario que estaba trabajando en la construcción de los decorados murió al caerle encima una grúa.
Cuandoel tío Ben habla con Peter dentro del coche, podemos ver que tras elsegundo pasan varias veces una rubia y una pelirroja. La segunda sedetiene y un compañero extra del reparto tiene que salir y decirle quesiga caminando.
Zach Hudson, el doble especialista de Tobey Maguire, se fracturó la pierna al golpearse con un muro de ladrillos en una escena.
Laaraña radioactiva que muerde a Peter Parker es realmente una ViudaNegra, pintada de rojo y azul por el famoso cuidador de arañas StevenR. Kutcher
El4 de mayo del 2001, en plena producción, se robaron cuatro de lostrajes de Spiderman, valorados en 112.000 euros cada uno. La Sonyofrecía una recompensa de 28.000 euros pero nunca aparecieron.
Se desarrolla dos años después del film original. Se centra en Peterluchando con su vida personal y como Spider-Man. El villano del film esel doctor Otto Octavius (Alfred Molina),que se vuelve loco después de un experimento fallido resultante con lamuerte de su esposa. Usando sus tentáculos mecánicos, Otto es apodado"Doctor Octopus" y aterroriza Nueva York.
El film fue estrenado el 30 de junio del 2004 en los Estados Unidospor Columbia Pictures, y recibió más críticas positivas que negativas.Ganó aproximadamente $784 millones en todo el mundo, y ganó el Oscar a los mejores efectos visuales. El exitó del filme dió origen a otra secuela, Spider-Man 3.
- La canción que canta la chica oriental con el violínsobre Spiderman, es la canción original de la serie de dibujos animadosde los años 60.
- El casero de Peter Parker se llama Ditckovich en homenaje al dibujante del comic llamado Steve Ditcko.
- Stan Lee aparece rescatando a una mujer a la que le va a caer untrozo de edificio, mientras Spiderman y Octopus luchan en las alturasdel mismo.
- El acomodador que no deja entrar a Peter Parker en la obra de MaryJane es Bruce Campbell, actor fetiche del director que tambiénparticipó en la primera parte de “Spiderman” como el animador ypresentador de los combates de lucha libre; este actor conoce aldirector desde la universidad y ha participado con Sam Raimi en filmscomo la trilogia de “Posesion Infernal” y en cameos como en “Darkman” yen las series “Hercules” y “Xena” producidas tambien por Sam Raimi.
- Para interpretar al Dr. Octopus también se pensó en Robert De Niro.
- Los saltos del personaje están rodados con la SpiderCam, cámaradiseñada por Earl Wiggins para seguir los movimientos del hombre araña.
- Los dos tentáculos superiores están diseñados para trabajos detallados, mientras que los dos inferiores son para pararse, caminar y destruir.
- Según Marvel, cada uno de los tentáculos del Doctor Octopus puede levantar hasta tres toneladas.
- A sólo seis semanas de haber terminado de filmar “Seabiscuit”,Tobey Maguire tuvo que subir 10 kilos para llenar su traje deSpider-Man.
- Para el Doctor Octopus se creó una plataforma porque además de supropio movimiento, los tentáculos lo mueven por completo. Cuando caminacon los tentáculos, estos aguantan todo su peso, por lo que seconstruyó un arnés para moverlo en el aire y simular que los tentáculoslo cargaban.
- Tomó un año crear y diseñar el traje del Doctor Octopus.
- 35 nuevos trajes fueron creados para la película, con 100 pequeñas modificaciones respecto al original. 30 especialistas invirtieron tres semanas de trabajo en completarlos.
- 15 semanas se invirtieron en construir el embarcadero que mide 18metros de largo, 36,5 de ancho y 12 de alto. Dos semanas más en losestudios Universal para el exterior del Lyric Theatre. En total, sedecoraron más de 100 escenarios.
- Los tentáculos del Dr. Octopus en la realidad pesan entre 34 y 45kilos, tienen cuatro metros de longitud y están formados por 76 piezasindividuales.
- Para interpretar su papel, Alfred Molina tuvo que ponerse en forma con un entrenador particular, para poder aguantar toda la parafernalia.
- Por problemas de espalda, Tobey Maguire estuvo a punto de ser sustituido en su papel por el actor Jake Gyllenhaal.
Spider-Man 3 (Spider-Man 3 en España y El Hombre Araña 3 en Latinoamérica) es la tercera parte de la saga de película dedicada a este superhéroe de Marvel. La película se estrenó el 4 de mayo del 2007. La dirección estuvo a cargo de Sam Raimi, quien volvió a contar con Tobey Maguire, Kirsten Dunst, James Franco y J. K. Simmons para el elenco, además aparecieron Topher Grace, Bryce Dallas Howard y Thomas Haden Church. La película se empezó a rodar el 2 de enero del 2006 y la fotografía ya se había grabado desde septiembre de 2005.Debido a diferencias en la comercialización del filme su estreno no fueel día que originalmente estaba planeado. Estas diferencias surgieron apartir de la opinión de los productores de Sony Picturesque consideraron que el filme redituaria mejores ingresos de serestrenado en el receso invernal. Ha recaudado $59 Millones de dólaresen su día de estreno en los Estados Unidos, rompiendo el récord de Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto y La venganza de los Sith con 56 y 50 millones respectivamente.
- Tanto Topher Grace como Thomas Haden Church confesaronque cuando fueron invitados informalmente a una reunión en Sony, notenían ni idea de que realizarían una audición para la película.
- En la feria Comic-Con de San Diego, el 22 deJulio del 2006, el director Sam Raimi admitió que, para mantener ocultala inclusión del personaje de Venom en esta película, durante elcasting y la pre-producción llegó a confesar que odiaba al personaje yno tenía intención de incluirlo en Spiderman 3 ni en ninguna secuela.Como compensación por aquello, mostró en la feria las primeras imágenes de Venom, aunque con efectos especiales inacabados.
- Los más de 600 globos en la escena de la celebración tuvieron que ser pintados a mano.
- Topher Grace abandonó la serie “That ’70s Show” (Aquellos maravillosos 70) para participar en esta película.
- John Dykstra, que ganó un Oscar por su trabajo comosupervisor de efectos visuales en Spiderman 2, rechazó participar en latercera película para trabajar en “Hot Wheels” (2007). Scott Stokdyk seencargó finalmente de los efectos visuales.
Sitio Oficial de Spider-man: http://spiderman.sonypictures.com/
Sitio Oficial de MARVEL
http://www.marvel.com/
Este Año El Diector Regresa con Drag Me To Hell nuevamente regresa a su genero Terror.
En Arrástrame al infierno, la trama se centra en ChristineBrown, una ambiciosa trabajadora de una oficina de prestamos. Paraimpresionar a su jefe decide negar la ampliación de la hipoteca a unaanciana. Como venganza, esta le lanza una maldición que convertirá suvida en un infierno.
La película tiene como protagonistas a Alison Lohman y Justin Long. Ademas de la dirección, Raimi colaboró en la realización del guión junto con su hermano Ivan.
Drag Me To Hell Pagina Oficial http://www.dragmetohell.net/
Por Cesar Amigó El Chico Malo del Cine http://www.imdb.com/name/nm3137787/
Escrito por amigofilms2000 el 30/05/2009 18:24 | Comentarios (0)
En los ultimos años el cine tailandes ha llegado a nuestro pais con grandes peliculas de acción y terror Productores como Luc Besson, Steven Spielberg, Michael Bay entre anda comprando los derechos para poder hacer los re-makes.
La cinematografía de Tailandia ha alcanzado una gran repercusiónmundial en los últimos años. Ahí tenemos títulos de autorimprescindibles como Tropical Malady (Premio del Jurado en Cannes) o Las lágrimas del tigre negro; así como exitosos filmes de género como Están entre nosotros (Shutter, 2004), La semilla del mal u Ong-bak,estrenados en nuestro país. Las películas tailandesas se dividen entreel cine más comercial, de gustos localistas, y el cine intimista,independiente e interesante surgido de la visión de, quizás, losdirectores jóvenes con mayor proyección del cine mundial.
Durante muchos años, en lo que a producción cinematográfica se refiere, Tailandiase encontraba inmersa tan solo en un afán de satisfacer los ojos de suconsumo local. Sin embargo, el letargo de una industria sumida en ladecadencia artística y económica encuentra su primer latido deresurrección en 1997, cuando un grupo de realizadores surgido del mundode la televisión da el salto al mundo del cine. Los debutantes Pen-Ek Ratanaruang (Fun Bar Karaoke) y Nonzee Nimibutr (Dang Bireley and the Young Gangsters)fueron los encargados de dar las cargas de buen cine para iniciar elnacimiento de la hoy llamada, nueva ola del cine tailandés.
Pen-Ek Ratanaruang es quizás el director que mejor ha sabido ubicarse en la búsqueda de un estilo personal en intimista, luego de 6ixtynin9,una cinta entre la comedia y el suspenso, intentó abocarse a aventurasmenos comerciales y a generar propuestas mas underground, siendo La última vida en el universo(Ruang rak noi nid mahasan, 2003) su película más lograda, ahí retratarelaciones personales entre dos almas torturadas que encuentran en unlugar más allá de lo físico.
Por su parte Nonzee Nimibutr,con su cinta Nang nak, nos interna en una aparente historia de terroren donde el alma de una mujer que muere al nacer su hijo, decidequedarse para proteger a su familia, convirtiendo a esta película en uneficiente drama por la dura batalla que debe enfrentar el amor de unamadre y esposa frente a su principal enemigo: la muerte.
Estos pioneros del resurgimiento del cine tailandés contemporáneodieron el impulso inicial para que surgieran nuevas propuestas ytendencias así como nuevos realizadores que han hecho que el panoramaactual sea más que gratificante para los ojos de los que amamos el cine.
Es el año 2004, en el festival de Cannes, un joven realizador como Apichatpong Weerasethakul con su película Tropical Malady,obnubila a la critica llevándose el Premio del Jurado y convirtiéndoseen la mejor película del año para la exigente revista Cahiers du cinéma.
De otro lado, películas con una debida intención de acercarse alcine más comercial tienen sendos triunfos, no solo en la taquillalocal, sino que alcanzan éxito en diversas partes del mundo, siendo lasprincipales atracciones cintas como Ong-bak de Prachya Pinkaew y El ojo de los hermanos Pang.
En este nuevo cine contemporáneo tailandés se pueden encontrar dosvertientes debidamente desarrolladas, una que busca deliberadamentehacer un cine visualmente distinto e independiente, en el que lalibertad creativa va de la mano con la juventud de sus realizadores ysus búsquedas personales; y otro cine inspirado en llenar las salascomerciales con historias más cercanas a occidente, con géneros tandisímiles como el terror, la comedia, el drama y la acción pero sinperder ese calor y sabor intrínsecamente localista.
Los nuevos cineastas tailandeses
Wisit Sasanatieng
En el año 2000 el escritor de Nang nak decide incursionar en la dirección con la cinta Lágrimas del tigre negro,un homenaje al cine tailandés de los años 60 muy cercano al género delwestern americano, pero con una estética kitsch muy similar alAlmodóvar de los 80, con una escenografía teatral y actuacionessobreactuadas. Sasanatieng nos presenta una historia de acción yromance, llena de gore y reminiscencias al cómic que la convierte enuna de las películas más bizarras de esta década.
Con esta cinta Sasanatieng alcanza gran reconocimiento fuera delpaís, siendo proyectada con éxito en varios festivales internacionales,destrozando los códigos genéricos del western y el melodrama,convirtiendo a este filme en un culto al arte pop y a su artesano enuno de los directores más importantes del cine tailandés actual.
Con estudios en el Art Institute de Chicago, consigue realizar su primer largometraje Mysterious Object at Noon(2000), un experimento que amalgama la ficción con el documental, en elcual cada personaje entrevistado continúa la historia iniciada por elprimero de ellos, retratando a través de esta anécdota los pensamientosde cada uno de ellos, realizando un sincero análisis de la sociedadtailandesa mas sumisa en la miseria.
Tropical Malady, su obra cumbre, nos plantea unaaguda y apasionante reflexión sobre el deseo y los recuerdos a partirde la historia de amor homosexual entre un joven campesino y unsoldado, ubicándolos en el medio de la selva, convirtiendo a ésta y sussonidos cautivadores, en un personaje más de la cinta.
El cine comercial tailandés contemporáneo
Uno de los géneros que más ha gustado al público local, es el cinehistórico lleno de leyendas y valientes héroes, siendo el mejor ejemplode ello Bangrajan(2000) de Tanit Jitnukul. E cine de acción tailandés ha bebido mucho dela cercana Hong Kong y los mejores exponentes de esta simbiosis son loshermanos Pang, quienes con películas como Bangkok Dangerous trasladan toda la parafernalia del cine de acción de la ex colonia británica de los 80 y 90 (heroic bloodshed)y la sitúa en la suciedad de Bangkok, poniéndonos en el pellejo de unasesino sordomudo que busca venganza por la muerte de su mejor amigo enmanos de un mafioso local.
Bankok Dangerous fue llevada a E.U.A y dirigida por el Director original
Sin embargo, el mayor exponente del género del cine de acción que serealiza en Tailandia está alejado de las armas de fuego y se encuentrainfluenciada en la historia de las artes marciales tailandesas como loes el Muay thai. El binomio Prachya Pinkaew en la dirección y el artista marcial Tony Jaa(un fenómeno mundial comparable a Bruce Lee y a Jackie Chan) se haexpandido a lo largo del mundo, con películas como Ong-bak y Tom yumgoong. Otras cintas estandartes de este género son películas como Born to Fight y The Bodyguard, ambas realizadas por el coreógrafo de las escenas de acción de Ong-bak, Panna Rittikrai.
Otro género importante en el rostro comercial del cine thai es elgénero del terror que, siguiendo la vertiente del estilo de horror delcine japonés, ha sabido amalgamarlo a sus costumbres y tradiciones,creando un estilo propio que se ve reflejado en películas como Shutter (Están entre nosotros) y P (La semilla del mal), otras propuestas interesantes para el público son cintas como The Art of Devil I y II, Six, The Sisters, Sars Wars, entre otras.
EL ARTE DEL DIABLO
Five Star Prods., 2005 Tailandia, 100 minutos
Dirigida por Pasith Buranajan y Kongkiat Khomsiri Escrita por Kongkiat Khomsiri, Yosapong Polsap y Art Thamtrakul Editada por Sunij Asavinikul
Elenco: Napakpapha Nakprasitte .... Sra. Panor Akarin Siwapornpitak .... Paw Chanida Suriyakompon .... Nut Namo Tongkumnerd .... Ta Pavarit Wongpanitch .... Go Korakot Woramusik .... Tae
"Otra cinta de terror oriental", pensé. "Sin duda unrefrito más del familiar fantasma femenino de cabellera negra ytrémulos movimientos. Mmh, nachos".
En realidadla cinta tailandesa "El Arte del Diablo" (estrictamente hablando es "ElArte del Diablo 2", pero no hace falta haber visto la primera paraapreciar la segunda, que en muy poco se relaciona con la original)aborda temas de venganza y traición, al igual que las conocidas cintasjaponesas, pero su caótica narrativa sigue caminos diferentes, quizásno muy originales, pero al menos distintos de lo que estamosacostumbrados en este sub-género del terror.
Latrama comienza cuando, dos años después de su graduación, cinco amigosregresan a su pueblo natal, en el corazón de Tailandia, para visitar asu antigua maestra. Sin embargo esta visita remueve antiguos recuerdosde un perturbador evento que aún los persigue... y que podría costarlesla vida.
Luego de la reciente avalancha dehorror asiático, quizás no haya mucha demanda por ver otra película desimilar manufactura, pero "El Arte del Diablo" es suficientementedistinta como para merecer una tenue recomendación. Para empezar, elargumento se centra en la magia negra tailandesa, que se emplea muybien como explicación genérica de los extraños eventos que vemos en lapelícula.
Ese simple hecho me hizo disfrutarlabastante, pues contribuye a generar un exótico tono étnico auxiliadopor las maravillosamente agrestes locaciones. Muchas películas delmismo estilo prefieren centrarse en las grandes ciudades y rodearse desiniestra tecnología; "El Arte del Diablo", por el contrario, luceprimordiales selvas y ponzoñosos pantanos que aportan una atmósferaopresiva e ineludible. Francamente, me da mucho más miedo la densajungla tailandesa que los mal maquillados fantasmas que aparecen en lapelícula.
Pero así como "El Arte del Diablo"tiene numerosos aciertos, también manifiesta considerables fallas quele restan impacto y credibilidad (aunque ignoro si realmente buscacredibilidad una película que muestra reptiles saliendo de la piel deuna persona). Para empezar es demasiado larga, sintiéndose cansadacerca del final, que se extiende durante largo rato con escenasrepetitivas e innecesarias. Una edición más estricta y eficientemejoraría el ritmo de la película, y podría hacer más claros losconfusos "flashbacks" que componen gran parte de la trama. En más deuna ocasión perdí la pista de lo que veía, y no sabía si se trataba deescenas ubicadas en el presente o en el pasado de los protagonistas.
Elgiro sorpresivo con el que concluye la película se siente tambiénforzado, como si los directores sintieran la obligación de terminar enuna nota misteriosa e inesperada. Ciertamente lo es, pero también espatentemente ridícula y hasta risible.
"ElArte del Diablo" puede ser algo irregular en su tono y en su ejecución,pero cuenta con el suficiente ingenio, energía y sangre para sostenersemedianamente bien a lo largo de casi dos horas. No sé qué tan fielmenterefleje las supersticiones tailandesas, pero para un extranjeroignorante, como yo, representó una novedosa instancia de "horrorantropológico" que, además de sorprender con su crueldad y violencia,ilumina bastante sobre una cultura moderna pero basada en terriblescreencias y mitos. Podrán ser muy distintos en sus manifestacionesexternas, pero evidentemente se fundamentan en los mismos conflictoshumanos que todos conocemos. Y de eso no hay escapatoria.
DATOS CURIOSOS: -LA PELICULA NO SE PROYECTO EN E.U.A -EN PARTES DE EUROPA LA PELICULA SE CONSIGUE EN SEX SHOPS YA QUE ES UNA PELICULA PARA ADULTOS. -LA PELICULA FUE EDITADA POR 5 AÑOS.
Escrito por amigofilms2000 el 15/11/2009 07:48 | Comentarios (1)
Son todas aquellas cintas donde los protagonistas reparan o mutilan su cuerpo para tener una perfecion ante una sociedad sometida por la tecnologia.
Segun los protagonistas se liberan de la carne.
Se cree que este cine es una protesta ante las grandes industrias .
Son pocas y contadas los filmes en este estilo la mas sobresaliente es Videodrome de David Cronenberg.
David Paul Cronenberg (Toronto, Canadá, 15 de marzo de 1943) es un actor y director de cinecanadiense.Es uno de los principales exponentes de lo que se ha denominado horrorcorporal, el cual explora los miedos humanos ante la transformacióncorporal y la infección. En sus películas, usualmente se mezcla lopsicológico con lo físico. En la primera mitad de su carrera exploróestos temas principalmente a través del terror y la ciencia ficción, aunque su trabajo hace tiempo se ha extendido más allá de estos géneros.
IMDB http://www.imdb.com/name/nm0000343/
Obra
Después de dos sketches y dos cortometrajes de art cinema (Stereo, en blanco y negro, y Crimes of the Future,en color), Cronenberg se asoció con Ivan Reitman. El gobiernocanadiense proveyó financiamiento a las películas de Cronenberg durantelos 70s. Cronenberg alternó sus originales películas de horror corporalcomo Shivers con proyectos que reflejaban su interés en las carreras de autos y las pandillas de motociclistas.
Rabia explotó el insospechado talento en la actuación de la estrella porno Marilyn Chambers (la primera elección de Cronenberg había sido una desconocida joven llamada Sissy Spacek). Rabia fue una revelación con la distribución internacional y sus dos siguientes películas de terror ganaron un apoyo más sólido.
Durante su carrera, las películas de Cronenberg han seguido unaprogresión definida, un movimiento del mundo social a la vida interior.En sus primeras películas, científicos modificaban cuerpos humanos, locual daba lugar a anarquía social (p.ej. Shivers o Rabia). En su período intermedio, el caos causado por el científico es más personal, (p.ej. The Brood, Scanners, Videodrome).
En el período más reciente, es el científico el que es alterado por su experimento (p.ej. el remake de The Fly ("La mosca", en castellano). Este período concluye con Dead Ringers("Inseparables")- presumiblemente su mejor obra - en la cual un par deginecólogos gemelos se adentran en la codependencia y la adicción a lasdrogas. Sus más recientes películas tienden más hacia lo psicológico, amenudo contrastando con realidades subjetivas y objetivas (eXistenZ, M. Butterfly, Spider).
Cronenberg ha dicho que sus películas deberían ser vistas "desde elpunto de vista de la enfermedad" y eso, por ejemplo, él identifica conlos personajes en Shivers luego de que han llegado a infectarse con los parásitos anárquicos. Esta perspectiva está ilustrada en The Flycuando el héroe descubre que ha sido genéticamente fusionado con uninsecto. En vez de decir "Mi telepod se ha descompuesto", dice "Mitelepod se ha transformado en un empalmador genético". Enfermedad ydesastre, en el trabajo de Cronenberg, son mejores problemas con quelidiar que los agentes de transformación personal.
Similarmente, en Crash(1996), la gente que ha resultado herida en accidentes de tránsitotrata de ver su calvario como "un fertilizante en vez de un eventodestructivo". En 2006, Cronenberg habría manifestado que estaba molestocon Paul Haggis por haber elegido el mismo nombre para su galardonada película Crash, sintiendo que no sólo era éticamente incorrecto, sino irritante también.
Aparte de La zona muerta (1983) y La mosca (1986), Cronenberg no ha trabajado dentro del mundo del cine comercial y de alto presupuesto de Hollywood, aunque ha tenido ocasionales acercamientos. En algún momento fue considerado por George Lucas como un posible director para la película Return of the Jedi pero fue desestimado. Cronenberg también trabajó por casi un año en una versión de Total Recall, pero experimentó "diferencias creativas" con los productores Dino de Laurentiis y Ronald Shusett. Una versión diferente de la película fue finalmente realizada por Paul Verhoeven. A fines de los 90s se anunció a Cronenberg como director de una secuela de otra película de Verhoeven, Basic Instinct, pero esto también fracasó. Junto con Promesas del este (2007), el thrillerUna historia de violencia(2005), es uno de los de más alto presupuesto y más masivo a la fecha.Él ha dicho que la decisión de dirigir esta última fue motivada porhaber tenido que aplazar su salario en la cinta de bajo presupuesto Spider, sin embargo es una de sus películas más aclamadas por la crítica a la fecha.
Cronenberg ha contratado a Howard Shore para componer la banda sonora en prácticamente todas sus películas. Otros colaboradores regulares incluyen al actor Robert Silverman, el director de arte Carol Spier, el editor de sonido Bryan Day, el editor Ronald Sanders, su hermana, la diseñadora de vestuario Denise Cronenberg, y, de 1979 hasta 1988, el director de fotografía Mark Irwin.
Asociado con la lealtad que muestra a sus colaboradores clave, Cronenberg permanece siendo un cineasta canadiense incondicional, con casi todas sus películas --incluyendo las grandes de estudio La zona muerta y La mosca -- habiendo sido filmadas en su provincia natal de Ontario (excepciones notables incluyen M. Butterfly y Spider, cuya mayor parte fue filmada en China e Inglaterra, respectivamente. Además, Rabia fue filmada en los alrededores de Montreal). La mayoría de sus películas han sido al menos parcialmente financiadas por Telefilm Canada,y Cronenberg es un partidario de los proyectos fílmicos apoyados porlos gobiernos, diciendo "cada país necesita un sistema de fondosgubernamentales con el fin de tener un cine nacional enfrente a Hollywood."
Como Actor
Cronenberg también ha aparecido (como actor) en películas de otros directores. La mayoría de sus papeles son cameos, como en Into The Night, To Die For, y Alias, pero en alguna ocasión ha interpretado papeles principales, como en Nightbreed o Last Night. No ha interpretado ningún papel principal en alguna de sus películas; sólo hizo una breve aparición como ginecólogo en The Fly; se puede escuchar fuera de cámara como un aparcador en Crash; y también puede ser visto fugazmente entre la multitud de obsesos sexuales en Shivers.También aparece, en el papel de un asesino a sueldo, al final de lapelícula Todo por un sueño, y como sacerdote en Resurrección (1997) deRussell Mulcahy.
En 2002, fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá.
William Lee (seudónimo de Burroughs en su primera novela, Yonqui)es un exterminador que descubre que su mujer le está robandoinsecticida para drogarse con él. Cuando Lee es arrestado por lapolicía, cree estar alucinando a causa de una prolongada exposición alinsecticida. Lee cree ser un agente secreto, y su superior (un insectogigante) le asigna la misión de asesinar a su mujer, Joan Lee, que es,según el insecto, una agente de una organización llamada Interzona.Desoyendo al insecto y sus instrucciones, Lee vuelve a su casa yencuentra a su mujer durmiendo con Hank, uno de sus amigos escritores.Al poco, Lee dispara a su mujer mientras ambos imitaban el número de Guillermo Tell con una pistola.
Habiendo "cumplido" su misión, Lee huye a Interzona, y pasa sutiempo escribiendo informes de su misión. Allí, las máquinas deescribir que Lee usa son criaturas vivientes, que acostumbran aaconsejarle acerca de su misión. Clark Nova, una de estas máquinas deescribir, le insta a encontrar al doctor Benway, seduciendo para ello aJoan Frost, que es un doppelgänger de su difunta esposa, Joan Lee.
Tras descubrir que el doctor Benway es el líder de un cartel de ladroga que produce la llamada "carne negra", Lee completa su informa yhuye de Interzona a Annexia con Joan Frost. En la frontera con Annexia,y para probar ante los guardias que se trata de un escritor, Leedispara a Joan Frost del mismo modo que lo hizo con su esposa, JoanLee. Tras esto, los guardias le dan la bienvenida a Annexia.
Adaptación
El guion de El almuerzo desnudo está basado no solo en lanovela de Burroughs, sino también en otros trabajos suyos, y en datosautobiográficos sobre su vida. Puede verse como una adaptación metaficcional,en el sentido de que describe el proceso de escritura de la propianovela. Algunos personajes están vagamente basados en personas queBurroughs conoció: Hank y Martin se basan en Jack Kerouac y Allen Ginsberg (que ayudaron a Burroughs a compilar los textos que darían lugar a la novela), y Tom y Joan Frost en Paul y Jane Bowles de quien Burroughs se hizo amigo en Africa.
La muerte de Joan Lee está basada en la de Joan Vollmer (esposa deBurroughs) en 1951. Burroughs disparó a Vollmer, ocasionándole lamuerte, mientras llevaban a cabo (borrachos) el número de GuillermoTell en una fiesta en México, D. F..Más tarde huiría de los Estados Unidos y sería declarado culpable "enausencia" de homicidio. La sentencia, de dos años de cárcel, fueposteriormente suspendida. Burroughs dijo más tarde que «nunca sehubiera convertido en escritor de no ser por la muerte de Joan».
Aunque la película se toma bastantes libertades con respecto a lanovela de Burroughs', un segmento, en el que Lee narra la historia del"Talking Asshole" es tomado literalmente del libro.
Banda sonora
La música de la película está compuesta por un colaborador habitual de Cronenberg, Howard Shore, e incluye al músico de free jazzOrnette Coleman. La música de Master Musicians of Jajoukatambién aparece a lo largo de la película, lo que la convierte en unade las pocas producciones americanas que incluyen material de estosmúsicos (la película La celda sería otra).
Recepción
Las reacciones hacia la película fueron variadas. Algunos críticosvieron en ella una excelente representación de los temas habitualmentepresentes en la filmografía de Cronenberg: la relación entre el cuerpoy la máquina, los cambios biológicos, y la enfermedad. Hal Hinson, del Washington Post, declaró que era una obra maestra, y varios críticos, entre los que se cuenta Jonathan Rosenbaum (que la incluyó en su lista de las 10 mejores películas del año)la elogiaron. Sin embargo, el experto en la literatura de BurroughsTimothy S. Murphy opina que la película es una adaptación liosa querefleja la personalidad de Cronenberg por encima de Burroughs. Murphyconsidera que la subversiva y alegóricamente política representaciónque hace Burroughs del mundo de las drogas y la homosexualidad seconvierte en manos de Cronenberg en algo meramente estético, o enimaginería propia de una película de terror. Murphy aduce que el estiloliterario de Burroughs, social y políticamente posicionado, seconvierten en la película en la mera alucinación de un yonqui, y que alincluir en la película detalles de la vida del propio Burroughs,Cronenberg convierte una anti-romántica, amargamente crítica y satíricanovela en una convencional bildungsroman.
En "Bart en la carretera" episodio de Los Simpson, Bart, Milhouse y Nelson usan falsos carnets de identidad para colarse en una proyección de El almuerzo desnudo;apareciendo posteriormente con aspecto de estar confundidos, Nelsonobserva: "Puedo pensar en al menos dos cosas que están mal en esetítulo".
La primera canción del álbum de Showbread Age of Reptiles se titula "Naked Lunch" en referencia al libro y a la novela.
Naked Lunch fue ampliamente referenciada en el single de 1994 "Bug Powder Dust", de Bomb the Bass.
Escrito por amigofilms2000 el 25/09/2009 18:19 | Comentarios (0)
Cyberpunk es un subgénero de la ciencia ficción, conocido por su enfoque en la "alta tecnología y bajo nivel de vida" y toma su nombre de la combinación de cibernética y punk. Mezcla ciencia avanzada, como las tecnologías de la información y la cibernética junto con algún grado de desintegración o cambio radical en el orden social. De acuerdo con Lawrence Person:
Los personajes delcyberpunk clásico son seres marginados, alejados, solitarios, que vivenal margen de la sociedad, generalmente en futuros distópicos donde lavida diaria es impactada por el rápido cambio tecnológico, unaatmósfera de información computarizada ubicua y la modificacióninvasiva del cuerpo humano.
Lawrence Person
El argumento de la escritura cyberpunk se centra a menudo en un conflicto entre hackers,inteligencias artificiales, y megacorporaciones, enmarcado en elplaneta Tierra en un futuro cercano, en oposición del futuro lejano opanorama de encuentros galácticos en novelas como Fundación de Isaac Asimov o Dune de Frank Herbert. Las visiones de este futuro suelen ser distopíaspost-industriales, pero están normalmente marcadas por un fomentocultural extraordinario y el uso de tecnologías en ámbitos nuncaanticipados por sus creadores ("la calle encuentra sus propiasaplicaciones para las cosas"). La atmósfera del género en su mayoríahace eco en el cine negro y se utiliza a menudo en este género técnicasde novelas policíacas. Entre los primeros exponentes del génerocyberpunk se encuentran William Gibson, Bruce Sterling, Pat Cadigan, Rudy Rucker y John Shirley. El término cyberpunk se acuñó en los años 1980 y continúa en uso.
A diferencia de la ciencia ficción de la Nueva ola,que importó las técnicas y las preocupaciones estilísticas que yaexistían en literatura y la cultura, el cyberpunk se originó en laciencia ficción primero, antes de incrementar la tendencia dominante desu exposición. A comienzos y a mediados de los años ochenta, elcyberpunk se convirtió en un tema de moda en los círculos académicos,donde comenzó a ser objeto de investigación del postmodernismo. En este mismo período, el género ingresó a Hollywood y se convirtió en uno de los estilos de la ciencia-ficción del segmento del cine. Muchas películas influyentes tales como Blade Runner y la trilogía Matrix se pueden ver como consecuencias prominentes de los estilos y de los temas del género. Los videojuegos, los juegos de mesa y los juegos de rol, tales como Shadowrun o el apropiadamente nombrado Cyberpunk 2020,ofrecen a menudo guiones que están fuertemente influenciados por laspelículas y la escritura cyberpunk. Iniciados los años 1990, algunastendencias de la moda y la música fueron etiquetadas como cyberpunk.
Mientras que una gran variedad de escritores comenzó a trabajar conconceptos del cyberpunk, nuevos sub-géneros emergieron, que secentraban en la tecnología y sus efectos sociales de una maneradiferente. Los ejemplos incluyen el steampunk, iniciado por Tim Powers, Kevin Wayne Jeter y James Blaylock, y el biopunk (o alternativamente ribofunk), en el cual Paul Di Filippo es prominente. Adicionalmente algunas personas consideran trabajos tales como La era del diamante de Neal Stephenson como el inicio de la categoría postcyberpunk.
En 1965, Jean-Luc Godard estrena Alphaville,un film de ciencia-ficción con elementos de novelas de ese mismogénero, en la cual aparece un futuro distópico propio del cyberpunk,basado, probablemente en el que aparece en Un mundo feliz de Aldous Huxley.
La película Blade Runner (1982), adaptada del libro ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip Kindred Dick, se ubica en una distopía futura en la cual seres manufacturados llamados replicantes (en la novela, andrillos)son usados como esclavos en colonias del espacio, y en la Tierra presade varios cazadores de recompensas, quienes se encargan de "retirarlos"(matarlos). Aunque Blade Runnerno fue un éxito en su lanzamiento, encontró un gran nicho en el mercadode alquiler de películas. Puesto que la película omite los elementosreligiosos y míticos de la novela de Dick (por ejemplo, cajas deempatía y Wilbur Mercer), cae más estrictamente dentro del génerocyberpunk que la novela. William Gibsonrevelaría después que la primera vez que vio la película, se habíasorprendido mucho de cómo la apariencia de esta película era similar asu visión cuando estaba trabajando en Neuromancer.
Según lo mencionado anteriormente, la serie de televisión Max Headroom también expandió el cyberpunk, quizá con un éxito más popular que los primeros trabajos escritos del género.
El número de películas de este género, o por lo menos de uno de sus elementos ha crecido constantemente desde Blade Runner. Varios de los trabajos de Philip Kindred Dick se han adaptado a la pantalla gigante, con elementos cyberpunk llegando a ser típicamente dominantes, los ejemplos incluyen Screamers (1996), Minority Report (2002), Paycheck (2003) y Una mirada a la oscuridad (2006).
Pero desafortunadamente para el argumento original, la película Johnny Mnemonic(1995) fue un fracaso, comercialmente y para la crítica. Los fans deGibson reclaman que el argumento se desvió sustancialmente del trabajooriginal, aun cuando Gibson mismo escribió el guión final.
El director Darren Aronofsky ubica su opera prima π (1998) en una Nueva Yorkactual, pero construyo el libreto con influencias de la estéticacyberpunk. De acuerdo con comentarios del DVD, él hizo esta producciónusando deliberadamente máquinas antiguas (como el diskette de 5-¼ depulgada), imitando el estilo tecnológico de Brazil (1985), para crear una "sensación" cyberpunk. Aronofsky describe el Chinatown, donde se ubica la película, como "el vecindario ciberpunk después de Nueva York".
La serie Robocop se ajusta más al futuro cercano donde hay por lo menos una corporación, Omni Productos de Consumo, que es una empresa todopoderosa en la ciudad de Detroit. Hasta el fin del mundo(1991) muestra otro ejemplo donde el ciberpunk es el tema de fondo, yuna estrategia de argumento, para verla de otro modo y dirigir elpersonaje de la historia. Gattaca (1997) dirigida por Andrew Niccol es un filme negro futurista cuyo empapado modo distópico provee un buen ejemplo del biopunk.
El anime también ha proporcionado ejemplos del subgénero steampunk, como es el caso del manga de CLAMPClover, también en muchos de los trabajos de Hayao Miyazaki, pero también notablemente en Last Exile (2003) creado por el estudio GONZO y dirigido por Koichi Chigira, que ofrece una curiosa mezcla de sociedad victoriana y batallas futuristas entre naves aéreas. También es notable Steamboy (2004) dirigido por Katsuhiro Otomo y más recientemente Ergo Proxy producida por Manglobe.
WALL·E, de Disney y Pixar,puede ser un raro ejemplo de una versión menos oscura del cyberpunk porsu trama de estilo futuristico/postapocaliptico. A pesar de no estarrelacionado con el género, muestra parte de la historia entre unavisión del futuro y la decadencia humana.
Escrito por amigofilms2000 el 07/11/2009 15:51 | Comentarios (0)
Stanley Lloyd Kaufman nació el 30 de diciembre de 1945 en Nueva York.Tras graduarse en Yale, en donde tenía de compañero a George Bush Jr,empezó a trabajar locamente en su mayor afición, el cine. Consiguióunos ahorros y dirigió se primera película “The battle of love’sReturn” en 1971. Su particular estilo de cine no gustaba a lasproductoras, así que no tuvo otra que conseguir dinero trabajando enotros proyectos para poder realizar su segundo film. Así de esta maneraacabó participando como extra o supervisor de pre-producción enpelículas como Rocky o Fiebre del Sábado Noche entre otras. Aunquerealmente donde aprendió sus “dotes” de dirección y producción, fue enel mundo del cine porno donde aparte de en ocasiones realizar alguna deambas funciones, también se encargaba de escribir algunos guiones, dela fotografía y del montaje.
Fue en 1974, todavía en su etapa como realizador de filmespornográficos, cuando Kaufman conoce a Michael Herz y deciden formarTroma. Las primeras producciones que realizaron eran tan casposas comolas que actualmente siguen haciendo, aunque básicamente eran comediasadolescentes y no el gore por el que son conocidos. Es ya poco antes demediados de los 80 cuando empiezan a realizar títulos como “ZombiesPaletos”, “El Día de la Madre” o “El Vengador Tóxico” en los queempezamos a ver el particular estilo Troma.
En 1985, Kaufman dirige la que es hasta el momento su obra másaclamada “El Vengador Tóxico”. La película tiene gran cantidad de fansen todo el mundo lo que provocó tres secuelas más, una serie de dibujosanimados y por supuesto un mayor reconocimiento para la Troma.
Otros títulos destacables producidos y/o dirigidos por Kaufman son“Sgt.Kabukiman N.Y.P.D”, “Troma’s War”, “El Monstruo del Armario”,“Mutantes en la Universidad”, “Tromeo y Julieta”, “Terror Firmer” o suúltima locura “Poultrygeist: Night of the Chicken Dead”.
El cine de Troma se caracteriza por tener escenas de sexo, violencia y mostrar gran cantidad de sangre.
Una población llamada Tromaville localizada cerca de Nueva Yorkya que se ve al fondo esta ciudad, tiene el dudoso honor de ser lacapital mayor gestora de residuos y basura tóxica. En esa ciudad hay ungimnasio, en donde trabaja como empleado de mantenimiento elprotagonista, un joven muchacho un tanto introvertido y nerd.
Todo transcurre más o menos con normalidad, ya que el alcalde es uncorrupto, hay una banda de jóvenes que se dedica a atropellar a lagente similar al videojuego Carmageddon así como excesiva delincuencia y uso de drogas para el tamaño de la población.
El protagonista es objeto de burlas de un grupo de jóvenes delgimnasio los cuales le hacen una broma de mal gusto y por su vergüenza,sale corriendo por un pasillo hacia una ventana y cae en un barril deácido con pestilencia tóxica en el cual se deforma adquiriendo nuevospoderes así como fuerza sobrehumana, con los cuales se vengará de loscausantes de su desdicha y de paso limpiará la ciudad de delicuentes ycorrupción.
Secuelas
Existen varias secuelas: The Toxic Avenger II (1989, Lloyd Kaufman, Michael Herz), The Toxic Avenger Part III: The Last Temptation (1989, Michael Herz) y Citizen Toxie: The Toxic Avenger IV(2000, Lloyd Kaufman). La saga de películas del Vengador Tóxico secaracterizan por sus escenas de violencia excesiva, mutilación,humillación, humor obsceno, sexo y desnudos. Además se realizó unaserie de animación para televisión (Toxic Crusaders) adaptada a los menores de edad donde se substituye el gore por un mensaje puramente ecológico.
Más información
Entre ciertos círculos, esta película se considera una película deculto principalmente por ser una película independiente como aclaranlos creadores y por ese "regustillo" a "cutre" o de serie B profunda.Además de tener su serie en comic y multitud de merchandasing más comofiguras articuladas, camisetas...
Escrito por amigofilms2000 el 13/01/2010 19:25 | Comentarios (0)
Por fin lo que todos esperabamos el Trailer del nuevo Film de Peter Jackson Lovely Bones. Ademas el Film cuenta con el Score del gran musico Brian Eno y produccion de Steven Spielberg.
Visita Apple Trailers http://www.apple.com/trailers/paramount/thelovelybones/
La película estuvo a punto de ser cancelada por la repartición de ganancias. Las compañías Universal Studios y FOX dedicadas a la producción y distribución de películas, en el año 2006estaban en negociaciones cuando el problema surgió. El presupuestoinicial era de 135 millones de dólares y mientras avanzaba el proyecto,el coste aumento a $200 millones de dólares.
District 9: Segregación alien de la mano de Peter Jackson
Tras protagonizar una llamativa campaña de marketing viral que inundó la pasada Comic Con con carteles situados en cuartos de baños, ascensores y demás instalaciones advirtiendo de que eran “For Humans Only” (solo para humanos), ha llegado el momento de que empecemos a hablar de District 9, una película de ciencia ficción producida por Peter Jackson y que marcará el debut como director (en la gran pantalla) de Neill Blomkamp.
Blomkamp,además de tener un nombre de lo más raro y ser todo un gurú de losefectos especiales detrás de series como Smallville y Stargate SG-1 oel famoso anuncio del Citroën C4 robótico, también era la otra cabezapensante junto a Jackson en ese proyecto frustrado de llevar al cine elvideojuego Halo. De hecho, el argumento de District 9surgió mientras ambos buscaban ideas para Halo, y basta con dedicarleuna mirada a algunas de las webs que forman parte de la campaña de laque os hablaba antes para identificar los pilares sobre los que seapoyará la película: extraterrestres marginados en guetos,corporaciones tratando de sacar provecho de su tecnología medianteingeniería inversa y toda clase de oscuros experimentos auspiciados poruna intensa política racista.
Así, en la web de la MNU (Multi-National United) encontramos toda clase de propaganda anti-alienrepitiendo una y otra vez la palabra “humano” al tiempo que nos invitana unirnos a su cuerpo de seguridad privada. En la página D-9se explica la regulación vigente para toda forma de vidaextraterrestre, incluyendo la prohibición de salir del Distrito 9 o ladistribución de objetos que glorifiquen culturas no humanas.Finalmente, MNU Spreads Lies es el blog de un empleado anónimo de la MNUtremendamente preocupado por las injusticias y atrocidades cometidas apuerta cerrada por esta corporación. El blog promueve la igualdad entreespecies y nos da algunas claves sobre la historia de los aliens comoque el Distrito 9 es donde se estrelló su nave o que existe un grupoterrorista pro-alien llamado Pro-Forma.
District 9 bebe directamente de los cortometrajes de Blomkamp, especialmente de Alive in Joburg, ese falso documental sobre refugiados extraterrestres en Johannesburgo (Sudáfrica) con cierto aire a Alien Nation así que nuestras expectativas están por las nubes. Lástima que tengamos que esperar hasta el 19 de agosto… del año que viene.
Nació en Pukerua Bay, Nueva Zelanda el 31 de octubre de 1961. A los nueve años vio King Kong y desde entonces quiso ser director de cine. Realizó cortometrajescon la cámara de vídeo que le regalaron sus padres. Jackson comenzó sucarrera realizando filmes en su tiempo libre. Uno de ellos, Bad Taste, en 1987, (el mismo año de su boda con Fran Walsh) un film gore con el que consiguió notoriedad en el festival de Cannes, comenzando así su carrera profesional en el cine y el cual le permitió entrar en Hollywood.Al contrario de otros compatriotas, ha permanecido en su paísrealizando sus nuevos proyectos. Durante este tiempo fue adquiriendo ocreando negocios para producir filmes en Nueva Zelanda.
La segunda película El delirante mundo de los Feebles(Meet The Feebles),Jackson utilizó marionetas en una divertida producción en que demuestratalento como creador de originales historias. Trata sobre un grupo deteatro musical. El boom como autor de culto se disparó con Braindead (tu madre se ha comido a mi perro), una película goreentre comedia y terror (ambigüedad debida en buena parte a su tramaatrozmente sangrienta) con la cual ganó abundantes premios. Estapelícula está considerada una de las más gore de la historia.
Jackson también realizó el film Criaturas celestiales, protagonizado por Kate Winslet,una película que se basa en hechos reales sucedidos en Nueva Zelanda.Este filme le permitió probar una manera de hacer cine más "normal",pero sin dejar su humor negro. Con esta película lograría su primerapostulación a los premios Óscar como mejor guión y también fue premiadoen el Festival de Venecia.
En 1995 Jackson realizó Forgotten Silver, un falso documental sobre las aventuras de un cineasta, y al año siguiente el film Agárrame esos fantasmas, donde mezclaba comedia, ciencia ficción y thriller, protagonizada por Michael J. Fox.
Pero realmente Jackson ha llegado a ser famoso por dirigir la trilogía de El Señor de los Anillos, una detrás de otra durante 4 años, con El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo ganó 4 Óscar de 13 nominaciones, El Señor de los Anillos: Las dos torresrecibió 2 de 6 nominaciones a los premios Óscar, fue en la últimapelícula de la trilogía que Jackson consiguió el premio por mejorpelícula, como mejor director y uno más como guionista. En total elfilm conseguiría ganar los 11 premios a los que estaba nominado entreellos el de mejor película igualando así a Ben-Hur de William Wyler y Titanic de James Cameron.
Su película King Kong, en el 2005, fue el remake del clásico de 1933King Kong, cumpliendo así su sueño de la infancia. El año pasado (2008) estrenó su más reciente película The Lovely Bones basada en una novela de Alice Sebold. Ésta cuenta la historia de una niña de 14 años que es violada y asesinada.
A finales de 2007 se hizo público su acuerdo con las compañías MGM y New Line Cinema para que sea productor ejecutivo de dos películas basadas en la novela El hobbit, que se empezarán a rodar lo antes posible y se planea que se estrenen en 2010 y 2011, dirigidas por el realizador mexicano Guillermo del Toro. ya que él está ocupado preparando la adaptación de Tintín junto con Steven Spielberg.
La película fue filmada durante cuatro años, principalmente en los fines de semana, todo con un presupuesto de 11.000 dólares. Jackson hace dos papeles en la película, el resto de los actores son amigos suyos.
Trama
Unos extraterrestres invaden el pueblo de Kaihoro en Nueva Zelanda, los habitantes del pueblo son asesinados y encerrados en cajas para convertirse en comida rápida. El gobierno envía a cuatro paramilitares para detener la invasión.
Un civil que pasó por el pueblo es atrapado y llevado a una casa, laguarida de los extraterrestres. Los protagonistas van a su rescate,convirtiendo al patio de la casa en todo un campo de batalla. El civiles rescatado, y el líder de los extraterrestres huye en una nave. Paradesgracia del extraterrestre, uno de los paramilitares, Derek, estabaen la nave y lo mata con una motosierra.
Datos Curiosos:
No hay ningún personaje femenino en toda la película, las mujeres que participaron fueron aliens.
Los actores en la película eran familiares y amigos de Peter Jackson.
El mismo Peter Jackson actúa en la película como Derek y Robert (uno de los extraterrestres).
Braindead, titulada Tu madre se ha comido a mi perro en España y Muertos de miedo en Hispanoamérica, es una película del género comediagore de 1992 dirigida por Peter Jackson. Tuvo un presupuesto de 3 millones de dólares, siguiendo la línea gore de películas como Mal gusto y Meet the Feebles hechas por Jackson. Es considerada como una de las películas más sangrientas de la historia.
Trama
La película se encuentra ambientada en Nueva Zelanda durante los años 1950, y es protagonizada por Lionel Cosgrove (Timothy Balme), un joven que vive junto a su sobreprotectora madre (Elizabeth Moody), haciendo todo lo que esta le ordena. Lionel se enamora de Paquita (Diana Peñalver), una joven que trabaja en una tienda de la ciudad. Un día, la madre de Lionel le sigue a escondidas a él y a Paquita hasta el zoológico, donde es mordida accidentalmente en el brazo por un mono-rata de Sumatra. La mordida del animal la va convirtiendo lentamente en un zombi. Lionel está horrorizado, pero de todas formas cuida de ella como lo hacía antes.
El joven trata de llevar una vida normal con su madre, calmándolacon tranquilizantes que consigue de un veterinario. Aún cuando su madreasesina a una enfermera y se come al perro de Paquita, Lionel permanecejunto a ella, intentando que nadie se de cuenta de esta situación. Lamadre de Lionel comienza a infectar a más personas -entre ellos a unsacerdote- y Lionel encierra a los zombis en el sótano de su casa. Lascriaturas son descubiertas por Less (Ian Watkin),tío de Lionel, quien lo chantajea para que le de el testamento de sumadre o informará a las autoridades del suceso. Mientras su tíoorganiza una fiesta en la casa, Lionel inyecta a los zombis con venenopara deshacerse de ellos. Sin embargo, el veneno resultó ser unestimulante animal, y las criaturas adquieren mayor poder.
Los zombis logran salir del sótano y comienzan a asesinar a losinvitados de la fiesta. El clímax de la película muestra a Lionelenfrentándose a las criaturas armado con una cortadora de césped. Trasderrotarlos, su madre muta en un monstruo gigantesco y atrapa a Lionelen su abdomen. El joven sale en una especie de segundo nacimiento,cortando el abdomen del monstruo. Finalmente, la madre de Lionel muereal ser absorbida por las llamas de la casa.
Producción
Tras finalizar la película Mal gusto(1987), Jackson tenía planeado dirigir una nueva cinta de terror. Sinembargo, debido a problemas de financiamiento, decidió hacer Meet the Feebles (1990), una cinta protagonizada por marionetas que mezclaba violencia y sexo. Jackson era un fanático de las películas que involucraban zombis, siendo influenciado por el trabajo de directores como George A. Romero, Sam Raimi y Stuart Gordon.
Aunque la película está ambientada en los años 1950,las primeras versiones del guión no recogían esta idea. Según Jackson,la decisión fue tomada para hacer más convincente la actitud de Lionelfrente a su madre: «Sentimos, con o sin razón, que si eracontemporáneo, las audiencias más jóvenes pensarían que él era uncompleto idiota [...] pero si la ambientábamos en los 50, sería un pocomás comprensible».
Estreno
La película fue estrenada el 13 de agosto de 1992 en Nueva Zelanda. Fue presentada además en varios festivales de cine, como los de Fantasporto, Munich, Sundance y Toronto. La cinta fue estrenada el 12 de febrero de 1993 en Estados Unidos, bajo el título Dead Alive, y al año siguiente en Argentina y España, como Muertos de miedo y Tu madre se ha comido a mi perro, respectivamente.
Censura
En algunos países como Australia y Gran Bretaña, la cinta fue mostrada sin cortes. En otros países donde se cortaron algunas partes demasiado violentas como en Alemania, la película llegó a los 94 minutos.
En Estados Unidos una versión fue cortada hasta los 85 minutos, mientras que otra hasta los 97.
Recepción
Braindead ha recibido una respuesta positiva por parte de la crítica cinematográfica. La película posee un 86% de comentarios «frescos» -basado en un total de 21 críticas- en el sitio web Rotten Tomatoes,mientras que en Metacritic recibió un promedio de 54/100.David Stratton de la revista Variety se refirió a ella como «una de las comedias de terror más sangrientas jamás realizadas». Por su parte, Owen Gleiberman de Entertainment Weeklyescribió: «Una película en la que los personajes humanos son aburridos,pero las extremidades, ojos, y -especialmente- tractos intestinalestienen una exuberante vida propia».Stephen Holden del periódico The New York Timessostuvo que la película «no daba miedo ni causaba repulsión. Tampoco esdivertida. Luego que termina, el baño de sangre de media hora que sirvecomo clímax para la película se ha convertido en un tedio interminable».
A pesar de la alta presencia de gore, algunos críticos de cine han visto en la película diversos tipos de mensajes. Según palabras de los escritores Geoff Mayer y Keith Beattie: «[Braindead es] una sátira de la reprimida clase media suburbana neozelandesa de los años 50, y un psicodrama de la relación de un hijo con su madre». La sátira a la vida en Nueva Zelanda fue también mencionada por Andrew Jonhston del periódico The New York Times.
En 2005, la revista británica Total Film la ubicó en el puesto número 45 de las mejores películas de terror. Dos años más tarde, la revista Time la eligió como una de las 25 mejores películas de terror de la historia.
Curiosidades
Se utilizaron 300 litros de sangre falsa para hacer la escena de la cortadora de césped.
Al principio de la película se ven a unos investigadores que están en la "Isla Calavera", el mismo nombre de la isla de King Kong, película que dirigiría Peter Jackson años más tarde.
Escrito por amigofilms2000 el 14/08/2009 05:13 | Comentarios (0)
El Cine Giallo es un subgénero cinematográfico de origen italiano, derivado del thriller y del cine de terror.El nombre de "Giallo" (amarillo en italiano), se debe a que estaspelículas, están basadas en los argumentos de una colección de novelascon la cubiertas de ese color. Este tipo de películas fue iniciado por Mario Bava con la película La muchacha que sabía demasiado (1963)
Dicho género provocó que durante la década de 1970 (y gran parte de la década de 1980)las pantallas se llenaran con títulos enigmáticos, protagonizados porpsicópatas enmascarados, con guantes de cuero, y bellas mujeres enpeligro que se movían compulsivamente en una trama enrevesada.
MARIO BAVA
Mario Bava,director de cine italiano, nacido en San Remo, el 31 de Julio de 1914 yfallecido el 27 de Abril de 1980. Hijo del director de fotografía yescultor Eugenio Bava. Pese a que estudió bellas artes pronto se pasó al mundo del cine,comenzando como cámara y más tarde pasando a director de fotografía.Como director de fotografía trabajo a las órdenes de directores como Jacques Tourneur. Después de dirigir algunos documentales musicales y algunas escenas de Caltiki, el monstruo inmortal o La batalla de Marathon, dirigió su primer film completo, La máscara del diablo, obra mítica del cine de terror italiano. Su última película fue Shock, antes de fallecer de un paro cardíaco.
IMDB
http://www.imdb.com/name/nm0000878/
Fueuno de los precursores del giallo, o terror italiano, y máxima estrelladel terror europeo. Inspiró la obra de un alumno que luego llegaría asuperarlo, Dario Argento. Con La máscara del demonio colocó el cine de su país en el mapamundi y a su estrella inglesa, Barbara Steele, en el sitial de las grandes divas del género.
Apelandoa los golpes de efecto y a una truculencia hemoglobínica poco frecuentepara su época, urdiendo trampas pretenciosas en decorados muy bienfotografiados, Bava se consolidó como el paladín del más recargadorefinamiento expresivo.
Cinco Películas Escenciales
La Máscara del Demonio - La Maschera Del Demonio (1978)
Una bruja (Barbara Steele)jura vengarse de los descendientes de aquellos que la condenaron amorir violentamente. Le prenden fuego, pero una lluvia sorpresivaextingue las llamas, y los aldeanos le sellan la cara con una horrendamáscara negra, enterrándola en un sepulcro cercano. Un siglo después,el hermano de la bruja (Arturo Dominici) resucita y sale de su tumba, iniciando la terrible venganza que desciende sobre Katia (nuevamente Barbara Steele), su padre y hermano.
Sábado Negro - I Tre Volti Della Paura (1963)
Películacompuesta por tres episodios presentados por Boris Karloff. En elprimero, El Teléfono, Mary amenaza de muerte telefónicamente a su amigaRosy, alterando su voz. La chica, angustiada, solicita ayudaprecisamente a Mary, pensando que la misteriosa voz es la de Frank, suex amante denunciado por ella que ha escapado de la cárcel.El segundo, interpretado esta vez por el propio Boris Karloff,tiene como título Los Wurdalak y adapta un terrorífico relato deTolstoi. En él un viajero que atraviesa la estepa rusa se encuentra conun cadáver decapitado. Cuando llega a una posada de la zona, conoce auna familia que espera angustiada el regreso del patriarca quien lespredijo que, si no regresaba antes del atardecer del quinto día, debíanmatarlo porque se habría convertido en un muerto viviente. Cuandotermina ese plazo, el patriarca aparece y es recibido con miedo por lafamilia que verá cómo por la noche comoenzan a suceder extraños sucesos.Elfilm termina con La Gota de Agua, que narra la venganza más allá de lamuerte de una anciana a la que se sustrajo un anillo cuando eraamortajada.También conocida como "Las Tres Caras del Miedo" o "Black Sabbath"
Seis Mujeres para el asesino - Sei Donne Per L'Assasino (1964)
Unpolicía y su cacería sobre un violento asesino serial que se dedica ahacer presas a jóvenes modelos de una importante casa de modasitaliana, a las cuales asesina de forma sádica.También conocida como "Seis Mujeres para un asesino" o el nombre con el que se comercializó en los EEUU "Blood And Black Lace"
El Planeta Infernal - Terrore Nello Spazio (1965)
Ungrupo de astronautas investiga un extraño planeta respondiendo a unatransmisión de radio. Pero encuentran que está dominado por una fuerzaextraña que controla sus cuerpos y los fuerza a llevar a cabo actos encontra de sus voluntades. Solo el capitán es capaz de oponerse.Película también conocida como "Terror en el Espacio" o "Planet Of Blood" o "Planet Of The Vampires"
Mata, bebé, mata - Operazione Paura (1966)
Mediadosdel siglo XIX: una niña de 7 años es asesinada por un demente. Durantesu agonía intenta pedir ayuda repicando las campanas de la iglesia,pero de los vecinos, ninguno se atreve a ir en su auxilio. Veinte añosmás tarde una extraña serie de asesinatos asola el lugar del crimen,cada uno se ve acompañado por los misteriosos repiqueteos. Un médicoinvestiga, asistido por la policía, estas muertes aparentemente sinmotivo.Esta película también fue conocida como "Curse Of The Living Dead" o "Kill, Baby ... Kill!".
X-Men Origins: Wolverine es una película de 2009 basada en el personaje de Marvel Comics Wolverine, cuyo estreno tuvo lugar el 30 de abril de 2009. La película fue dirigida por Gavin Hood y está protagonizada por Hugh Jackman .
Watchmen («Vigilantes» en español) es una historieta de superhéroes escrito por Alan Moore y dibujado por Dave Gibbons, ambos de nacionalidad británica, publicado por la compañía estadounidense DC Comics durante los años 1986 y 1987 como una serie limitada de 12 números. La obra ha sido reeditada varias veces, normalmente en el formato de novela gráfica y traducida a distintos idiomas, entre ellos el español, además de obtener prestigiosos premios, como el Premio Hugo. Tras varios proyectos cancelados, Zack Snyder se encargó de adaptar el proyecto a la pantalla grande.
La acción de Watchmen se desarrolla en el año 1985, en el marco de una ucronía en la que los Estados Unidos están a punto de entrar en una guerra nuclear con la Unión Soviética.En este escenario, se relata la historia de un grupo de superhéroes delpasado y del presente como los hechos que rodean el misteriosoasesinato de uno de ellos. Watchmen presenta a los superhéroescomo gente corriente que debe enfrentarse a sus propios conflictoséticos y a sus problemas personales, que lucha contra sus trastornos yfracasos y que, con la notable excepción del Doctor Manhattan, carecen por completo de superpoderes. La deconstrucción que la obra realiza del arquetipo convencional del superhéroe, combinado con el innovador uso de técnicas cinemáticas, de abundante simbolismo y de la metaficción, han ejercido una importante influencia sobre cómics y películas posteriores.
3-Oren Peli Paranormal Activity
Paranormal activity (conocida en los países hispanoparlantes como Actividad paranormal) es una película de horror del año 2007, escrita y dirigida por el israelí Oren Peli. El filme fue estrenado en Estados Unidos el 14 de octubre de 2007,durante el Screamfest Film Festival, y fue exhibida en el SlamdanceFilm Festival el 18 de enero de 2008. La cinta fue lanzada en diversasciudades de EE. UU. el 9 de octubre de 2009, pero su estreno nacionalfue cinco días después.
La historia se centra en una joven pareja, Katie y Micah, que son atormentados por un ente paranormal en su propia casa. La cinta es presentada como un documental, usando el material registrado por la cámara que los protagonistas instalaron (de manera similar a las películas The Blair witch project y The last broadcast).
2-Sam Rami Drag Me To Hell Drag Me to Hell es una películaestadounidense protagonizada por Alison Lohman, Lorna Raver y Justin Long, dirigida por Sam Raimiy producida por Buckaroo Entertainment, Ghost House Pictures, MandatePictures y Tippett Studio. Fue estrenada el 29 de mayo del 2009 en el Festival Internacional de Cine de Cannes.La película narra como una joven y hermosa mujer llamada ChristineBrown, al negarle a una anciana mujer llamada Ganush, una prorroga, esperseguida por un espíritu malvado y ante la incomprensión de suescéptico novio, Christine busca la ayuda de un vidente para salvar sualma de una condenación eterna. En un intento de ayudarla a recobraruna vida normal, el vidente la guía por una frenética carrera parainvertir la maldición. Pero las fuerzas del mal se acercan y Christinedebe enfrentarse a algo impensable: ¿hasta dónde está dispuesta allegar para librarse de la maldición?
1-J.J Abrams STAR TREK
Star Trek (también conocida como Star Trek XI o Star Trek 2009) es una película de ciencia ficción dirigida por J. J. Abrams, escrita por Roberto Orcci y Alex Kurtzman, y producida por Damon Lindelof y Bryan Burk. Es la undécima película basada en la franquicia de Star Trek creada por Gene Roddenberry, y cuenta con los personajes principales de Star Trek: The Original Series, representados por un nuevo elenco. Explora las historias previas de James T. Kirk (Chris Pine) y Spock (Zachary Quinto), antes de unirse a bordo de la Enterprise para combatir a Nero (Eric Bana), un romulano del futuro que amenaza a la Federación Unida de Planetas.Esta película fue estrenada el 7 de abril de 2009 en el Opera House deSidney, Australia, pero su estreno en cines convencionales se realizóentre el 7 y el 26 de mayo de 2009 dependiendo del país y el 5 de juniode 2009 en México siendo retrasada debido a la Pandemia de gripe A (H1N1) de 2009.
El desarrollo de Star Trek XI comenzó en 2005, cuando Paramount Pictures contrató a Abrams, Orci y Kurtzman para revivir la franquicia. Ellos quisieron ser fieles al canonStar Trek,pero también introdujeron elementos de sus novelas favoritas,modificando la historia con viajes en el tiempo, y modernizando eldiseño de producción de la serie original para hacerla atractiva a todoel público. La filmación se realizó desde noviembre de 2007 hasta abrilde 2008 bajo un extremo secreto. Al mismo tiempo que se rodaba lapelícula, Paramount tomó la decisión de retrasar el estreno cambiandola fecha del 25 de diciembre de 2008, para el 8 de mayo de 2009. de
MEJOR PELICULA MEXICAN 2009 Amor, Dolor y Viceversa
Título original: Amor, Dolor y Viceversa Género: Thriller Año:2008 Lenguaje:Español País: Mexico Duración: 110 min Dirección: Alfonso Pineda Ulloa Guión: Blas Valdez Producción: Billy Rovzar Música: Fotografía: Damian Garcia Edición:
Consuelo lleva casi un año soñando con un hombre que se asemeja mucho asu príncipe azul. Sus amigas están convencidas de que se trata sólo desu imaginación, pero para ella se ha convertido en una auténticaobsesión. Al mismo tiempo, Ricardo también lleva algún tiempo teniendosueños extraños, en esta ocasión son pesadillas donde una joven mujerintenta asesinarle sin motivo aparente. El destino va a hacer que losdos dejen a un lado el mundo onírico y se encuentren cara a cara en larealidad.
GANADORES DE FESTIVALES DE CINE DE HORROR
Sitges 09 Moon de Duncan Jones -MEJOR LARGOMETRAJE
Scream Awards 09 Star Trek de J.J Abrams -ULTIMATE SCREAM
TRUE BLOOD-BEST TV SHOW
Fantasporto 09 Idiots & Angels de Billy Plymton-Mejor Largometraje
School Days(スクールデイズ,Sukūru Deizu) es una novela visual desarrollada por 0verflow. El juego es inmensamente diferente de las novelas visuales tradicionales y tiene 21 posibles finales, buenos y malos.
Un spin-off de este juego lanzado por 0verflow titulado Summer Days(サマーデイズ,Samā Deizu) usa el mismo sistema pero sin finales violentos.
Ha sido adaptado a anime, manga, tres novelas, y un CD Drama.
Su emisión comenzó el 24 de septiembre de 2009con una duración aproximada de 40 minutos cada capítulo. La primeratemporada consta de 13 episodios (aunque hasta la fecha sólo se hanemitido 10) que se han ampliado hasta 25 gracias a sus buenosresultados de audiencia durante las dos primeras semanas.
La primera temporada atrajo a un promedio de 14.3 millones detelespectadores en los Estados Unidos y recibió el mayor índice deaudiencia para un estreno dramático de la NBC por primera vez en cincoaños. La primera temporada consistió en un total de 23 episodios; se encargaron 24 episodios para la segunda temporada estrenada el 24 de septiembre del 2007, pero la temporada fue recortada y solo se transmitieron 11 episodios debido a la Huelga de guionistas en Hollywood. La Huelga también retraso la producción del spin-offHeroes: Origins, cuyo estreno estaba pautado para el mes de Abril y Mayo del 2008.
LA PELICULA QUE MAS ME IMPACTO ESTE AÑO AVATAR DE JAMES CAMERON (TITANIC)
La película ha estado en desarrollo desde 1994bajo la supervisión de James Cameron, quien escribió una historia cortade 114 páginas. Supuestamente la película debería haber comenzado afilmarse después de Titanic y finalizada en 1999, pero de acuerdo a Cameron "la tecnología todavía tenía que alcanzar" a la visión del filme. A comienzos de 2006, él mismo escribió el guión, el lenguaje y la cultura de Pandora.
Esta película fue lanzada en formato 2D y 3D (RealD Cinema). El presupuesto oficial de Avatares de 237 millones de dólares, aunque hay otras estimaciones que hablande un costo de producción de entre 280 y 310 millones de dólares conuna inversión en mercadeo de 150 millones. El mismo Cameron ha afirmadoque si la produción tuviese éxito, tiene planeadas dos secuelas más dela película.
Temas e inspiración
Avatar se centra en el imperialismo y la biodiversidad. Cameron ha explicado que Avatar comparte temas con At Play in the Fields of the Lord y The Emerald Forest (La selva esmeralda) que presentan enfrentamientos entre culturas y civilizaciones. También reconoce la conexión existente con Dances with Wolves (Bailando con lobos),donde un soldado que se encontraba hundido se ve representado en lacultura tribal contra la que luchaba inicialmente. Sin embargo, hadejado sin responder las acusaciones de plagio que se han presentadocontra él. Esas acusaciones son debidas al enorme parecido que hay entre el argumento de Avatar y la novela de Poul AndersonCall Me Joe.
Sinopsis
Jake Sully —un marine veterano de guerra y herido en combate que queda parapléjico— es seleccionado para participar en el programa Avatar tras la muerte de su gemelo. Así, Jake es trasladado a Pandora, una luna del planeta recién descubierto Polythemis cuya atmósfera es tóxica para los humanos y que alberga una asombrosa biodiversidad y está habitada por los Na'vi,una raza humanoide que vive en clanes en estado salvaje con su propialengua y cultura. La raza humana se encuentra en conflicto con losnativos de un clan debido a que están asentados alrededor de ungigantesco árbol que cubre una inmensa veta de un mineral muy cotizado:el unobtainium.La existencia de tal mineral ha llevado a una empresa privada a crearun proyecto de explotación de recursos minerales, la cual es dirigidapor Selfridge en lo civíl y en lo militar por el coronel Quaritch.
La mente de Jake y de unos científicos es trasladada a los cuerpos artificiales de unos Na'vicreados genéticamente (avatares) para que así la comunicacion con losnativos resulte más sencilla. A pesar del fin científico del proyecto Avatar,el Coronel Quaritch convence a Jake para que le proporcione informaciónsobre los nativos en caso de que haya que recurrir a la fuerza. Silogra los objetivos Quaritch le promete que podrá recuperar sus piernasinválidas.
Al principio, Sully cumple profesionalmente su misión informando alcoronel Quaritch y a la doctora Augustine; no obstante, en su nuevocuerpo, se da cuenta de lo maravillosa que es la cultura Na'vi y de que éstos jamás renunciarán a su tierra, haciendo inevitable el conflicto armado.
Reparto
Sam Worthington como Jake Sully, un marineparalítico que es sujeto de un experimento para existir como avatar:otra versión de sí mismo encarnada en una una criatura que puede seroperada por una conciencia humana. El director James Cameronescogió al actor australiano después de la búsqueda de otrosprometedores jóvenes actores, prefiriendo desconocidos para mantenerbajo el presupuesto. Worthington realizó dos veces la audición.
Zoë Saldañacomo Neytiri, alienígena enamorada de Jake Sully, inicialmente Jake latraiciona pero ambos se enamoran. El personaje realizado por Saldañafue totalmente generado por ordenador.
Sigourney Weaver como la Dra. Grace Augustine, una botánica que a su vez es mentora de Jake Sully en el proyecto Avatar.Hasta cierto momento su personaje fue llamado Shipley. El personajerecordó a Weaver al propio James Cameron, al ser "muy tenaz eidealista".
Stephen Langcomo el Coronel Quaritch, comandante militar del proyecto, encargado dela seguridad de la base. Lang había hecho una audición para el papel deCameron en Aliens (1986) que no obtuvo, pero el director recordó a Lang y lo eligió para Avatar.
Michelle Rodríguez como Trudy Chacon, una piloto del cuerpo de marines que se convierte en una renegada. Cameron había deseado trabajar con Rodríguez desde que la vio en Girlfight (2000).
Giovanni Ribisicomo Selfridge, un personaje del tipo pasivo-agresivo; el está a cargode la misión y toma decisiones bajo la presión de los militares.
Joel David Moore como Norm Spellman, un antropólogo que estudia las plantas, la naturaleza y la vida de Pandora tal como el personaje de Weaver.
James Cameron optó por Ubisoft para crear un MMORPG de la película Avatar, programado originalmente para el lanzamiento en mayo de 2009.[10]
Estreno
Avatar fue originalmente programado para estrenarse el 22 de mayo de 2009, pero la película fue aplazada a 18 de diciembre de 2009. Esto se hizo para permitir más tiempo de post-producción, y tambiénpara dar más tiempo a los cines de todo el mundo para instalar losproyectores de tecnología Cine RealD e IMAX 3D.
ESTO FUE LO MAS SOBRE SALIENTE DEL 2009
FELIZ AÑO 2009
Escrito por amigofilms2000 el 31/12/2009 19:35 | Comentarios (0)
El cine ha desarrollado muchos de sus guiones bebiendo en lasfuentes literarias originales, y la literatura de todo el mundo harecurrido a la transformación del hombre en animal como lineaargumental a desarrollar. Pero, sorprendentemente, no existe ningunaobra de referencia representativa e importante sobre este tema, tal ycomo ha sucedido con nuestros dos monstruos anteriores, el "Drácula" deStoker o el "Frankenstein" de Shelley.
A pesar de todo tampoco podemos dejar de comentar algunas obrasinteresantes con referencias antropomórficas como son los clásicos "LaOdisea" de Homero (siglo VIII a. de C.), donde la maga Circe convierteen cerdos a la tripulación de Ulises, "Los nueve libros de historia"del griego Herodoto (siglo V a.C.) donde comenta las costumbres delpueblo de los neurianos, o "El Asno de Oro" de Apuleyo (123-180) dondela transformación de un joven de Corinto en un asno le hace vivirmúltiples peripecias. Otras famosas obras, con similares argumentos son"La corza blanca" (1863)de Gustavo Adolfo Bécquer, una de sus más famosas 'leyendas' dondeanimal y mujer amada se funden en una tragedia romántica; el relato delbelga Jean Ray "La princesa Tigre" (1887), en el que recoge una clásicaleyenda brasileña; o con un tono más moderno, angustioso e intimista,"La Metamorfosis" (1912) de Franz Kafka, donde su personaje vacambiando hasta convertirse en un horrible insecto. Referencias más explícitas a la licantropía las podemos encontraren el "Satyricón" de Petronio (siglo I), donde se describe la historiade Nicero, testigo ocular de la transformación voluntaria de un soldadoen lobo; así como en la obra de Colin Sutherland Menzies "Hughes, elhombre lobo" (1838), en "El lobo blanco de las montañas Hartz" (1839)de Frederick Marryat, o "Wagner, el hombre lobo" (1846) deG.W.M.Reynolds, una clara referencia al mito que apareció como relatoseriado en revistas baratas de la Inglaterra victoriana. Otrasinteresantes referencias también las encontramos en"El jefe lobo" (1857) de Alejandro Dumas, en el especial y diferente"Hugo, el lobo" (1859) de la pareja Emile Eerckmann y AlexandreChatrian o, más particularmente en la aventura de John Silence, elinvestigador de lo oculto creado por Algernon Blackwood, llamada "El Campamento del Perro" (1908) donde surje la licantropía psíquica, o en"La Marca de la Bestia" (1932) de Rudyard Kipling donde se describe unadramática transformación a consecuencia de una maldición religiosa;incluso podemos encontrarnos, sin entrar en la literatura actual, conel interesante "Le gâloup" (1960), escrita por el etnólogo yfolklorista francés Claude Seignolle...
En diversos relatos clásicos, ya seangriegos o romanos, así como en relatos históricos sobre licantropía, elhombre-lobo era una persona que se convertía en un verdadero lobo, enun feroz animal peludo que caminaba a cuatro patas e imposible dedistinguir inicialmente de un lobo normal. En la Edad Media comenzó asurgir la imagen del lobo semihumanizado en su postura, pues a pesar desu claro aspecto animal podía manifestarse como un bípedo ocasional.Las únicas referencias que se hacían a los hombres-lobo con aparienciahumana eran, como las delpintor Cranach el Viejo (1510-1515), cuando se hacía referencia alhombre como salvaje, un ser antropófago poseído por la locura. La industria cinematográfica, en su aportación al terror, y pornecesidades impuestas por las antiguas técnicas de efectos especiales yla enorme capacidad de los profesionales de la caracterización, nosmostró otra imagen bien diferente del hombre-lobo y que ha quedadograbada en nuestras mentes para siempre. Nos referimos al hombreanimalizado, al ser mitad animal y mitad humano, al monstruo que dejógran parte de sus orígenes mitológicos y tradicionales para renacer enun nuevo ambiente creencial, inventado prácticamente de principio afin, y quehoy ha sido asumido por muchos como lo real... Este nuevo monstruo peludo vive básicamente en la tragedia, es unhombre condenado, con una extraña enfermedad (la mayoría de las vecesinfecciosa y de fácil transmisión) y de la que sólo puede liberarsemediante la muerte. El monstruo es, en pocas palabras, un hombremaldito. Torturado con el sufrimiento de la transformación física yatormentado por saber que, como animal, es capaz de los crímenes másterribles y espeluznantes...
Lon Chaney Jr. sufre la maldición del Hombre Lobo, en "La mansión de Drácula", película de Erle C. Kenton, 1945.
La primera película que recrea a este personaje fue una obra muda de 1913 titulada sencillamente "The Werewolf" dirigida por Henry MacRae, aparecieron posteriormente "The fox woman" (1915) y "The wolfman" (1915), pero no fue hasta 1932 cuando surgió la primera película sonora de licántropos, "Le loup-garou", de origen franco-alemán y dirigida por Pierre Bressol. Otras películas probaron el guión licantrópico sin éxito: "The Wolfman" (1924) de Edmund Mortimer (la primera película americana en tratarlo) o "Wolf Blood" en 1925 donde una transfusión es el origen de la tranformación de un hombre en bestia, hasta que llegó "Werewolf of London"(1935) y dirigida por Stuart Walker, que se tradujo fatalmente enEspaña como "El lobo humano", primera aportación al tema de laproductora americana Universal, una versión totalmente particular dellibro de un guionista de Hollywood, Samuel Guy Endore (1900-1970),titulado "El Hombre Lobo de París" y que bebía directamente de lasfuentes de la obra de R.L.Stevenson, película que no tuvo mucho éxitopese a lo interesante que resulta el conjunto final. La película que hoy todos conocemos como la que fue capaz de relanzar la figura del monstruo es "The Wolfman"(1941) realizada por George Wagner para la Universal; el guionista eraKurt Siodmak quien, por diversas presiones de los productores, cambió ymodificó el guión original hasta inventar toda una nueva mitología a sualrededor: el bastón con puño de plata, la mordedura en forma deestrella de cinco puntas, la repugnancia hacia el acónito, e incluso lafamosa luna llena... El papel principal del famoso personaje LarryTalbot fue interpretado por el hijo de un experto en esas artes y que,pese a no alcanzar ni de lejos su maestría, bordó un papel de hombremaldito, nos referimos a Lon Chaney Jr, que actuó en la película juntoa otros famosos secundarios como Bela Lugosi o María Ouspenskaya. Lahabilidad de Jack Pierce consiguió con la caracterización del monstruoabrir el camino a las famosas transformaciones cinematográficas. Después del inesperado éxito que despertó el segundo hombre-lobode la Universal, diversas compañías se dedicaron a explotar el filón delas transformaciones animales. La RKO optó por un personaje femenino yun animal diferente, así surgió en 1942 "Cat People" de JacquesTourneur (libremente traducida en nuestro país, algo a lo que ya nostienen muy acostumbrados, como "La mujer pantera");es una historia donde se mezclan el terror y las debilidades del serhumano, un amasijo de amor, celos y violencia, una historia de seresmarginados que retoma el mitodesde un punto de vista diferente, y donde la protagonista aclara algonuevo e importante: "Sea lo que sea lo que hay en mí, -dice- esinofensivo cuando soy feliz"; una película bien llevada donde lastransformaciones no se ven, sino que se insinúan mediante rugidos einquietantes juegos de sombras. Posteriormente y, en vista del éxitocosechado, se hizo una continuación "La maldición de la mujer pantera"(1944) dirigida ahora por Robert Wise, aunque con los mismos actores yque no obtuvo el reconocimiento esperado. En los años 80 se volvió altema con un remake de la primerapelícula que derivaba en una historia totalmente nueva, "El beso de la pantera" (1982) dirigida por Paul Schrader y protagonizada por una atractiva Nastassja Kinski. Finalmente, "El hombre leopardo"(1943), fue otra de las películas fallidas de la RKO que intentórecoger ganancias de su anterior éxito sin conseguirlo, y ello pese autilizar al mismo Jacques Tourneur como director. La Universal, siguiendo su política de exprimir sus éxitos deterror, mantuvo al monstruo en sus nuevas producciones aunque, ya seapor falta de buenos guiones o de nuevas ideas, pasó directamente acompartir películas con otros famosos monstruos de la gran pantallacomo las ya mencionadas en capítulos anteriores: "Frankenstein y el Hombre Lobo" (1943), "La zíngara y los monstruos" (1944), "La mansión de Drácula" (1945) o la humorística "Abbot y Costello contra los fantasmas" (1948). La única obra que escapó a este círculo estrafalariode la Universal fue "La loba de Londres" (1946) una obra melodramática dirigida a un público femenino. Cuando nuestro personaje no dio más de sí mismo, se produjo unaaproximación del terror a la juventud del momento (de forma similar alo sucedido con otros monstruos). De esto se encargó Gene Fowles con "Yo fui un Hombre Lobo adolescente (1957), donde aparece un jovencísimo Michael Landon luchando contra la maldición de la Luna llena; luego se hizo "El Frankenstein adolescente contra el Hombre Lobo adolescente"(1959) intentando perseverar en el tema aunque sin el éxito esperado;en los años 80 se volvió a retomar a la juventud con una tonta comedia,"De pelo en pecho" (1985) donde aparecía un joven Michael J. Fox de protagonista.
"La maldición de Hombre Lobo"(1960) de Terence Fisher, fue la aportación de la británica Hammer altema de la licantropía, donde Oliver Reed sufría la maldición ante lascámaras. A partir de entonces se produjo cierto desinterés por parte deproductores y realizadores; pese a ello se produjo alguna películaaunque poco importantes en general como "El terror de los lobos" (1961) de Richard Benson. Desde finales de los años 60 a los 80, fue el español JacintoMolina, más conocido como Paul Naschy, el que mantuvo la bandera de lalicantropía como eje del cine de terror, creando al ya clásicopersonaje de Waldemar Daninsky. Comenzó como actor y terminó asumiendoel papel de director; se inició con "La Marca del Hombre Lobo"(1968), donde se aplicó un sistema visual en 3D para atraer la atencióndel público, y llegó a realizar 11 películas sobre el mismo tema de lasque podríamos destacar "La Noche de Walpurgis" (1970) o "El retorno del Hombre Lobo" (1980),en su última película "La Bestia y la espada mágica"(1983) Waldemar se enfrenta a condesas sangrientas, muertos vivientes,al hombre de las nieves y al Dr. Jekyll, una extraña mezcla quedesvirtuó finalmente el tema del licántropo evidenciando una faltatotal de buenas ideas. Durante esa época también se hizo algunapelícula aunque poco importante como fue "El hombre lobo de Washington" (1973) o "La leyenda del hombre lobo" (1975), y otras que debieron su éxito más al suspense policíaco que al terror como la producción argentina "La Bestia debe morir" (1952) basada en la novela de Nicholas Blake, así como su remake francés de 1969 e inglés de 1974.Por otra parte, la también argentina "Nazareno Cruz y el lobo"(1974) de Leonardo Fabio, nos acercaba al folklore mas clásico donde unséptimo hijo varón sufre la maldición y debe enfrentarse al final conel diablo. Pero coincidiendo con el agotamiento del Waldemar de Naschy, aprincipios de los 80 surgieron nuevas películas que revitalizaron elmito por muy diversos motivos. Una nueva orientación la ofreció "Aullidos"(1980) de Joe Dante que, basándose en una novela de Gary Brandner, huyedel hombre lobo solitario y nos muestra una comunidad organizada delicántropos; esta fue una película de culto y abrió toda una saga con,hasta el momento, siete secuelas (casi todas ellas prescindibles). Otrapelícula a destacar resultó ser "Lobos Humanos" (1980) deMichael Wadleigh,una interesante obra donde se invierte el mito y nos muestra una razadiferente a la humana, que convive con ella y que, de forma algosangrienta, lucha por la libertad y nos pide su respeto. Pero quizá laque más fama obtuvo fue "Un Hombre Lobo americano en Londres"(1981) que, con guión de su director John Landis, marcó la entrada delnuevo cine americano entre los licántropos; su mayor éxito se debió ala transformación del actor David Naughton en lobo, lo que marcó unhito en el cine de terror y le valió un Oscar por los logrados efectosespeciales del habilidoso Rick Baker. Posteriormentese intentó una segunda parte con "Un Hombre Lobo americano en París" (1997) que pese a tratar el tema de las comunidades licantrópicas, no tuvo el éxito esperado.
Licántropos cinematográficos: Lon Chaney Jr, Paul Naschy, David Naughton (FX) y Jack Nicholson
Aunque durante esa época se volvió ocasionalmente al clásico hombre lobo, con bala de plata incluida, como en "Miedo Azul" (1985) basada en la obra de Stephen King, también surgieron obras más originales como la estética "En compañís de lobos" (1984) de Neil Jordan, que retomaba en cierta medida el cuento de Caperucita Roja. Entre las obras más recientes podemos destacar "Lobo"(1994) de Mike Nichols, donde se sufre con el cambio experimentado porel personaje principal (un magistral Jack Nicholson al que le viene muybien el papel de persona normal capaz de mantener una agresividadoculta dispuesta a liberarse si la vida le da una oportunidad) y que,al contrario que el arquetípico personaje de la Universal, éste escapaz de asumir e incluso disfrutar en con nuevo papel. Otras películasintentaron aprovechar el tirón de ésta pero tuvieron poco interés,entre ellas tendríamos"Werewolf" (1995), "Luna Negra" (1996) o "Licántropo" (1996). El resto de películas modernas han padecido las tendencias típicasdel cine americano. Unas se sitúan entre la acción, el terror y elesperpento gore como "Dog Soldiers"(2002) de Neil Marshall, con la historia de un grupo de hombres loboque acosan a una patrulla de soldados. Otras destacan por sus efectosespeciales y mixturas argumentales como "Underworld" (2003), con un mundo en el que viven tres razas distintas (los humanos, los vampiros y los licántropos), o "Van Helsing" (2004) con vampiros, hombres lobo y lo que se le tercie al guionista.
Escrito por amigofilms2000 el 20/01/2010 03:12 | Comentarios (0)
La banda de rock estadounidense "30 Seconds To Mars", se basó en esta película para realizar el video de "The Kill", en él se muestran las escenas de el barman, cuando Jack escribe su libro, la escena del baño, etc.
El papel de Lloyd, el barman, fue originalmente propuesto para ser interpretado por Harry Dean Stanton, quien se vio obligado a rechazarlo pues se encontraba ya ligado a otro proyecto, Alien.
Stephen King tenía los derechos para escribir el mismo el guión de la película, pero tras conversar con varias personas que habían trabajado con Kubrick, y escuchar las terroríficas historias acerca de las excentricidades y exigencias del director, declinó la idea.
Durante la escena de la fiesta, Kubrick dijo a los extras que movieran los labios como si hablaran y que no asintieran con sus cabezas.Rucilam
La película comienza con unos planos observándose el Saint Mary's Lake en el Glacier National Park; en 1942, el reconocido fotógrafo de paisajes en blanco y negro Ansel Adams, retrató ese mismo paisaje natural y desde la misma localización.
El diseño del salón y el pasillo principal del hotel Overlook se basan muy fielmente en los del hotel Ahwahnee en el parque nacional de Yosemite (California, USA). Las lámparas de araña, las ventanas y la chimenea son también casi idénticos, y es por ello que muchos huéspedes de Ahwahnee preguntan si es el hotel de El resplandor.
En una escena donde se ve a Danny Torrance jugando con unos coches de juguete sobre la alfombra, los coches se desplazan sobre las líneas de la alfombra y aparece una pelota amarilla. En la escena siguiente, el tramado de la alfombra no es el mismo y se verifica que los coches no están sobre el mismo tramado original. Sabiendo lo perfeccionista que era Kubrick es muy probable que este sea un error voluntario, para dar a entender que tanto la pelota como las apariciones eran juegos de la mente.wanderjano
En la escena de la fiesta podemos ver a Vivian Kubrick (hija del director), haciendo un cameo. Está sentada a la derecha del sofá más cercano a la barra, vestida de negro y fumando un cigarro.
Danny (Danny Lloyd) antes de que su madre se despierte, llega a decir un total de 43 veces la palabra: "REDRUM".Rucilam
La Warner y Stanley Kubrick habían elegido casi antes de existir el proyecto de esta película a Jack Nicholson para el papel de Jack Torrance, les habían gustado mucho sus interpretaciones en "Alguien voló sobre el nido del cuco" y "Chinatown". Además, Kubrick le seguía los pasos desde que le vio en "Easy Rider".
El actor Burnell Tucker, que en este filme tiene un cameo como policía, ya antes tuvo otro como fotógrafo en "2001: Odisea en el espacio" de Stanley Kubrick.
Cuando Jack está sentado en la cama junto a Wendy, y ella le pide que se vayan para que puedan ayudar a Danny; durante la fuerte discusión Jack llega a decir: "¡Podría volver como un auténtico escritor y conquistar Boulder". Pues bien, Boulder es la localidad donde vivía Stephen King cuando se le ocurrió la idea para escribir la novela "El resplandor".
A Europa llegó para televisión una versión de 114 min. de duración, y en Japón salió un DVD con la versión integra, es decir, incluía la muerte completa de Halloran, lo que hace que la película durase 154 min.
Jack sufre de insomnio y, como no puede dormir, aprovecha para escribir; Stephen King, autor de la obra adaptada, también padecía esa enfermedad.
Como al guión original durante el rodaje sufrió muchas modificaciones, al final Jack Nicholson optó por dejar de aprendérselo de memoria, y estudiarse el día antes sólo lo que le tocaba hacer al día siguiente.
La escena donde la vieja con la piel descompuesta, está tumbada, y se levanta de la bañera; es una referencia al filme "Las diabólicas" (1955) de Henri-Georges Clouzot.
Kubrick quiso hacer varias referencias a "Psicosis" (1960) de Alfred Hitchcock: las escaleras del hotel Overlook se parecen a las de la casa de Norman Bates; el 'mal' se encuentra al otro lado de la cortina de la bañera; el Sr. Grady apiñó los cadáveres de su familia en una habitación, Norman Bates desenterró el cuerpo de su madre y lo puso en una habitación.
Por aquella época Jack Nicholson era pareja de Anjelica Huston, quien llegó a afirmar que Jack terminaba tan cansado después de una dura jornada de rodaje con Kubrick que, casi todos los días, del set se iba derecho a la cama a dormir.
El actor Tony Burton, que tiene un pequeño papel como Larry Durkin, cada día se llevaba un tablero de ajedrez a los estudios, y jugaba durante el tiempo de descanso con Stanley Kubrick.Rucilam
En el filme hay varias alusiones a cuentos infantiles, ello es debido a que Stanley Kubrick y Diane Johnson para preparar el guión leyeron trabajos del psicoanalista Bruno Bettelheim, y una de sus obras más importantes es "Psicoanálisis de los cuentos de hadas", en la cual analiza la importancia de algunos cuentos como: "La bella y la bestia", "Caperucita roja", etc.
La canción que suena durante la pesadilla de Jack y su posterior despertar, se titula, coincidentemente, "The Awakening of Jacob" (El Despertar de Jacob).
El anterior celador del hotel tiene dos nombres distintos: Delbert y Charles. Esto es una referencia a la novela homónima, y para dar por entendido que, al igual que Jack, éste estuvo dos veces en el hotel, también.
Hay un detalle en toda la escena donde Danny y Wendy entra al laberinto: en un primer momento, la maqueta tiene una cierta cantidad de pasillos, pero cuando Jack la observa (y ve a su familia andando por el laberinto) ésta se ha vuelto mucho más intrincada. Esto no es un error; es una forma de representar la mente de Jack y para revelar que, a partir de ese momento, Danny y Wendy son potenciales víctimas de la locura del protagonista.
Se dice que la presentación de la película es una referencia al film "Los pájaros" de Alfred Hitchcock.
El final de la película siempre dio lugar a variadas interpretaciones que no pueden ser refutadas. Kubrick nunca se molestó en indicar cual era la correcta.
La novela en que se basa la película es en cierta forma una autobiografía, ya que el escritor Stephen King también fue alcohólico.
Cuando terminan los créditos de la película, se pueden escuchar a los fantasmas del Overlook aplaudiendo y murmurando entre ellos.
Kubrick "ayudaba" a Shelley Duvall a modelar su personaje insultándola y maltratándola psicológicamente durante el rodaje; lo que la llevó a comportarse insegura y temerosa, tal cual la vemos en la película.El Camorrero
La canción que suena mientras Jack y Grady hablan en el baño se llama "Home"; es decir, es un indicativo de que Jack, en el hotel está en su "hogar".El Camorrero
Extrañamente, mucha gente cree que la mujer muerta del cuarto 237 es en realidad la esposa de Grady.El Camorrero
La frase "REDRUM" tiene un doble significado: el que se nos revela en la película ("ASESINATO") "MURDER" y también hace alusión al "cuarto rojo" ("red room"), es decir, el baño donde están hablando Jack y Grady.El Camorrero
En los créditos al inicio de la película aparece el nombre de la actriz Anne Jackson; sin embargo, no aparece en la película original. Es una doctora que atiende a Danny tras su primer visión de la sangre saliendo del ascensor, pero esta escena sólo es accesible en la versión especial con 20 minutos extra.El Camorrero
En una de las escenas de la versión especial, Wendy entra al Gold Room y observa aterrada que está llena de telarañas y de esqueletos. Kubrick decidió remover esta escena de la original (a pesar de estar excelentemente hecha) por ser demasiado sobrenatural y por oponerse, en parte, a la temática y el concepto global de la película.El Camorrero
Katharina Kubrick, hija del director Stanley Kubrick, fue una de las encargadas en encontrar los lugares para rodar las escenas exteriores.Rucilam
La escena en donde Wendy (Shelley Duvall) golpea con el bate en la cabeza de Jack (Jack Nicholson), el actor se negó a caerse por las escaleras tantas veces como quisiera el director Kubrick; por lo que dichas tomas las realizó un especialista.Rucilam
La foto final del año 1921 en blanco y negro, en dónde se ve a Jack Nicholson; el resto de personas que le rodean son en realidad de la época. Kubrick desechó la idea original de hacer una foto con extras, al final se utilizó una antigua qué encontró en una biblioteca.
Mientras Stanley Kubrick estaba rodando el filme, su hija Vivian Kubrick le grabó para hacer un documental sobre él. Dicho documental se puede ver en la versión DVD de "El resplandor".
En España el director Carlos Saura se encargó de dirigir el doblaje en castellano, quién tras el estreno recibió multitud de malas criticas por este trabajo.
El servicio rojo y blanco es una copia exacta del de un hotel en Phoenix (Arizona); de ello se encargó Frank Lloyd Wright, director artístico.
Para rodar la escena en la qué Dany (Danny Lloyd) recorre el hotel en un triciclo a toda velocidad; como Garret Brown no era capaz de aguantar el ritmo del chico, estar agachado a pocos centímetros del suelo y, además, repetir la escena varias veces (todo ello sujetando la Steadicam). Se optó por volver a utilizar el sillón con ruedas en el cual se podía acoplar una cámara, y que Kubrick había creado para el filme "2001: Odisea en el espacio".
El Steadicam es un soporte acoplado a la cámara qué permite moverse con ella sin que la imagen tiemble; dicho artilugio fue inventado por Garret Brown, quién por ello ganó un Oscar en 1978. Kubrick le contrató para manejarla, aunque el director de fotografía seguía siendo John Alcott.
La escena en donde Jack Nicholson dice la frase: "¡Aquí está Jack!", Kubrick mandó repetirla hasta 157 veces, con lo qué se convirtió en una de las escenas más repetidas en la historia del cine.
La escena en la que Jack (Jack Nicholson) amenaza a Wendy (Shelley Duvall), mientras están subiendo las escaleras, se repitió cerca de 60 veces. A pesar de que la primera toma fue buena, Kubrick quiso que el agotamiento de repetir muchas veces una misma escena, se reflejara en la cara de Nicholson en forma de locura e ira.
La idea para la novela le surgió a Stephen King, cuando en 1974 estando de vacaciones, celebrando su reciente éxito como escritor, en Boulder (Colorado, USA) se hospedaron en el hotel Stanley, en la habitación 217, y como no era temporada el hotel estaba casi desierto.
En un momento de la película podemos ver claramente un cuadro de una mujer desnuda. Este cuadro es el mismo que aparece en "La Naranja Mecánica", en el bar al comienzo de la película.
Existe una teoría según la cual toda la película es un homenaje al pueblo indio americano. Tal teoría se sostiene en varias "pistas" que parecen conformar un gran rompecabezas de referencias culturales indias: los numerosos motivos geométricos apaches, la situación del hotel sobre un antiguo cementerio indio, Halloraan muere sobre un diseño indígena, etc.
Refiriéndose a las tomas que siguen a Danny y su triciclo por los pasillos del hotel, el director y montador de la película "La Profecía" (en su versión DVD con comentarios) afirman: "Esa es la escena que nos robó Kubrick", haciendo alusión al momento en el que Damien se lanza en triciclo por el pasillo hacia su madre, causando su fatal caída.
La escena en la qué Jack (Jack Nicholson) explica a Lloyd (Joe Turkel) la única vez que hizo daño a su hijo; ello le ocurrió de verdad a Stephen King, quién un día cuando llegó a su casa, se encontró varios manuscritos suyos tirados por el suelo y, en medio a su hija riéndose.
Shelley Duvall fue elegida por Kubrick, según él, por su aspecto más que por su capacidad, le criticó mucho el no poder mantener un ritmo de actuación homogéneo en las escenas largas.
Se dice que Jack Nicholson, para calmar los frecuentes dolores en su espalda durante el rodaje, recurría a unas dosis diarias de cocaína.
Existió el falso rumor de que Billie Gibson, que encarnaba a la vieja muerta en la bañera, era la madre de Mel Gibson, Ann.
Cuando el Volkswagen Escarabajo sube por las montañas hacia el hotel y muchas de las tomas que ocurren en la nieve; todas esas escenas fueron filmadas por Douglas Milsome, ayudante de dirección y fotografía, pues Kubrick no se movió de Inglaterra durante el rodaje.
La idea de contar la historia de "El resplandor" por segmentos, Stanley Kubrick la cogió de su otra película "2001: Odisea en el espacio".
Durante la escena de la entrevista, se colocó un pequeño juguete con forma de hacha (más tarde dicha arma tendría protagonismo) encima del lápiz de Ullman (Barry Nelson), qué se hallaba sobre el escritorio. La pena es que ese detalle en la tele casi no se aprecia, sólo se puede distinguir en una pantalla de cine.
La escena en dónde Halloran (Scatman Crothers) enseña la cocina a Wendy (Shelley Duvall) y Danny (Danny Lloyd) se repitió 85 veces.
Arrepentido de no haber rodado "El exorcista", y tras haber rechazado rodar la segunda parte de dicho filme, Stanley Kubrick se decidió a hacer a toda costa una película de terror. Por eso cuando la Warner le envió la novela de un prometedor escritor llamado Stephen King, quién con su primera novela adaptada: Carrie, había tenido muy buena crítica; aceptó el proyecto de llevar "El resplandor" (cuando leyó la obra por vez primera, aún no se encontraba a la venta) a la pantalla grande.
Stanley Kubrick había pensado en un primer momento para el papel de Dick Halloran en el actor Slim Pickens, pero éste rechazó la oferta a sabiendas de lo duro que era trabajar con él.
El actor Scatman Crothers tras haber leído el guión, llamó a Nicholson (le conocía de haber trabajado en "Alguien voló sobre el nido del cuco") pidiéndole que le recomendara ante Kubrick para el papel de Halloran. Stanley no muy convencido accedió a contratarle.
El joven actor Danny Lloyd, qué interpretaba al pequeño Danny, fue elegido por Leon Vitali, ayudante personal del director, de entre 5000 aspirantes, quienes como requisito no debían haber trabajado en el cine y debían tener no más de 6 años.
Fue una de las primeras 24 personas, todas ellas ciudadanos estadounidenses, cuyas cenizas se esparcieron por el espacio durante el lanzamiento del satélite español Minisat 01. El lanzamiento se produjo el día 21 de abril de 1997 a las 14:00 horas, desde la base aérea de Gando, en Gran Canaria, con un cohete Pegasus XL que viajaba en la panza de un avión Lockheed comandado por el capitán estadounidense Bill Weaver.
El fenómeno de Viaje a las Estrellas comenzó en el año 1966 con la denominada Serie Original ó Serie Clásica. Situada en el siglo 23, la serie narra la historia del Capitán James Kirk y su tripulación durante una misión de cinco años a bordo de la nave estelar USS Enterprise.
La serie es el resultado de una nueva concepción del futuro, una visión optimista del hombre y su evolución. Es un futuro prometedor en el cual el hombre a través de la historia ha vencido al hambre, la ambición, las enfermedades y por sobre todo la idea de poseer bienes materiales, lo que lo deja libre para dedicarse a su desarrollo integral. La humanidad explora el universo buscando respuestas y relacionamientos con otras culturas. La imagen que predomina es la del progreso, la del hombre triunfante, una imagen que ciertamente estaba en crisis por esos días.
La historia de la serie original comienza con la misión de 5 años de la nave Enterprise al mando del Capitán James T. Kirk (William Shatner), un hombre osado y atrevido que en más de una oportunidad desobedeció las órdenes de sus superiores por no estar de acuerdo con ellas. A su lado encontramos al primer oficial Spock (Leonard Nimoy), quien como buen vulcano se rige por la lógica. Spock es un hombre culto y prudente y en cierto sentido él y Kirk son dos caras de una misma moneda; es inconcebible pensar en el legendario Capitán sin su mano derecha. El núcleo básico se completa con el Doctor Leonard McCoy (DeForest Kelley), quien se encuentra a cargo de la enfermería de la nave. El Doctor, aunque buen amigo del Capitán, nunca llegó a sentirse cómodo con Spock y de allí deriva un sin número de situaciones que hicieron las delicias de los espectadores.
En la sección de ingeniería encontramos al ingeniero en jefe Montgomery Scott (James Doohan), responsable de las máquinas de la nave. El timón esta a cargo del Teniente Hikaru Sulu (George Takei) y las armas las maneja el Alférez Pavel Checov (Walter Koenig), de procedencia rusa. Era la primera vez que se incluía en una serie norteamericana un personaje ruso que no estuviera en el bando enemigo, lo cual reafirma la idea de un futuro en el cual la raza humana se encuentra unida. Por último encontramos a la Teniente Uhura (Nichelle Nichols), encargada de las comunicaciones de la nave y a la Enfermera Christine Chapel (Majel Barrett), mano derecha del Doctor McCoy.
En un principio la serie no tuvo gran éxito y la misión de cinco años duró solamente tres en el aire alcanzando un total de 79 episodios. Sin embargo, durante los años siguientes la popularidad de la serie creció con la repetición de sus capítulos hasta convertirse en un fenómeno en sí mismo. Fue el punto de partida para un universo del que hoy forman parte una serie animada, cinco series televisivas, diez películas de cine y millones de fanáticos alrededor del mundo.
En 1987 después de 18 años, Viaje a las Estrellas vuelve a la pantalla chica con una nueva serie semanal. Situada en el siglo 24, La Nueva Generación narra las aventuras del Capitán Jean-Luc Picard y su tripulación a bordo de la nueva nave USS Enterprise-D en su continua exploración de la galaxia.
La dinámica general de la serie es distinta a la de la original siendo apreciables los más de veinte años transcurridos entre la creación de ambas. Encontramos así, una ciencia ficción mucho más pulida, donde la acción se centra más en la relación entre los personajes, los cuales llegan a convertirse en un grupo de amigos, hecho en el que su creador insistió mucho. Si bien todos se nuclean alrededor de la figura del Capitán, éste ya no es descollante y todo poderoso, sino que es el perfecto ejemplo de un hombre que domina sus pasiones, centrado, culto, podríamos decir, que el prototipo del hombre renacentista.
La historia de La Nueva Generación comienza en el año 2363 con el viaje inaugural de la quinta nave en llevar el nombre Enterprise. Perteneciente a la clase Galaxy, la misma incorpora la más avanzada tecnología por lo cual es considerada la nave insignia de la flota. A ella es asignado como Capitán Jean-Luc Picard (Patrick Stewart), una figura destacada de la exploración y diplomacia interestelar. Su primer oficial es el Comandante William Riker (Jonathan Frakes), un hombre joven y audaz que con el transcurso del tiempo logró dominar su temperamento y perfilarse como un gran Capitán. El segundo al mando es el Teniente Comandante Data (Brent Spiner), cuya peculiaridad radica en que es un androide, el único sirviendo en la Flota Estelar.
En la sección de máquinas encontramos al Teniente Geordi La Forge (LeVar Burton), el jefe de ingenieros, encargado del mantenimiento de los motores de la nave. Por primera vez encontramos en una nave de la Federación a un klingon como tripulante, lo que evidencia la nueva coyuntura de paz. Se trata del Teniente Worf (Michael Dorn), encargado de la seguridad de la nave. La salud de la tripulación esta a cargo de la Doctora Beverly Crusher (Gates McFadden) y de la Consejera Deanna Troi (Marina Sirtis), quien es empática debido a que es en parte Betazoide. Tiempo después se incorpora a la tripulación Guinan (Whoopi Goldberg), una misteriosa mujer extraterrestre que se encarga del bar de la nave.
La serie duró siete temporadas en el aire alcanzando un total de 178 episodios. Fue sin duda alguna la serie más exitosa de la saga y logró altísimos niveles de popularidad en todo el mundo. Aún hoy, varios años después de finalizada su producción, la serie continúa emitiéndose con éxito en muchos países del mundo. Las aventuras de la Nueva Generación continuaron luego en el cine con las películas Generaciones, Primer Contacto, Insurrección y Nemesis.
En 1992 el éxito de La Nueva Generación era tal que los productores de la saga decidieron crear una nueva serie televisiva, llamada Deep Space Nine, que fue estrenada en Enero de 1993. La serie cuenta la historia del Comandante Benjamin Sisko y su tripulación a cargo de una estación espacial entregada a la Federación por los Cardasianos durante su retirada del planeta Bajor.
La diferencia principal con La Nueva Generación radica en que la acción ya no esta centrada en la exploración de nuevos mundos, sino que ahora se trata de solucionar situaciones políticas y de proteger la seguridad de la Federación. Su misión es lograr una convivencia pacífica con las demás civilizaciones, ya que de ellos depende la estabilidad de todo el cuadrante. Todo esto hace que la acción se centre más en la relación entre los personajes y los conflictos que surgen en torno a ellos.
La historia de Abismo Espacial Nueve se desarrolla en el año 2369 cuando la resistencia bajoriana finalmente logra liberar su hogar poniendo fin a décadas de ocupación cardasiana. Al retirarse de Bajor, los Cardasianos abandonan una estación espacial conocida como Terok Nor, que luego es redesignada Deep Space Nine. Poco tiempo después es descubierto en las cercanías el primer pasadizo interestelar estable, convirtiendo a la estación en un elemento clave para el transporte y comercio de la región.
El Comandante Benjamin Sisko (Avery Brooks) es asignado para tomar el mando de la estación como resultado de un acuerdo entre los Bajorianos y la Federación. A su lado se encuentra la Mayor Kira Nerys (Nana Visitor), antiguo miembro de la resistencia bajoriana, quien ahora ocupa el cargo de Primer Oficial.
La oficial científica asignada a DS9 es la Teniente Jadzia Dax (Terry Farrell), una Trill, especie compuesta por un simbionte y un cuerpo huésped que se unen para formar un individuo. La salud de la tripulación se encuentra en manos del Doctor Julian Bashir (Alexander Siddig), quien está a cargo de la enfermería de la estación. El metamorfo Odo (Rene Auberjonois) es asignado como jefe de seguridad de la estación por el gobierno bajoriano.
Completando la tripulación se encuentra el Jefe de Operaciones Miles O'Brien (Colm Meaney), quien fue transferido a la estación desde el Enterprise junto con su familia. De la parte recreativa se encarga Quark (Armin Shimerman), un Ferengi que maneja el bar de la estación. Tiempo después se incorpora a la tripulación el Teniente Comandante Worf (Michael Dorn), quien fuera transferido desde el Enterprise para ocupar el cargo de oficial táctico.
En 1998, al final de la sexta temporada, Terry Farrell abandonó la serie y fue reemplazada por Nicole deBoer en el papel de Ezri Dax, la nueva consejera de la estación. DS9 llegó a su fin en Mayo de 1999, luego de siete años en el aire, logrando así equiparar la duración de La Nueva Generación. Durante las primeras temporadas, el éxito alcanzado no fue el esperado, pero luego, con la incorporación de la nave Defiant y de Michael Dorn la historia cobró nuevo vigor y la acción se hizo mucho más presente dándole un giro interesante a la serie.
Al finalizar La Nueva Generación en 1994, los productores Rick Berman, Michael Piller y Jeri Taylor empezaron a trabajar en una nueva serie que sería emitida simultáneamente con Abismo Espacial Nueve. Así fue que en 1995 Voyager fue estrenada en la nueva cadena televisiva de Paramount Pictures, UPN. La serie es protagonizada por Kate Mulgrew como la Capitán Kathryn Janeway al mando del USS Voyager. Por primera vez encontramos a una mujer al mando, situación que había sido muy discutida durante las series anteriores. Otra novedad es el hecho de que durante su primera misión la nave y su tripulación son transportados hasta el otro extremo de la galaxia, de donde les tomaría más de 70 años regresar al espacio de la Federación.
Debido a su concepción, la serie es muy diferente a las anteriores, lo cual fue pensado por sus creadores como una forma de generar nuevas historias y al mismo tiempo mantener la originalidad. Por ello encontramos nuevas razas, nuevos mundos y nuevos desafíos al explorar una región del espacio desconocida para la Federación. También es apreciable el adelanto en la tecnología empleada, sobre todo en cuanto a los efectos visuales, permitiendo así llevar a la pantalla historias que diez años antes hubieran sido muy difíciles de producir y sobre todo demasiado costosas.
La historia de Voyager es una continuación de los eventos ocurridos en La Nueva Generación y Abismo Espacial Nueve. Cuando la Federación firma la paz con los Cardasianos en 2370, un grupo de ciudadanos que se oponían al tratado forman un grupo paramilitar llamado Maquis. Un año más tarde una nueva nave estelar clase Intrepid, la USS Voyager, se encuentra persiguiendo una nave rebelde Maquis por una peligrosa región del espacio conocida como Las Tierras Baldías. Durante la persecución ambas naves son transportadas a una distancia de más de 70 mil años luz al Cuadrante Delta de la galaxia, de donde les tomaría más de 70 años regresar a la Tierra. Poco después la nave Maquis es destruida y los sobrevivientes de ambas naves se unen a bordo del Voyager con un objetivo común: volver a casa.
Al mando encontramos a la Capitán Kathryn Janeway (Kate Mulgrew), cuya determinación y capacidad de mando son esenciales para asegurar la supervivencia de su tripulación durante el largo viaje. Chakotay (Robert Beltran), el Comandante de la nave Maquis, se convirtió en el primer oficial del Voyager a pedido de la propia Janeway. Otra ex-rebelde, la Teniente B'Elanna Torres (Roxann Dawson), mitad klingon y mitad humana, es la jefa de ingenieros de la nave.
Al timón encontramos al Teniente Tom Paris (Robert Duncan McNeill), un ex-Maquis quien fue atrapado y aceptó ayudar a la tripulación del Voyager a capturar a los rebeldes liderados por Chakotay a cambio de su libertad. Recién salido de la academia encontramos al Alférez Harry Kim (Garrett Wang), encargado de las operaciones de la nave, mientras que de la seguridad del Voyager se encarga el Teniente Tuvok (Tim Russ). Debido a que el doctor de la nave murió cuando esta fue transportada al otro extremo de la galaxia, el Doctor Holográfico (Robert Picardo) se hace cargo de la enfermería.
También se unen a la tripulación Neelix (Ethan Phillips), un comerciante talaxiano que se encarga de la cocina de la nave, y Kes (Jennifer Lien) su compañera ocampa. Tiempo después, cuando Janeway forma una alianza temporal con los Borg para enfrentar a un enemigo común, se suma a la tripulación Siete de Nueve (Jeri Ryan), una joven borg que fue separada del Colectivo y decidió permaner a bordo del Voyager.
La serie llegó a su fin en Mayo del 2001, luego de siete temporadas en el aire. Si bien al principio su popularidad fue decayendo, este hecho se vio revertido a partir de la cuarta temporada cuando Jeri Ryan se unió al elenco. A pesar de que su incorporación fue un tanto polémica, su presencia logró revitalizar a la serie hasta el punto de convertirla en uno de los programas más populares de la cadena UPN.
Luego del final de DS9 en 1999 los productores Rick Berman y Brannon Braga comenzaron a trabajar en la creación de una nueva serie televisiva que sería emitida después del final de Voyager. Así fue que en Setiembre del 2001, Enterprise fue estrenada en la cadena UPN. La serie se desarrolla en el siglo 22, 150 años antes de los viajes del Capitán Kirk y su tripulación, en una época donde los viajes espaciales son aún algo relativamente nuevo y los humanos y los Vulcanos recién están comenzando a conocerse.
La historia comienza en el año 2151 con el lanzamiento de la nave Enterprise al mando del Capitán Jonathan Archer (Scott Bakula), un hombre humano de poco más de 40 años. Archer es un explorador, un hombre de una gran personalidad y una curiosidad innata acerca del universo. A pesar de tener gran sentido del deber, no teme cuestionar ó desobedecer órdenes cuando lo cree necesario. Archer siente un profundo rencor hacia los Vulcanos a quienes culpa de obstaculizar el progreso de la humanidad.
A su lado está la Sub Comandante T'Pol (Jolene Blalock), una mujer Vulcana que aparenta unos 30 años de edad, de aspecto sobrio pero sensual. T'Pol es la oficial científica asignada para vigilar el progreso de la humanidad a bordo del Enterprise. Aunque considera a los humanos primitivos e irracionales, tiene gran respeto por el Capitán Archer y llegará a convertirse en uno de sus oficiales más leales. El jefe de ingenieros de la nave es el Comandante Charlie "Trip" Tucker (Connor Trinneer), un hombre humano de poco más de 30 años procedente del sur de Norteamérica. A pesar de ser un ingeniero brillante, Tucker tiene poca experiencia en el relacionamiento con otras culturas y a menudo se siente fuera de lugar al tratar con nuevas civilizaciones.
El oficial médico en jefe es el Doctor Phlox (John Billingsley), un extraterrestre exótico que está fascinado con la humanidad y aprovecha su asignación en el Enterprise para estudiar la conducta humana. El Doctor practica una forma de "medicina intergaláctica" nunca antes vista, lo que hace que la más rutinaria visita a la enfermería sea una verdadera aventura. Al timón se encuentra el Alférez Travis Mayweather (Anthony Montgomery), un hombre joven que fue criado en naves de carga y como resultado ha pasado más tiempo en el espacio que cualquier otro miembro de la tripulación. Mayweather ha viajado por docenas de planetas y conoce varias razas extraterrestres.
El oficial encargado de la seguridad es el Teniente Malcolm Reed (Dominic Keating), un hombre humano de entre 25 y 30 años de edad procedente de Inglaterra. Reed es un soldado riguroso que se guía por las reglas pero está lleno de contradicciones; a pesar de su obsesión por las armas es un hombre tranquilo y tímido. Completando la tripulación se encuentra la Alférez Hoshi Sato (Linda Park), una mujer humana de origen asiático de cerca de 25 años de edad. Sato está a cargo de las comunicaciones de la nave, pero también actúa como traductora ya que es una experta en lenguajes y puede emitir varios sonidos alienígenas que ningún otro humano es capaz de producir.
El éxito de Viaje a la Estrellas durante la década del 70 y la presión de los fanáticos que pedían nuevas aventuras hicieron que los creadores de la serie se pusieran a trabajar en la primera película de la saga, que fue estrenada en 1979. Desde entonces se produjeron 9 películas en total que fueron las encargadas de llevar el universo de Star Trek a la pantalla grande.
1. Star Trek: The Motion Picture Kirk reúne a su antigua tripulación para salvar a la Tierra de una poderosa máquina viviente llamada V'ger que destruye todo a su paso en busca de "el creador".
2. Star Trek II: The Wrath of Khan El superhombre Khan Noonien Singh escapa de su exilio en Ceti Alpha V y roba una nave estelar para vengarse de James Kirk.
3. Star Trek III: The Search for Spock Kirk pone en riesgo su carrera al robar el Enterprise en un intento de rescatar el cuerpo de Spock para devolverlo a la vida.
4. Star Trek IV: The Voyage Home El Capitán Kirk y su tripulación viajan en el tiempo a 1986 para llevar dos ballenas jorobadas al futuro en un intento de salvar a la Tierra.
5. Star Trek V: The Final Frontier Sybok, el medio-hermano de Spock, se apodera del Enterprise-A para dirigirse al centro de la galaxia donde cree que encontrará a Dios.
6. Star Trek VI: The Undiscovered Country El acuerdo de paz con los Klingons se ve amenazado cuando Kirk y McCoy son acusados del asesinato del Canciller Klingon Gorkon.
7. Star Trek: Generations Los capitanes James Kirk y Jean-Luc Picard se encuentran en un nexus temporal y unen sus fuerzas para detener a un científico que esta poniendo en peligro las vidas de millones de personas.
8. Star Trek: First Contact Picard y su tripulación viajan al pasado para evitar que los Borg impidan el primer contacto con los Vulcanos y se apoderen de la Tierra.
9. Star Trek: Insurrection Cuando la tripulación se entera de un complot de la Federación en contra de los habitantes de un planeta paradisíaco, Picard se enfrenta a sus superiores para proteger a los indefensos pobladores.
10.Star Trek: Nemesis El Clon de Jean Luc planea destruir a la Federacion y Data encuentra a su Hermano.
Star Trek de la Ficción a la Realidad:
En los diversos capítulos de la serie podemos ver que usualmente se han empleado dispositivos o medios tecnológicos innovadores para la época. Más tarde varios de ellos se han convertido en realidad, incluso de manera masiva. Un ejemplo de ello son las pantallas táctiles, los tableros de datos similares a las actuales Palms o Tablet PC, Así mismo la transferencia de datos de una computadora a otra sin cables, como la actual tecnología Bluetooth, e incluso los intercomunicadores con sistema manos libres (como el que usa la teniente Uhura). El intercomunicador que usan los personajes para comunicarse con la nave Enterprise es el modelo de los actuales teléfonos móviles.
¿Cómo olvidar las puertas automáticas, el escáner del Dr. McCoy, que permite un diagnóstico del interior del cuerpo sin necesidad de abrirlo, premonitorio de la Tomografía Axial Computarizada (TAC), la computadora personal, la computadora que obedece a la voz, las sofisticadas herramientas del señor Scott, etc.?
Cabe destacar en este sentido el uso en la serie original de "cintas de memoria" de aspecto y tamaño idéntico a los posteriormente desarrollados disquetes de 3'5, o en un capítulo, el uso de CDs donde se podían ver episodios de diferentes épocas de la historia.
Otro dispositivo innovador para la época fueron las nanosondas en el uso medicinal, tecnología con la que hoy en día se experimenta de distintas maneras, y la antimateria como combustible (para más información véase: Antimateria)
Por otra parte, y aunque no sea una "tecnología" exclusiva de esta saga, en los últimos años se han realizado avances prácticos en el área del teletransporte (todavía a nivel molecular).
Tecnologías que rayan en lo fantástico, como objetos que flotan por efecto de la antigravedad (incluso una ciudad entera), o como el viaje a través del tiempo, tienen fuertes bases en la teoría de la física relativista. En más de un sentido Star Trek fue premonitoria de tecnologías que posteriormente existieron, incluso como inspiradoras de la misma, y existe tecnología que se muestra en la serie está todavía por concretarse en el mundo real, demostrando que la saga Star Trek posee una base científica muy sólida y creíble.
Por Cesar Amigo El Chico Malo Del Cine
Escrito por amigofilms2000 el 11/05/2009 06:44 | Comentarios (1)
El Cine de Zombies, sin duda el más fascinante de los subgéneros del horror, donde se encuentran enmarcadas algunas de las mejores películas de terror de la historia y también algunas de las más divertidas y graciosas. Porque el cine de muertos vivientes se presta tanto al suspense como a la carcajada, ejemplo de esto son filmes tan diferentes, pero a la vez tan parecidos, como La Noche de los Muertos Vivientes de Romero, y El Regreso de los Muertos Vivientes, su pseudosecuela. La primera una obra fundamental del más escalofriante y claustrofóbico cine de terror, y la segunda una divertida parodia del cine de zombies, aun siendo también posible clasificarla como película de horror.
A mí siempre me han atraído las películas de zombies, siempre me ha gustado la fuerza visual que desprenden, incluso las producciones más modestas y cutres tienen su encanto, las tomas de ciudades desiertas, sitios cotidianos vacíos, y paisajes apocalípticos y desoladores son realmente sobrecogedoras, aún me acuerdo y me estremezco con el comienzo de El Día de los Muertos y el titular de un periódico que se arrastra por el suelo "Los Muertos Caminan" y a continuación una marea de zombies que salen de todos lados.
Sin duda dentro del género de terror las películas de zombies son las más terroríficas de todas, ya que la amenaza en este tipo de cine no es tan increíble como los extraterrestres o los monstruos, sino que de lo que hay que escapar es de personas, de seres humanos (muertos eso si), pero no cuesta tanto imaginarse a uno mismo huyendo de estos muertos vivientes. Además estos filmes suelen transcurrir en lugares muy cotidianos, ciudades, centros comerciales, casas, calles y no es tan difícil hacerse a la idea de cómo sería la ficción trasladada a la realidad, en contraposición a otras películas de terror que utilizan elementos de ciencia-ficción que nos dejan más fríos y distantes.
Aquí comienza un recorrido por el mundo zombi, desde sus orígenes hasta sus últimas consecuencias. Prepárate y disfruta del paseo por el averno.
Atención: la información de esta sección desvela hechos clave del argumento de las películas.
Cuando hablamos de un zombi (o zombie con la grafía inglesa), nos referimos a la figura legendaria proveniente de las regiones en las que se practica el rito o el culto del vudú o voodoo. En esencia se trata de un muerto resucitado por un hechicero mediante magia negra, con el fin de ser convertido en esclavo perpetuo. Actualmente cuando nos referimos a un zombi extendemos este significado a los muertos vivientes o incluso a las personas que realizan tareas mecánicas carentes de voluntad propia. No obstante ninguna de estas referencias dista demasiado de la cruda realidad y por tanto del origen del mito.
Ahondando en las raíces del rito vudú podemos afirma que según esta creencia un houngan o hechicero vudú podría, mediante su poder mágico, resucitar a un muerto reciente para someterlo a su voluntad. Este individuo resucitado tomaría el nombre de zombi. La propia palabra parece proceder del nombre de una serpiente divina oriunda de la región del níger-congo, y puede estar emparentada con el término kikongo nzambi, que significa Dios.
A lo largo del siglo XX varios investigadores occidentales se adentraron en la hermética sociedad haitiana desvelando casos de zombificación. La folklorista estadounidense Zora Neale Hurston dio a conocer casos espeluznantes de personas fallecidas que eran vistas, en aparente estado de shock, rondando cementerios y otros lugares. Varios rumores apuntaban a que estos individuos podrían estar bajo el influjo de una droga que eliminaba su voluntad. Sin embargo nada pasó de la mera fábula popular.
Tras visitar Haití en 1982, el etnobotánico canadiense Wade Davis publicó dos libros, The Serpent and the Rainbow (1985) y Passage of Darkness: The Ethnobiology of the Haitian Zombie (1988), en los que narraba con precisión los rituales de zombificación que se producían en la isla. El científico asombró al mundo con la revelación de los famosos polvos zombi, usados en el proceso de zombificación. La primera sustancia, llamada Coup de Poudre (en francés, "Golpe de Polvo"), era la encargada de inducir a la víctima a un estado de muerte aparente reduciendo el ritmo cardiaco hasta prácticamente el cese de las constantes vitales. Certificada la muerte, familiares y amigos enterrarían al presunto fallecido. Al cabo de un tiempo prudencial seria desenterrado y revivido por el hechicero. En ese momento entrarían en acción los segundos polvos, una sustancia psicoactiva capaz de anular la voluntad de la víctima.
El ingrediente principal de la primera sustancia, el Coup de Poudre, sería la tetrodotoxina (TTX), una toxina que se encuentra en el pez globo, que habita las costas del Japón y el Caribe. La TTX, administrada en una dosis semiletal (LD50 de 1 mg), es capaz de crear un estado de muerte aparente durante varios días, en los cuales el sujeto sigue consciente a pesar de todo. Otras fuentes hablan del uso del estramonio o datura, que en Haití se llama concombre zombi, o "pepino zombi". Según la creencia popular, la ingestión de sal liberaría al zombi de los efectos de la droga.
Davis también popularizó la historia de Clairvius Narcisse, un hombre que aseguraba haber sido víctima de esta práctica y haber vivido como esclavo zombi en una plantación durante dos años. Es inimaginable el calvario padecido por una persona sometida a esta barbaridad, enterrada vida en plena consciencia.
A pesar de los estudios de Wade Davis, nada de lo narrado en sus obras ha podido demostrarse verdadero. Las habladurías sobre muertos decapitados para evitar ser zombificados son meras leyendas que se unen a los ciento de historias sobre el tema que rondan por la isla. En 1988 Wes Craven rodó LA SERPIENTE Y EL ARCO IRIS (1988) basada en los estudios de Wade Davis. El film supone uno de los mejores acercamientos a esta extraña práctica.
El mito del vudú tenía todos los ingredientes para convertirse en materia prima del incipiente cine de terror del siglo XX. Ya en 1919 Robert Wiene nos presentó a un ser sin voluntad llamado Cesare en El Gabinete del Dr. Caligari, un anticipo de lo que estaba por llegar.
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En 1929 William B. Seabrook publicó la novela "The Magic Island" que narraba desde un punto de vista fantástico y mágico los rituales zombi de cultos como el de la serpiente sagrada Dambala. El primer film del género zombi LA LEGIÓN DE LOS HOMBRES SIN ALMA (1932) de Victor Halperin con Bela Lugosi se basó en esta obra.
Tras este film llegaría un aluvión de producciones de muy baja calidad sobre el tema, títulos como "REVOLT OF THE ZOMBIES" (1936) dirigida de nuevo por Victor Halperin, "THE WALKING DEAD" (1936) dirigida por Michael Curtiz, "OUANGA" o "POCOMANIA" (1936) de George Terwilliger o "KING OF THE ZOMBIES" (1941) dirigida por Jean Yarbrough.
Desde los años 30 hasta la fecha clave del género, 1968, la saturación de títulos es impresionante, destacando en 1942 "BOWERY AT MIDNIGHT" con Lugosi de nuevo, esta vez interpretando a un doctor loco. Muy destacada es la obra de Jacques Tourneur estrenada en 1943 y basada en un cuento de Inez Wallace "YO ANDUVE CON UN ZOMBIE" (I WALKED WITH A ZOMBIE), considerada como la mejor película de zombis clásicos. Ese mismo año DEAD MEN WALK (1943) de Sam Newfield.
En 1943 también vería la luz "THE REVENGE OF THE ZOMBIES", la película incluía la presencia de John Carradine y un puñado de zombies nazis. "THE MAD GHOUL" de James Hogan también se estrenó ese mismo año. Lugosi volvió a la carga en 1944 con "VOODOO MAN", la historia de un científico que quiere reanimar a su esposa. En 1945 "ISLE OF THE DEAD" de Mark Robson y "ZOMBIES ON BROADWAY" de Gordon Douglas se estrenaron a la sombra de "YO ANDUVE CON UN ZOMBIE", logrando relativo éxito. "VALLEY OF THE ZOMBIES" (1946) de Pillip Ford cerró el ciclo de zombis de los años 40.
Los años 50 se caracterizaron principalmente por el miedo nuclear y la expansión del poder comunista. El cine americano encontró un nuevo baúl lleno de temores para sus películas, especialmente en los albores de la Era Atómica. "CADÁVERES ATÓMICOS" (CREATURE WITH THE ATOM BRAIN) de 1955 dirigida por Edgard L. Cahn es un fiel exponente de su época.
Basada en la novela de Jack Finney, Don Siegel dirige la excelente LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (INVASIÓN OF THE BODY SNATCHERS) de 1956. Título indispensable para entender la ciencia-ficción de los 50 y todo un cúmulo del terror a la invasión comunista. En 1957 se estrenó "ZOMBIES OF MORA TAU" un título bastante mediocre. Otros títulos de los 50 son THE ZOMBIES OF THE STRATOSPHERE (1952), VOODOO ISLAND (1957), VOODOO WOMAN (1957), INVISIBLE INVADERS (INVASORES INVISIBLES) de 1959 y PLAN 9 FROM OUTER SPACE (1959).
"TEENAGE ZOMBIES" (1960) inició la década de la psicoldelia. La británica Hammer no se mantuvo al margen y en 1966 produjo la destacada THE PLAGUE OF THE ZOMBIES (1966) dirigida por John Gilling y producida por Anthony Nelson Keys, un film que retoma la esencia de un género que ya contaba con 30 años de bagaje y mucho títulos interesantes. 1968 vio estupefacto el estreno de "THE ASTRO ZOMBIES" de Ted V. Mikels, un horror de película eclipsada por la obra de un joven de Pittsburgh.
Pittsburgh, 1968. Al principio son solo rumores y las noticias son confusas y extrañas, pero a medida que avanza el día, algunos informes terroríficos van llegando a las emisoras de radio y televisión del área de Pittsburgh, Pennsylvania. La información disponible habla de como los muertos recientes vuelven a la vida y atacan a las personas, devorándolas violentamente. Los atacados o mordidos se trasforman y actúan al poco tiempo como sus agresores. La respuesta del gobierno es lenta y las recomendaciones son poco claras y nada tranquilizadoras. Estas medidas pronto se revelan insuficiente y el ejército se ve obligado a crear centros de acogida para la población. En cuanto a la causa es un auténtico misterio, las hipótesis van desde radiaciones espaciales, virus experimentales, pruebas nucleares secretas, hasta el fin del mundo que cita el Apocalipsis bíblico. La noche es terrorífica y los seres se multiplican rápidamente, cada nueva víctima se convierte en un zombi dispuesto a atacar. Las autoridades organizan grupos de caza para abatir a estos seres y cuando amanece, la situación parece estar controlada... por ahora.
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Después de un rodaje casi amateur, sin medios y realizado entre un grupo de amigos, en octubre de 1968 se estrenó en varios cines del área de Pittsburgh, LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES, consiguiendo un enorme éxito de taquilla que permitió su estreno en todo Estados Unidos. Con una recaudación final de 40 millones de dólares, la película de Romero fue el film independiente de más éxito hasta el estreno de La Noche de Halloween. Gracias a esta extraordinaria acogida, sobre todo por parte de los seguidores de las sesiones golfas, que convirtieron al film en objeto de culto, el cine de zombies sufrió un despegue espectacular.
Los zombis ya nunca volverían a ser los mismos. Ahora la descomposición y el gore tomarían las riendas de un género en plena expansión. Después de La Noche de los Muertos Vivientes las plagas de zombies estarían a la orden del día.
Con el cine de zombies hay una gran confusión en nuestro país, las traducciones de los títulos de las películas no son del todo fieles a las originales, hay filmes que comparten título o subtítulo, otros se comercializaron utilizando las mismas carátulas que películas anteriores y en general está todo bastante revuelto. Aquí hemos puesto todos los títulos conocidos de las películas para que quede todo un poco más claro. De todas formas si no estás seguro del título que buscas te sugerimos que entres en las fichas de las películas en las que encontrarás un argumento del film y bastante información.
Utiliza la lista de títulos de más abajo para acceder a las fichas de las películas o a las Zombi Fichas. Entra en la Lista Completa de Títulos para más información.
Supervivencia Zombie Hace falta un poco de información para sobrevivir a una película de zombies. Gracias a estas mini fichas podrás conocer a que clase de muertos vivientes te enfrentas, el lugar donde tendrás que jugarte la vida y algunos datos de interés sobre el mundo de los zombies.
Para más información acerca de las películas entra en las fichas de cada film a través de los enlaces de la tabla de abajo. Suerte y cuidado con las mordeduras.
Por Cesar Alfredo Amigó A (El Chico Malo Del cine)
Premiere de "SEGURO DE VIDA" en la Casa Guerrerense, el día 29 de Enero del 2010; 18:30 hrs.
Pacifico 57, Barrio de la Concepción, Coyoacán.
Actuación en vivo de HIS-PANIC, interpretando la banda sonora de la cinta.
Invitados músicales: ZALVIA y SOUFFLE.
Sergio Garcia Michel, cineasta y maestro definio con la frase MENOS ES MAS al cortometraje .El hablaba de lo desvalorado que esa este genero dentro de la industria cinematografica, aunque tambien resulta ser principo de la cinematografia y una especie de practicas que forjan a los grandes cineastas. Uno de los principales problemas a los que se enfrenta el cortometraje mexicano es la falta de foros de exhibicion comercial, aunque año con año paradojicamente los festivales de cine dan mas cabida a estos. Las distintas escuelas de cinematografia son semilleros de talentos que muestran su vision de este arte.
Miguel A. Reina
Hace dos años se grabo el cortometraje UN ALIADO EN EL TIEMPO del director Miguel A. Reina un cortometraje que le valio una nominacion en SUNDANCE FILM FESTIVAL 09 AXN FILM FESTIVAL 08 y PANTALLA DE CRISTAL 08 por Mejor Musica Original
CAST & CREW
El Maestro Actor Juan Luis Orendain
UN ALIADO EN EL TIEMPO es una historia que maneja diferentes historias en una linea de tiempo que todo ser humano debe cumplir dependiendo su estado economico y social.El guion fue escrito por Miguel A. Reina , Cesar Amigó y Heissel Dominguez.
La banda sonora fue creada por Manuel Dena,Guillermo Gonzalez,Mauricio Gonzalez,Marco Novelo, Rocco y Hebert Olvera.
Menuel Dena & Marco Novelo
Guillermo Gonzalez
El cortometraje fue apoyado por un concurso(LAS PERDIDAS) que realizo Argos y Prodigy Media.
Los jueces fueron los cineastas Patron Fox (Fuera del Cielo),Carlos Carrera(El Crimen del padre Amaro),Pedro Pablo Ibarra(Capadocia) e Ignacio Ortiz (Mezcal) el premio todo el apoyo de las casa productoras Malayerba y Agave Shots para realizar el cortometraje.
Grandes Actores Fueron Preparados para El cortometraje
VISITA EL CORTOMETRAJE en DAILYMONTION: http://www.dailymotion.com/video/x9lv9b_un-aliado-en-el-tiempo_shortfilms
Este año empezmos con la premier del cortometraje SEGURO DE VIDA.
SEGURO DE VIDA
Es una historia con profunda temática social, que retrata hasta donde se puede llegar por el amor a un hijo.
Este es el nuevo Cortometraje Del Director Mexicano Miguel A. Reina
Miguel A. Reina (Director) & Montserrat Perrez (Productora del Cortometraje SEGURO DE VIDA)
Este nuevo cortometraje tienes las participaciones de las estrellas Samuel Roga y Rocio Vazquez donde su actuacion deja al espectador atonito.
Miguel A. Reina con los actores Samuel Roga y Rocio Vazquez
SEGURO DE VIDA fue editado por E-Corps (Director General Erik Mariñalarena) una casa de post-produccion mexicana con la tecnologia y equpio de punta.
Visita INKUADRO http://inkuadro.blogspot.com/
La banda sonora fue creada por el grupo His- Panic banda Mexicana:
HIS-PANIC My Space: http://www.myspace.com/projectehispanic
Escrito por amigofilms2000 el 08/01/2010 23:02 | Comentarios (0)
Género caníbal por excelencia, el horror fílmico se ha alimentadosiempre de sus propias propuestas, regurgitándolas una y otra vez ennuevas versiones o remakes.
Los remakes de películas siempre son muy buenos. Principalmente porqueactualizan situaciones y dan a conocer, en algunos casos, materialclásico que de otro modo hubiera pasado desapercibido a una parte delas nuevas generaciones. Si la nueva adaptación de una “vieja” película es mala, aún así resulta“buena” por el simple hecho de habernos recordado por qué amamos laoriginal cuando la vimos, o nos entra la curiosidad por conocer laprimera versión, lo cual nos permite elevar en algo nuestra cultura. Normalmente cuando un cineasta decide realizar una película que “ya sehizo”, se está metiendo con un clásico. Los amargados, los frustrados,los puristas, los sabelotodos y los que usan palabras grandes paravestir sus pequeñas ideas dirían: No te metas con un clásico. Sin duda, algo más que un reto.
Este año se dio a concer que Alexander Aja dirigira nuevamente otro remake.
IMDB http://www.imdb.com/name/nm0014960/
El remake de ‘Piraña’, película dirigida en 1978 por Joe Dante, sigue adelante y además de tener a Elisabeth Shue, nominada al Oscar por ‘Leaving Las Vegas’, tienenuevas imágenes de las poco apacibles aguas que quedarán repentinamenteinvadidas por unas voraces pirañas prehistóricas, sembrando el terrorentre los bañistas que serán devorados como podemos ver.
La fecha de estreno de ‘Piraña’, que se realizaráen 3D, está fijada para el 19 de marzo de 2010. La película original de1978 contó con un bajo presupuesto y fue una de las más exitosasproducciones surgidas a raíz del espectacular taquillazo de ‘Tiburón’ de Steven Spielberg.
Rob Zombie se ha convertido en un director de cultopor haber filmado un film tan demencial (en el buen sentido de laexpresión) como ‘La casa de los mil cadáveres’, más su innecesariasecuela. Hace un año tuvo la difícil tarea de reconstruir el clásico deJohn Carpenter ‘Halloween’,de lo que salió más o menos airoso. Ahora, en estos tiempos de remakes,secuelas, remakes de secuelas y secuelas de remakes, era lógico esperarque se hiciese una continuación. ‘Halloween 2’ serádirigida de nuevo por Zombie, lo cual garantiza al menos un mínimo decalidad, aunque estemos todos de acuerdo en que tanto la anterior comoésta son dos películas totalmente innecesarias.
IMDB
http://www.imdb.com/name/nm0957772/
Al igual que la secuela de la original en su día, ‘Halloween 2’narrará los hechos inmediatamente posteriores a los narrados en laprimera entrega. Así pues, seguiremos las andanzas del implacableMichael Myers (al que dará vida de nuevo el inmenso Tyler Mane)la noche en la que se cruzó con Laurie Strode, y el doctor SamuelLoomis seguía sus pasos. Zombie está encantado de volver a trabajar conlos hermanos Weinstein, y de volver al universo de Halloween (anosotros nos gustaría que se metiese en otros proyectos)
También está disponible la web oficial del film donde por ahora no hay mucho que ver salvo la sinopsis: nightmareonelmstreet.com. Atención, afectando a este film y a otros de la compañía, Warner Bros. anuncia vía Shock Till You Drop cambios de fechas para A Nightmare on Elm Street, Jonah Hex (2010) y The Factory (2011). Lo nuevo de Freddy Krueger pasa del 16 al 30 de abril de 2010, el film comiquero de DC salta al 18 de junio del 2010 de una fecha inicial programada para el 6 de agosto. The Factory se cae del 2010 al 28 de enero del 2011.
My Bloody Valentine (Sangriento San Valentín, 2009)
Esta nueva versión de aún otro clásico de la era del Betamax —Aniversario de sangre,de 1981— agrega el atractivo de la 3D a la consabida trama en la que unmaniático homicida, oculto tras una máscara, regresa en busca devenganza al pueblito en que un accidente habría de cobrar la vida devarios mineros años atrás, en el aniversario de la tragedia y, paracolmo, en pleno Día del Amor y la Amistad. La cinta se agrega así a lalista de remakes de slasher films que, de Cuando llama un extraño (1979) y Graduación sangrienta (1980) a Día de los inocentes (1986), habrían de explotar el éxito de Viernes 13 (1980) allá en plena década de los 80s .
Mirrors (Espejos siniestros, 2008)
Gracias al inusitado éxito de Ringu (1998) y la popularidad del J-Horror, la modita de refritear filmes orientales habría de producir cintas tan dispares como El aro (2002) y su secuela, Imágenes del más allá (2008), Una llamada perdida(2008) o ésta, películas en las que un objeto de uso cotidiano resultaser vehículo de una venganza del más allá. Entre el homenaje y el remake formal, la cinta protagonizada por Kiefer Sutherland —y dirigida por Alexandre Aja, responsable también de la nueva versión de Las colinas tienen ojos (1977)— retoma la premisa de la película coreana de 2003 Geoul Sokeuro —o Into the Mirror,por su título en inglés—, en la que un ex-policía metido a vigilante deun centro comercial se convierte en instrumento de malignos espíritus.
House of Wax (La casa de cera, 2005)
Convertida en uno más de los caprichos de Paris Hilton —la socialité metida a actriz a quien, por lo visto, nadie le ha informado que el único papel que le queda es el de millonaria frívola y snob—, lo cierto es que esta cinta es remake de la protagonizada por Vincent Price en 1953 y que, a su vez, era una nueva versión de una cinta viejísima llamada Mistery of the Wax Museum(1933). La historia del macabro museo que está siempre a la caza denuevos añadidos a su colección es contemporánea de otros filmes de los50s poblados por figuras de la talla de Price, y que también gozan hoyde nuevas versiones, como La residencia del mal (1999) o Trece fantasmas (2001).
The Little Shop of Horrors (La tiendita de los horrores, 1986)
Originalmente una producción del legendario Roger Corman —verdaderomonarca del cine de bajo presupuesto, y cuya filmografía incluye cintascomo la versión de 1960 de La caída de la casa de Usher (1928)y demás fusiles de la obra de Edgar A. Poe—, quien se dice habría defilmar la película entera en tan sólo dos días y medio, por escasos 27mil dólares y con un guión escrito en una tarde. Basada en un popularmusical de Broadway, la versión ochentera es dirigida por Frank Oz—quien también dirigiera el remake en plan de comedia de The Stepford Wives (1975), Mujeres perfectas, de 2004—, y costó unas cien veces más.
Night of the Living Dead (La noche de los muertos vivientes, 1990)
Quizás la franquicia más prolífica del género, el clásico filme deGeorge A. Romero ha dado lugar no sólo a las continuaciones realizadaspor él mismo, sino también a homenajes tipo El regreso de los muertos vivientes (1985) y sus secuelas, spaguetti horrors como la apócrifa Zombie (1979) y nuevas versiones como El amanecer de los muertos (2004) y la reciente Day of the Dead(2008). Dirigido por Tom Savini —el gurú del maquillaje de efectosespeciales—, este remake resulta fiel a la original al tiempo quehonra, al convertir a la antes catatónica Barbra en la heroína, laspreocupaciones sociales de la saga original.
Black Christmas (Gritos en la oscuridad, 2006)
Profundamente influído por la guerra en Vietnam y el movimiento delos derechos civiles, el cine de terror de la década de los 70s habríade constituírse, en buena medida, como el reverso oscuro del proverbialsueño americano. Dirigida en 1974 por Bob Clark —responsable lo mismode la también clásica Children Shouldn't Play With Dead Things(1972) que de Porky's (1982)—, la versión original da cuenta de lo queocurre cierta Nochebuena en que un homicida, tras fugarse delpsiquiátrico en que se encuentra refundido, se despacha a lasresidentes de una fraternidad al ritmo de Noche de paz, y esconsiderada precursora de cintas como Halloween (1978) y la propia Viernes 13.
The Blob (La mancha voraz, 1988)
Con el rumor de una tercera versión en puerta, no está de más pasar revista a la infame mancha voraz, quizás el espécimen menos apreciado de aquél exitoso revival de filmes de horror de los años 50s que incluye también a La cosa de otro mundo (1982) y La Mosca(1986) —cintas que habrían de explotar al máximo los avances en lastécnicas de efectos especiales para trascender lo más precario deaquellas B-movies en que se inspiran—. Y es que, ya sea aquí o en su versión original de 1958, The Blobes el perfecto ejemplar de una película de serie B: un meteorito caecierta noche en un pacífico pueblecito gringo, liberando entre sushabitantes al primer monstruo fílmico genuinamente americano ydemostrando que, como ya decía el póster, el horror no tiene forma.
Toolbox Murders (Hotel terror, 2003)
Tras una lamentable cadena de fracasos a lo largo de los 90s y loque va del nuevo siglo, Tobe Hooper —el responsable de la infame Masacre en TEXAS (1974)original— habría de regresar por sus fueros con esta nueva versión dela cinta de 1978: la historia de una pareja que se convierte en víctimade los brutales crímenes de un desquiciado y su cajita de herramientas,luego de mudarse a un siniestro edificio de apartamentos que parecieraencontrarse en perpetua remodelación. Hooper habría de dirigir tambiénel remake de Invasores de Marte (1953) en 1986, así como la miniserie de televisión La hora del vampiro (1979), adaptación de una novela de Stephen King que sería producida nuevamente en el año 2004 como El misterio de Salem's Lot.
Filme representativo del ciclo de filmes de horror británicos que, de los propios remakes de la casa Hammer a películas como la inquietante Don't Look Now(1973), habría de prosperar durante los años setentas, la historia deeste policía que investiga la desaparición de una muchachita en unaisla habitada por miembros de un culto pagano es considerada hoyclásica, una cinta sui generis que desafía todacategorización. Protagonizado por Nicolas Cage en el papel que anteshiciera Edward Woodward —acompañado en la original de 1973 porChristopher Lee, protagonista de la Drácula de Hammer—, el remake deshecha sin embargo el conflicto entre los herejes y las convicciones católicas del protagonista, en favor de un thriller mucho más convencional.
Willard (La revolución de las ratas, 2003)
Nueva versión de aún otro popular filme setentero, remota época enla que el cine de terror parecía prosperar, pleno de vigor yoriginalidad. También fue la época en que el entonces aún infanteMichael Jackson no sólo era todavía negro, sino exitoso y popular. Y lareferencia no es gratuita. Jackson ganaría fama y fortuna al cantar el tema de Ben, la rata asesina (1972), secuela de la Willard(1971) original y cuya melodía resuena aún en esta cinta sobre un tipointrovertido que se vale de las ratas en su sótano para acometer unaterrible venganza. La cinta habría de inspirar el ciclo de animalesterribles que, entre tiburones y orcas, asolaría las pantallas allá enlos 70s.
Assault on Precinct 13 (Masacre en la cárcel 13, 2005)
La filmografía del veterano maestro John Carpenter ha resultado pródiga tanto en remakes de su obra como en las nuevas versiones que el también director de La cosa de otro mundo (1982) y El pueblo de los malditos (1995) habría de acometer. Esta "re-imaginación" de Masacre en la crujía 13 (1976) se distingue de filmes como el remake de Terror en la niebla (2005) o la Halloweendirigida por Rob Zombie en 2007 en que, lejos de contentarse conabundar sobre los pormenores o antecedentes de la historia, lograhacerla relevante y actual, sustituyendo a los pandilleros de la cintaoriginal por un violento grupito de policías corruptos.
The Hitcher (Hitcher, asesino de la carretera, 2007)
En palabras del legendario crítico de cine y reseñista de rock Waldo Lydecker, la versión original de Hitcher, el asesino de la carretera(1986) constituye "un hábil ejercicio en gandallez pura" en el queRutger Hauer, el maniático del título, se dedica a hacerle la vidaimposible al chavo que le da un aventón, mera excusa para una cintaplagada de violencia psicótica y asesinatos "neomodernos". Producidopor Michael Bay, el remake habría de perder mucho del filo de aquella,sin embargo, ocupado como se encuentra en coquetear con el teen horror al que pertenecen también Terror en Amityville (2005) y La masacre de Texas (2004), así como de seguro sus próximos remakes de —agárrense— Pesadilla en la calle del infierno y Los pájaros.
The Ring (El Aro,2002)
La primera pelicula del genro J-horror que da la vuelta al mundo y se convierte Bluckbuster.
The Ring (titulada El aro en Hispanoamérica, La llamada en Argentina y La señal en España) es una película de terror estadounidense del año 2002 consistente en un remake de la cinta japonesa Ringu (1998). Fue dirigida por Gore Verbinski, escrita por Ehren Kruger y los principales papeles están interpretados por Naomi Watts y Martin Henderson. La película está basada en la novela del escritor japonés Kôji Suzuki.Esta película constituyó un importante éxito comercial recaudando tansólo en los cines estadounidenses una cifra cercana a los 130 millonesde dólares. También supusó la llegada al gran público europeo ynorteamericano de numerosas otras películas de terror japonesas.
Existe una continuación de esta película, The Ring Two, estrenada en los Estados Unidos el 18 de marzo de 2005 y dirigida por Hideo Nakata, el director original del film japonés Ringu. De menor realce psicológico que la primera parte, da un alcance de la procedencia de los principales hechos de la saga.
Desde el estreno de la película en Japón, hasta la producciónamericana, se han hecho diversas especulaciones en cuanto a laposibilidad de que esta película este basada en hechos reales o bien,en algún mito urbano, e incluso han llegado a atribuírseleresponsabilidad por algunas muertes misteriosas en algunas zonas delcontinente asiático, e incluso llego a especularse que también sehabían visto involucradas algunas zonas de América sobre todo en nortey centroamerica. Después de investigaciones, se le ha preguntadodirectamente al escritor de las novelas originales Kôji Suzukiel cual ha aclarado siempre que pese a que agradece la pasión con laque los fans han acogido la historia, intentando buscarle explicacionesracionales y cabida dentro del mundo real, esta no esta basada enningún mito o leyenda, dentro de la historia original llegan amencionarse personajes reales dentro del folclore japonés, sin embargola idea de una Samara Morgan, o en el caso de la versión Japonesa,Yamamura Sadako, resulta inconcebible, e incluso, nos explica, la ideade un video maldito surgio cuando al momento de concebir la idea de laprimera novela, se encontraba sobre su escritorio una cinta VHS sinmarcar.
DATOS CURIOSOS:
Se basa en la novela Ringu, de Kôji Suzuki, inspirada en unaleyenda urbana, y en la película del mismo título (The ring, elcírculo) dirigida en 1998 por Hideo Nakata. (Zinema.com)
Se rodó con un presupuesto de 60 millones de dólares. (Zinema.com)
El faro de la isla Moesko ("Moesko Island Lighthouse") en verdad se encuentra en Newport (Oregón, (EE.UU.), fue construido en 1873, su nombre verdadero es "Yaquina Head Lighthouse" y sigue en funcionamiento.
La web donde Rachel busca información acerca de Anna Morgan e Isla Moesko es: http://www.moeskoislandlighthouse.com; actualmente ya no sigue en funcionamiento.
Para promocionar este filme antes de su estreno, la productoradistribuyó en diferentes eventos culturales, conciertos, etc; copias dela "cinta asesina", además, creo varias páginas webs para darle mayorcredibilidad a la leyenda; cuando la película se estrenó, todas estaspáginas de internet desaparecieron y la productora y distribuidoranegaron cualquier vinculación.
Kate Beckinsale fue una de las opciones para el papel que interpretó finalmente Naomi Watts. (Cinemanía)
El actor Chris Coopertenía un pequeño papel de asesino. Aunque sus escenas al parecer,fueron filmadas, en el montaje final se ha suprimido su papel. Noobstante se puede ver su cara en la fotografía del periódico que Noah,en su apartamento, deja ver cuando quita una taza de café.
La frase de Samara "Todo el mundo sufrirá", fue quitada del montajefinal, pero puede escucharse en diversos materiales teaser y trailers.
En el montaje original había una escena en la que Noah vuelve a lacabaña de Shelter Mountain mediante una canoa; en ella descubre elcadáver del dueño del complejo de cabañas, que vio la cinta pero nohizo una copia. Por eso mismo se puede leer un letrero que dice que la"instalación permanecerá cerrada hasta más noticias". (Cinemanía)
Se emplean técnicas subliminales a lo largo de toda la película.Por ejemplo, en la transición entre la escena del ferry de los caballosy la secuencia en la que Rachel conduce hacia la granja de Anna Morgan.Allí se puede visualizar una imagen de ‘Ring’ durante una fracción desegundo.
Después de que algunas actrices como Gwyneth Paltrow o Jennifer Connelly rechazaran el papel protagonista, éste fue a parar a manos de la australiana Naomi Watts. (Cinemagazine)
Un capitulo de la serie Animada Pucca denominado "beso fantasma" es una clara parodia y alusion a ciertos elementos de esta pelicula
POR CESAR AMIGO (EL CHICO MALO DEL CINE)
Escrito por amigofilms2000 el 24/07/2009 02:43 | Comentarios (1)
Se imaginan a una raza Alienigena bajando a la tierra en esta epoca buscando a los Beatles o se imaginan a Alicia del pais de las maravillas siendo apañada por la PGR y ser rescatada por Super Barrio. Esto solo se puede ver en el maravilloso mundo de Sergio Garcia.
En el medio cinematográfico mexicano lo conocen como El súper 8,debido a que fue uno de los realizadores que desde los años 70 ha usadoeste tipo de formato. Es fundador de la productora Taller Experimentalde Cine Independiente, que es referente en la forma de hacer cintaspolíticas, sociales y culturales al margen de lo establecido. Lleva másde 35 años haciendo películas como outsider. Pero lo que másllama la atención es que Sergio García es un cineasta, a quien sólo lebastan una cámara y una idea para filmar. Hace cintas de menos de milpesos.
“Cuando veo los presupuestos del Instituto Mexicano deCinematografía (Imcine) no lo puedo creer. Cómo puede ser que alguiengaste 5 millones de pesos en una película; yo con eso haría 30.
Elrealizador comentó sobre lo que diría a los egresados de escuelas decine que ven un panorama oscuro para producir porque no hay condicionesen el país. “mis películas me cuestan alrededor de mil pesos. No pago aactores, sólo gasto en casets y en vestuario. Nadie lo podría creer,pero se puede, entonces no es cosa de pretextos”.
–¿Hay alguna materia en las escuelas de cine de cómo hacer películas con poco dinero?
–No,pero deberían asistir a mis talleres de cómo hacer cine con mil pesos.Mediometraje o cortos, pero son películas. Inclusive he filmadodocumentales de hasta dos horas y me salen más baratos.
Analfabetismo cinematográfico
En las dos décadas que tiene Un toque de rock,el director ha sido testigo de “retrocesos. He visto y enseñado a tresgeneraciones y ahora veo que ha disminuido el nivel cultural einformativo de los chavos; cada vez saben menos. Hay analfabetismocinematográfico, la gente ya no sabe leer imágenes. Cuando ven algo deritmo lento no atienden, como si les hubieran fraccionado el cerebro.Eso se debe a la tecnología empleada, como la televisión, lacomputadora y la red, de la cual puedes obtener información que muchasveces no es buena. Hay pereza mental para aprender, también hay quemencionar que el sistema no ofrece nada a los jóvenes, quienes no sabenqué van a estudiar”.
Público para cineastas locos
Noobstante, el realizador aseguró que sigue habiendo público para estostrabajos hechos por cineastas “locos” como él. “Mis alumnos me hanllevado copias piratas de Un toque de rock, lo cual meenorgullece, porque significa que hay público. Estoy por llegar a mitrabajo 100 y siempre hay audiencia. Todo empezó en 1970 con el súper8. En ese tiempo íbamos cargando nuestro proyector y laa películas, aproyectar a salones de clases de los CCH, de las facultades de la UNAM,de casas de cultura e inclusive en cárceles”.
García se aferra aresistir ante lo establecido, porque ama su “independencia”. Dijo: “Soypobre, pero hago lo que quiero, nada me va a detener. Soy libre. Nuncahe visto el cine por el lado industrial, porque no me dejarían hacer loque pienso. Cuando hice Un toque de rock estaba seguro de queno me la hubieran producido, porque cuando mostré el guión a nadie leinteresó. Me siguen viendo como bicho raro, aunque me respeten como unpinche loco, pero eso me alimenta”, concluye.
Afirmó que a lagente le gustan sus videos porque tienen que ver con la música y porquelos hace “por simple placer, como su docu-ficción Be Bop a Lula, Comandante Espacial (The Beatles en México), que se hizo “sin fines comerciales. Lo hice para ser feliz”.
El año pasado realizo dos cortometrajes SIEMPRE FIEL y SUS SATANICAS MAJESTADES.
Sergio Garcia
Nace el 28de julio de 1945 en la Ciudad de México.
Primaria,secundaria, preparatoria, CUEC-UNAM.
IMDB
http://www.imdb.com/name/nm1193349/
Funda CONTRALUZ Cine en Video.
En cine, harealizado cuarenta y siete cortometrajes; 14 de ficción, 32 documentales y unvideo-clip.
Dos mediometrajes;1 de ficción y 1 documental.
Y treslargometrajes; 1 de ficción y 2 documentales. Todos filmados en Súper 8 m.m.
Totalizando52 trabajos realizados.
Entre 1970y 1980 obtuvo 12 premios nacionales y 3 internacionales.( uno en Colombia y dosen España).
En video,ha realizado; 19 largometrajes, 3 mediometrajes y 5 cortometrajes en génerodocumental, 6 cortometrajes de ficción y 15 video-clips.
Totalizando48 trabajos realizados.
Obteniendodos premios nacionales en 2006 y 2008.
Los títulosmas representativos de películas y videos son “Un Toke de Roc”, “La Venida
del Papa”,“Una Larga Experiencia”, “Nuestro Ángel de la Guarda”, “¿Por qué no me las
prestas?”,“Maldito” , “La Hija de María”, “Be Bop a Lula Comandante Espacial”, “Así
lo QuisoDios” , “Otro Hombre con Cámara” y “Así lo Quiso Dios”.
Publica“Hacia el Cuarto Cine” editado por la Universidad Autónoma de Zacatecas” en
1973. Re-editadoen 1999 por la “Ohio University School of Filme” en ingles y español.
Publicaartículos y fotografías en las revistas:”Variet”, “Nuestro Cine”, “Conecte” y“La
Mosca en lapared”.
FueDirector del Foro Cultural Tlalpan (“Foro Tlalpan”) en la década de losochenta.
Imparte el“Taller de Creación, Iniciación y Apreciación Cinematográfica”, con practica envideo, ininterrumpidamente desde 1984. Por 15 años en el “Museo Carrillo Gil”del INBA. 2 años en la SOGEM, 2 años en el “Sindicato de Directores” del STPCde la R.M.
2 años enlos foros: “Tlalpan” y “Alicia”, “Arte en V” y 2 años hasta la fecha en el “MuseoUniversitario de Ciencia y Arte” MUCA-UNAM.
Lostalleres de cine también han sido impartidos en distintos estados de larepublica mexicana destacando Chiapas y Michoacán.
Habiendorebasado hasta el momento la cifra de cuatro mil alumnos.
Su trabajocinematográfico aparece comentado y analizado en decenas de libros ypublicaciones especializadas en Cuba, Nicaragua, Colombia, Inglaterra, EstadosUnidos y
México.
Ha tenido 7muestras retrospectivas en lugares como la Cinetéca Nacional, la UNAM, lasUAM. En Tuxtla Gutiérrez, San Cristóballas Casas, Chiapas y Can Cun, Quintana Roo.
En 2005 laFilmoteca de la UNAM edito un Dvd antológico como parte de un homenaje por sus35 años en el cine y en el video independiente de México y en 2008 otro dvdtitu-
lado:“Superocheros”.
VISITA: El Fin (CORTOMETRAJE) http://www.youtube.com/watch?v=NXpzbhMF4rc
PROXIMAMENTE NOTICIAS SOBRE EL NUEVO CORTOMETRAJE DE MIGUEL A.REINA SEGURO DE VIDA.
Visiten LA PAGINA OFICAIAL DE Full Moon: http://www.fullmoondirect.com/
Trash Cinema
Trash Cinemaesun denominación peyorativa que la crítica cinematográfica"oficial"impuso a las derivaciones tardías y residuales del cine de serie B de los años 30 y 40 del siglo XX, el cual dio títulos de oro al Séptimo Arte con realizadores como Joseph H. Lewis o Jacques Tourneur.
Jacques Tourneur
IMDB http://www.imdb.com/name/nm0869664/
Características
Mientrasaquel cine se basaba en un sistema de grandes estudios quereutilizabandecorados y equipos de films de serie A en producciones debajopresupuesto, el llamado trash cinema se basaba en rodajes acelerados, presupuestos aún más exiguos, y equipos técnicos pequeños y hasta ínfimos.
Otrode sus aspectos recurrentes era el aprovechamiento, a vecesdescarado,de subgéneros y temas en boga desde una perspectiva, casisiempre,estrictamente comercial, todo ello bajo el patrocinio depequeñasproductoras (muchas veces en régimen de coproduccióninternacional)
En La Actualidad El Trash Cinema
En la Actualidad hay una gran productora llamada FULL MOON que esta a cargo de un de los directores de culto mas actual .
CharlesBand Productor y director nacido en Los Ángeles.Parte de su niñez lapasó en Roma donde su padre, Albert Band,discípulo de John Huston en ladécada del 50, trabajó en la industriadel cine. Pionero en el campo delvideo hogareño. Ganó reputación comoun prolífico productor de películasde entretenimiento de bajopresupuesto. Comenzando en 1973 con lacomedia erótica LAST FOXTROT INBURBANK .
produjo una gran cantidad de películas de horror, cienciaficción y fantasía, muchas de ellas desdeñadas por la crítica.
Charles Band IMDB http://www.imdb.com/name/nm0023929/
FundóFullMoon Entertainment, institución de marketing y producción depelículasde bajo presupuesto dirigidas directamente a los negocios devideo sinser estrenadas en las salas de cine (La distribución erarealizada porParamount Pictures). Entre sus más recientes esfuerzos secuentanEND OFTHE WORLD (1977), con Christopher Lee en el doble papelde un sacerdotey de su siniestro doble; CRASH! (1977), con laactuaciónde Sue Lyon,José Ferrer y John Carradine; y TOURIST TRAP(1979) con Chuck Connorscomo propietario de un museo de cera. Intentóincursionar en 3-D conSIMBIOSIS (1982), que marcó el debut en lapantalla de Demi Moore. En1983 fundó su propia compañía dedistribución, Empire International enRoma. De Empire surgió TRANCERS(1985), también dirigida por él yseguida por otras secuencias en 1991,1992 y 1993. RE-ANIMATOR (1985),distribuida por Empire, posiblementesea el más celebrado film asociadoa Band.
PosteriormentesiguieronFROM BEYOND (1986);DOLLS (1987); THE CALLER (1989), conMalcolmMcDowell, y PRISON (1988). En 1988 debió cerrar el estudio deRoma ycontinuó produciendo con Full Moon, comenzando con PUPPETMASTER(1989). Una de las producciones más vistas de esta época eslaadaptación de la obra de Edgar Allan Poe THE PIT AND THEPENDULUM(1991), con Lance Henriksen. Aunque no es un clásico film deterror, secompara favorablemente con la versión de Roger Corman de 1961conVincent Price y Barbara Steele. Sólo en el año 1993 produjo12películas, dirigiendo dos de ellas.
En 1994 Full Moon seexpandeincluyendo dos subsidiarias: Moonbeam, orientada a fantasíaspara lafamilia y Torchlight, para películas de adultos. El sucesodePREHISTERIA (1993), conAustin O'Brien, fue seguido rápidamente pordossecuelas y por la superiorDRAGONWORLD (1994). Full Moon Studiossediversificó aún más en 1996 lanzando discos láser y video interactivo. En 1997 crea su consagracion en el genro de horror con Puppet Master.
Puppet Master
Puppet master es el nombre de la saga de películas, sobre untitiritero Andre Toulon que descubre el secreto de la vida, haciendoque sus marionetas cobren vida y maten a cualquiera que se les cruce ensu camino...
Esta saga consta de 9 películas en total entre las cuales se encuentran:
Puppet Master 1
André Toulon es un titiritero y el mejor en su tipo. Un día descubreuna antiquísima formula egipcia para que los muertos regresen a lavida, y decide utilizarla en sus títeres,Los Nazis que seguían suspasos desde suencuentro con ellos en Alemania (Ver Puppet Master3)envían 2 agentes para arrestarlo.Desesperado, el titiritero cometesuicidio. Años más tarde, cuatro psíquicos son enviados a investigaracerca de Toulon y los hechos sobre naturales que ocurren. Sin embargo,los títeres harán todo por detenerlos.
Puppet Master 2
Las marionetas vivientes consiguen revivir a su creador, AndrèToulon,pero para mala suerte este renace en los momentos previos a sumuerte y su obsesión por resucitar a su esposa Elsa. Ahora acechan a ungrupo de parapsicólogos que investigan un viejo hotel. ¿Qué estarántramando estas marionetas y qué quiere Toulòn en realidad?
Puppet Master 3: La revancha de Toulon
En Berlín, durante la Segunda Guerra Mundial, el régimen nazidesarrolla una droga que reavivará a los muertos, con el fin deutilizar esto en pro de la guerra. Toulon despierta la sospecha como undisidente nazi, y su secreto es descubierto. Durante una invasión nazien su hogar, la bella esposa de Toulon promete vengarse con la ayuda desus títeres animados Pero es asesinada; Toulon desea venganza y susmarionetas ayudaran en esta causa.
Logrando escapar a Suecia y posteriormente a America.
Puppet Master 4
Los muñecos se enfrentan a los Totems, dos diabólicos mellizos queles roban su energía. Con la ayuda de una nueva marioneta, "Decapitron"que dejo Toulon antes de Morir, quizá puedan salir victoriosos.
Al final Toulon Nombra un nuevo maestro de marionetas en su lugar.
Puppet Master 5: Capítulo Final
La banda de muñecos vivientes se rebela contra un faraón demoníacode otra dimensión que controla su propia tropa de muñecos asesinos.
Puppet Master 6: El curso de el Maestro Titiritero
El Dr. Magrew intenta emular el trabajo del demente Toulón, yutiliza a su asistente como conejillo de indias. Los muñecos, que hastaahora han sido mudos testigos de esta barbarie, despiertan y tomanrevancha amarga contra el científico.
Puppet Master 7: Retro Puppet Master
Andre Toulon regenta un vanguardista teatro de marionetas en elParís de antes de la I Guerra Mundial y está enamorado de Ilsa, laencantadora hija del embajador suizo. Cuando Afzel, un hechiceroegipcio que ha robado el "Secreto de la Vida" a un antiguo dios, esasesinado, Toulon debe enfrentarse a los sirvientes de ese dios pararecuperar a Ilsa, que ha sido secuestrada. Es hora de que Andre y susmuñecos salven a la mujer que ama.
Puppet Master 8: The Legacy
Última película de la saga de las marionetas asesinas, repasando la historia de todas y cada una de ellas.
Puppet Master 9: Puppet Master Vs. Demonic Toys
Un grupo de jugueteros recaban la fórmula secreta de André Toulon,que ahora se halla en manos de Robert (sobrino de aquel), con la que sepueden traer a la vida una línea de juguetes que se proyecta lanzarpara Navidad.
Su Ultimo Exito de Charles Band
Muchos cineastas y criticos dicen que esta es la pelicula mas mala en el mundo del cine.
Peor que lo que hizo Ed Wood.
Otros dicen lo contrario y la pelicula a vendido millones de copias en E.U.A ,Europa y Asia y ya se realizo la secuela.
Estoy hablando de Evil Bong
Sinopsis:
Un grupo deamigos adquieren un "Bong", el cual esta poseido por un aterradordemonio, pero ellos no se dan cuenta hasta que no empiezan a fumar deél y empiezan a imaginar cosas..... o ¿tal vez sea verdad todo lo queesta ocurriendo?
Evil Bong 2 King Bong Esta pelicula es en 3-D
Escrito por amigofilms2000 el 12/09/2009 05:11 | Comentarios (0)
El término película de culto hace referencia a un tipo de película que atrae a un pequeño grupo de devotos o aficionados o aquella que sigue siendo popular con el paso de los años entre un pequeño grupo de seguidores. Con frecuencia la película no llega a alcanzar el éxito en su estreno, aunque no siempre es el caso. Algunas veces la respuesta de la audiencia a una película de culto es algo diferente a lo que pretendían los creadores. Es normal que una película de culto presente elementos inusuales.
Una película alcanza el estatus de ser considerada de culto debido a la relación de la audiencia con la película. Esto hace que sea difícil calificar una película como de culto; un éxito continuado entre un conjunto de aficionados al cine muchos años después del estreno original de la película es el factor clave de esta definición.
Un ejemplo de como el culto difiere entre sociedades es la devoción por el actorcómicoNorman Wisdom en Albania durante los años del régimen comunista de Enver Hoxha, a la vez que su estilo familiar aseguró que "de culto" fuese el último calificativo a aplicarle en occidente. Curiosamente, él y sus películas están adquiriendo la categoría de culto en Gran Bretaña.
En el caso de El manantial, el culto a esta película viene de los seguidores de la filosofía de Ayn Rand, que encuentran en esta película el mejor plasmado cinematográfico de la filosofía de su autora preferida. Los no seguidores de esta filosofía suelen encontrar que la película es algo antigua y acartonada.
Blade Runner no sólo encontró seguidores entre los aficionados a la ciencia-ficción.
Carnival of souls es un gran ejemplo de película de culto, tiene todos los elementos presentes en esta calificación de películas: terror, toques de ciencia-ficción, visión intima, fracaso en su estreno... Además de influir en otros grandes directores de culto como George A. Romero o David Lynch. El film es re-estrenado cada noche de Halloween en salas de arte y ensayo, y en TV.
by Cesar Amigó El Chico Malo del Cine
Escrito por amigofilms2000 el 04/05/2009 10:38 | Comentarios (0)
Cuando hablamos de la Navidadentre muchas cosas, lo primero que se viene a nuestra mente es paz,regalos, alegría y felicidad, no obstante estas fechas han sidoescenario de escenas escalofriantes en el mundo del cine.
Entonces, si pensabas que todo es color de rosa enla época navideña, pues te equivocas, ya que a lo largo del tiempo unaserie de películas de terror fue estrenada por estas fechas teniendo la temática navideña de por medio.
Algunas de estas piezas de terror son muy recordadaspor todos nosotros, ya que en mi caso por ejemplo, yo aún era una niñacuando se estrenaban estas películas, y el recuerdo es aún aterrador.
Así que si pensabas pasar esta Navidad tranquilo, aquí tienes una singular alternativa para pasar la noche buena.
Aquí las 10 mejores películas de terror de navidad:
Vicente Aranda y Su Novia Ensangrentada Por Cesar Amigò Aguilar
Como están mis queridosLectores
La semana pasada me puse aescavar en varios Botaderos de Blockbusters de la cd. De Mèxico buscando buenostítulos a bajo costo y encontré una un serie de títulos de una colecciónllamada VIDEO NASTIES con varios títulos bastante buenos.
Pero solo uno de esostítulos estaba barato y me lleve la NOVIA ENSANGENTADA de Vicente Aranda .
Me llamo mucho la atenciónel director ya que yo solo había visto un trabajo JUANA LA LOCA que me pareceuna película estupenda con un final bastante Demencial.
Está ligado a la llamada Escuelade Barcelona, cuya refinada estética es una novedad en el cine español. Fata Morgana (1966) es una de sus obras másrepresentativas y encuadradas en esta corriente.
Carmilla es una novela escrita por Sheridan Le Fanu en 1872. Al ser un cuento corto fue publicadaen una colección, (In A Glass Darkly). La protagonista nos narra cómo su vidapasa de común a desconcertante y espantosa cuando aparece Carmilla, una hermosajoven que resulta ser una vampira. Al transcurrir la historia Carmilla comienza a mostrarun comportamiento bastante romántico haciala otra joven.
La historia muestra muchascaracterísticas del terror gótico,y resalta el estereotipo popular del vampiro y la perplejidad de los personajesfrente a los sucesos sobrenaturales, y la aumenta hasta convertirse en unéxtasis y terror a la vez.
También se debe destacar quela sutil influencia de contenido erótico, querelaciona con los vampiros, es de carácter lésbico.Sheridan Le Fanu tomó ese tema, un tabú para la época, pero supo cómoplantearlo de tal forma que el lector de la época se fuera acercando al tema.
Carmilla fue llevada el cine por primera vez como Vampyr,la bruja vampiro en 1932por Carl TheodorDreyer, siendo esta película una adaptación que sigue el estilo del librocompleto A glass darkly en el que se incluía Carmilla.
Décadas después, Camillo Mastrocinquerealizará otra adaptación La maldición de losKarnstein (1964), y másadelante, de nuevo con los personajes de la novela, se construyó la llamada Trilogíade los Karnstein, formada por The Vampire Lovers (Las amantesvampiros) dirigida por RoyWard Baker en 1970, Lust for a Vampire (Lujuria para unvampiro en España, Ataúd para un vampiro en Argentina) dirigida por Jimmy Sangster en 1971, y Twins of Evil (Dráculay las mellizas) dirigida por John Hough el mismo año.Cabe anotar que en el anime podemos encontrar la película Vampire Hunter D, lacual también trae a colación a este sangriento personaje; además de una brevemención en el manga "Kuroshitsuji". También se toma la historia deCarmilla como base para la trama en "Lesbian Vampire Killers"(asesinos de vampiresas lesbianas)(cómica) en donde Carmilla es el enemigoprincipal.
En la saga de videojuegos Castlevania,Carmilla es un personaje recurrente, y aparece en diversas entregas comosirviente del Conde Drácula y jefe a vencer (en ocasiones llamada Camilla oVampira). En Akumajō Dracula X: Rondo of Bloodaparece acompañada por Laura, quien es descrita como una vampireza menor y"Sirviente de Carmilla". En CastlevaniaJudgment, Carmilla es un personaje jugable, y además lleva un atuendomuy provocador. En Castlevania:Circle of the Moon, Carmilla revive al Conde Drácula y se enfrenta contraNathan Graves como jefe de zona.
Por Cesar Amigo El Chico Malo del Cine http://www.imdb.com/name/nm3137787/
X-MEN Origins Wolverine
Esta semana se estreno por fin en Mexicó la Pelicula X-Men Origins WOLVERINE .
-Aqui en México La premier en El Auditorio Nacional No se llevo acabo debido a la Influenza Porcina. -En Mexico se registro la mayor venta de peliculas piratas. -La pelicula pirata se vendio tambien en E-Bay , Amazon y Mercado libre miles de fans querian este material. -La pelicula pirata es de coleccion para muchos fans ya que la pelicula le faltan los FX. -Wolverine tiene millones de fans dentro de FACEBOOK superando a Homero Simpson .
X-Men Origins Wolverine es dirigida por Gavin Hood (Tsotsi 2005)
Gavin Hood Gavin Hood, director de cine sudafricano nacido el 12 de mayo de 1963 en Johannesburgo. Su película Tsotsi obtuvo el Óscar a la Mejor Película Extranjera, el primero obtenido por Sudáfrica.
Internet Movie Data Base http://www.imdb.com/name/nm0004303/
Visita la Pagina Oficial de La pelicula http://www.x-menorigins.com/
Wolverine
James Howlett, alias Logan y mejor conocido como Wolverine, es un superhéroe de Marvel Comics, miembro de los X-Men y de los X-Force. Su nombre en inglés se refiere al glotón, un mamíferocarnívoro que habita en Norteamérica y norte de Asia, y es famoso por su fuerza y fiereza. Ha adquirido distintos nombres como Logan, Arma diez, Garra, Guepardo en algunos paises de Latinoamérica, Lobezno en España y también, Glotón en los cómics de Novedades Editores de México, aunque en otros, como Argentina, Perú, Venezuela y Uruguay, conservó el nombre original. Su primera aparición la realizó dentro de las páginas del número 180 del cómic The Incredible Hulk, en (octubre de 1974), aunque su introducción formal fue en el número siguiente por descuido del guionista (número 181, noviembre de 1974).En la décadas de 1980 y 1990, los cómics en los que aparecía elpersonaje de Wolverine llegaron a convertirse en los más vendidos de laeditorial Marvel.Wolverine es también significativo por ser el único cómic desuperhéroes con un impacto real y adulto para las siguientes décadas,garantizando su popularidad incluso fuera de los círculos de lectura decómics. La popularidad de Wolverine es prácticamente equivalente a lade Spiderman o a personajes de mayor reputación como Green Lantern, Hulk o el Capitán América.
Creado
Wolverine fue creado por Len Wein, Herb Trimpe y John Romita Sr.. El personaje fue desarrollado más competentemente por el escritor Chris Claremont y el artista John Byrne en The Uncanny X-Men. Claremont, con el co-escritor y artista Frank Miller, establecieron importantes matices en unas series limitadas de Wolverine que dieron lugar al eslogan «Soy el mejor en lo que hago, pero lo que hago no es muy agradable». Wolverine se unió a los X-Men en 1975, liderando a un nuevo grupo de mutantes introducido en Giant-Size X-Men número 1. También se publicó en una serie en solitario desde 1988, y ha sido protagonista en varias de las series de animación y de las películas de los X-Men. Wolverine es un miembro activo de los tres equipos de los X-Men (X-men, Patrulla-X y Astonishing X-men), y es miembro de Los Nuevos Vengadores. Además, hace frecuentes apariciones como invitado en otros cómics de Marvel, como protagonizar el primer Ultimate Marvel Team-Up con Spiderman. Además ha estado relacionado con Alpha Flight y con Capa y Puñal Wolverine también en una serie nueva de la revista alternaWolveriine, es secuestrado y sometido a una lavado de cerebro. A causade esto se une a Hydra, La Mano y una organización nueva llamada: El amanecer de la luz blanca creada por una mutante japonés llamado Tomi Shishido alias Gorgon.En esta serie se ve como Wolverine, a sangre fría, se deshace de muchosagentes de S.H.I.E.L.D. y de algún X-men también. Después es capturadopor Capitán América y sometido a una reprogramación de memoria porS.H.I.E.L.D.(R:C:R:R:R:D , como su padre)
Len Wein
Historia
En el siglo XIX, nació en Alberta, Canadá,el segundo hijo de Elizabeth y John Howlett, al cual llamaron JamesHowlett. El pequeño nació enfermo y débil. Su madre se encontrabaabstraída y distante tras la muerte de su primer hijo bajocircunstancias desconocidas. De pequeño James siempre fue un niñoenfermo y además padecía asma, por lo que siempre estaba bajo elcuidado de una joven llamada Rose Hopkins, contratada por los Howlettpara que lo cuidara y mantuviera contento. Juntos, Rose y James se lapasaban jugando con otro chico llamado Victor Logan, hijo del cruel Thomas Logan,guardián de los terrenos de la Mansión de los Howlett. Pero las cosasse empezaron a complicar cuando John Howlett despidió a Thomas de sucasa tras un incidente, entonces Thomas y su hijo irrumpen en la casade los Howlett, amenazando a Rose para que los llevara por la puerta dela servidumbre; asesinó a John; el pequeño James lleno de iramanifiesta sus poderes mutantes y mata a Thomas Logan e hiere degravedad al hijo de este, Dog. Al ver el grotesco desenlace, Elizabethse suicida de un disparo de escopeta. A partir de eso, huye de su hogarjunto a Rose y se alojan en Columbia Británica en una cantera depiedra. Tiempo después es perseguido por Victor Logan a órdenes delabuelo de James. Para ese momento ya se había ganado el apodo deWolverine (lobezno) por el modo en que paleaba carbón y se hacía llamarLogan. En el pleito de Dog y Wolverine, este ultimo le insertaaccidentalmente una de sus garras a Rose, despues de ese momentoWolverine se pierde en un bosque con los lobos. Aunque en la película de X-Men Origins: Wolverine, se dice que en realidad su hermano era Victor Logan (conocido por su alias Dientes de sable) y antes de que estos huyeran James mata a Thomas Logan, quien antes de morir le revela que es su hijo.
Poderes
Como mutante,Wolverine posee poderes regenerativos que pueden curar cualquierherida, por mortal que ésta sea, además ese mismo poder hace que seainmune a cualquier enfermedad existente en la tierra y algunasextraterrestres. Por si fuera poco, sus poderes regenerativos logranque se mantenga "joven", envejeciendo de una manera lentísima, por loque parece un hombre de 30 años, a pesar de tener más de 200. Poseesentidos y reflejos muy agudos, como los de un glotón,del que toma su nombre, además de poseer tres garras retráctiles encada mano. Las garras se reforzaron en el proceso de inyeccion deadamantium volviendose cuchillas mortales. Una desventaja de estospoderes regenerativos es que también protegen su mente. De esta manera,cada vez que sucedía un evento traumático en su vida, sus poderes lobloqueaban haciendo que lo olvidara y que, por tanto, su pasado fueraun misterio. A esto se suma el gran número de veces que su mente hasido "reprogramada" por las distintas organizaciones que usaban aWolverine, casi siempre bajo la oscura mano de "Romulus",uno de los mutantes mas antiguos y misteriosos del universo Marvel cuyaexistencia se remonta casi a la edad de piedra, y de los primeros"lupus sapiens" (raza a la que supuestamente pertenecen Wolverine, Dientes de sable y Wild child, entre otros). Por último un efecto colateral del factor de curación, es la parcialinmortalidad, la razón por la que los seres humanos envejecen se debe aque, con el paso de los años el sistema inmune del cuerpo no puedereparar por completo los daños constantes que sufren los organos y loshuesos, estos daños se acumulan y la consecuencia resulta en:encanecer, aparición de cancer en los organos, deterioros en elcerebro, etc. en el caso de alguien que poseea factor de curación estosdaños no se acumulan y el individuo aparenta tener siempre edad adulta,sin envejecer nunca. Además de sus poderes mutantes que se deben a una mutación en susgenes, a Logan le fue implantado sobre su esqueleto una cobertura de adamantium (el tercer metal más resistente del Universo Marvel, después de la piel de Silver Surfer y del martillo Mjolnir de Thor). Estos experimentos fueron realizados por un grupo de científicos bajo la influencia de Romulus. Es un maestro de combate en distintas artes, sobre todo en peleascuerpo a cuerpo en las que nunca duda en usar su fuerza de maneraletal. Ya que recibió entrenamiento militar, espía y samurái entreotras durante décadas por diferentes afiliaciones e innumerables camposmilitares, es un experto en la lucha, con y sin armas, además de ser ungran estratega que lo hace ser el mejor y sin duda el mas peligroso enlo que hace. Wolverine ha forjado su temple en batalla, con el conocimiento samurái.Entrenó su mente y su cuerpo afilándolos hasta el límite humano. Sushabilidades físicas, su resistencia y su capacidad de encajar golpes lehacen ser el mejor luchador.
Personalidad
Su personalidad irascible y su letalidad lo han convertido en uno de los personajes más peligrosos del Universo Marvel. Una de los aspectos más interesantes del personaje es su constante eimposible tarea por recuperar su memoria, sin nunca llegar a lograrlo.Una explicación a este hecho podría ser que su poder curativo mutantesana también los recuerdos dolorosos, haciendo que siempre que lesucede algo traumático su cerebro lo oculte para evitar el dolor. Otraexplicación podría ser que perdió los recuerdos al recibir un disparoen la cabeza con una bala de adamantium, como se ve en la películaX-Men Origins Wolverine. Sin embargo, después de los eventos ocurridosen House of M, Wolverine recuperó completamente todos sus recuerdos.
Comics On Line
Marvel Sitio Oficial http://www.marvel.com/
Comics de Wolverine http://wolverine.x-knights.com/gallery06.html
Datos Curiosos:
Storm perdió sus habilidades pues le dispararon con una pistolaneutralizadora de poderes diseñada por Forge, tiempo después Loki leconcedió nuevos poderes para controlar el clima.
Las garras de Wolverine atraviesan su piel cada vez que salen, notiene un hoyo permanente. Su factor curación mutante hace que laherida sane cada vez que las garras salen.
Psylocke es rubia natural.
X-23 es llamada así debido a que es el intento numero 23 en clonara Wolverine, debido a que el cromosoma Y estaba dañado se uso otrocromosoma X, es por eso que el único clon que se pudo lograr deWolverine es mujer.
El generador de hologramas que usa Nightcrawler para que se vea como humano fue inventado por Tony Stark.
Dazzler fue temporalmente un heraldo de Galactus, cuando eldevorador de mundos le otorgo los poderes cósmicos y los uso para cazara Terrax, otro heraldo de Galactus que abuso de su poder.
Scarlet Witch y Angel salieron por un tiempo.
En la canción de Weird Al Yankovic “White & Nerdy” una de laslíneas dice: “He estado buscando e inspeccionando, sabes que coleccionocomics de X-Men”. En el video musical Al sostiene en sus manos cuatrocomics de los X-Men: Uncanny X-Men #201, 210, 221 y 268.
El nombre real de Storm es Ororo y significa “Belleza”.
A través de los años la mente de tres diferentes X-Men han estadoatrapados en el cuerpo de la White Queen, Jean Grey, Storm y Iceman.
Xavier hizo que un metamorfo llamado Changeling lo reemplazaramientras el secretamente se preparaba para una invasión alienígena. Cuando Changeling murió en batalla, los X-Men hicieron un funeral parasu mentor y no tenían idea que Xavier estaba vivo.
Jubilee sufre de discalculia; la inhabilidad para completar problemas matemáticos.
Beast y Nightcrawler no tiene piel azul, el pelaje es el que tiene el color azul.
Deadpool fue guarda espaldas de Dazzler.
Mientras trabajaba como agente para la C.I.A. Wolverine salvo los padres de Spider-Man de Hydra.
El Profesor X ha quedado invalido (y ha sanado) en cuatro ocasiones.
En una pelea contra Lucifer.
En una pelea contra Shadow King.
Después que se contagio con el Techno Virus.
Magneto detuvo los nanobots en su espina. Después de House of M, Scarlet Witch lo curó
Originalmente Storm fue creada como “Black Cat”; este personaje se transformaría en una criatura felina o un gato.
ed Skull fue el responsable de las muertes de los padres deSpider-Man. Richard y Mary Parker estaban infiltrados como doblesagentes en la organización de Red Skull, el se dio cuenta y contrato unasesino para sabotear su avión.
Ha habido cinco Green Goblins y cuatro Hobgoblins.
Black Cat fue invitada a pertenecer a los Avengers mientras salía con Spider-Man, sin embargo ella no acepto.
Durante las guerras secretas, fue Thor quien dirigió Spider-Man a la computadora de donde obtuvo el traje negro simbiote. Spider-Man nose dio cuenta de lo que en realidad era, hasta un año después.
La licenciatura de Peter Parker en el colegio era química.
Poco después de obtener sus poderes, Spider-Man visito a losFantastic Four, para que le dieran un trabajo y así poder pagar larenta.
Para activar los disparadores de telaraña, Spider-Man debe presionarlos 2 veces.
Peter Parker publico un libro de fotos que tomo de Spider-Man, lo llamo “Webs!” (Telarañas).
Wolverine hizo equipo con los padres de Peter Parker antes de elnaciera. Durante la mision, Logan fue el primero en felicitar a Marypor su embarazo.
Cuatro profesores de la universidad se han convertido en villanos de Spider-Man.
Miles Warren – The Jackal
Curt Connors – The Lizard
Clifton Shallot – Vulture III
Buck Mitty – Humbug
Spider-Man y La Antorcha Humana se reúnen en el día de navidad.
Daredevil se dio cuenta de la identidad de Spider-Man gracias a quereconoció los latidos cardiacos. Después cuando ambos personajes seencontraron, Daredevil le dijo que conoció quien era bajo la mascara yel se quito la suya para revelarle a Peter su identidad secreta.
Sabiendo que, Apocalipsis, un dia gobernaria el mundo, Kang elConquistador, viajo al pasado, para tratar de convertirse en el amo deEn Sabah Nur. Los planes no salieron como el deseaba y al tratar dematarlo hizo que los poderes del joven se manifestaran convirtiéndoloen Apocalipsis.
El Doctor Doom no cuenta con ningún doctorado.
Ademas de Quicksilver, Scarlet Witch y Polaris, Magneto tuvo otra hija, que murió cuando era una bebe, su nombre era Anya.
El Kingpin no es gordo, son músculos.
Thanos esta obsesionado con la muerte, y en varias ocasiones le haquerido mostrar su amor al intentar destruir todo el universo.
Loki no es un Asgariano, es hijo de un Frost Giant, enemigos de los Asgarianos.
Magneto es un sobreviviente del holocausto nazi, el número tatuado en su brazo es 214782.
Fin Fang Foom es un navegante alienígeno, su nombre se traducecomo: “Aquel Cuyos Brazos Destruyen Montañas y Su Espalda Raspa El Sol”
M.O.D.O.K. es realmente un ser humano, su nombre es George Tarleton.
El Doctor Pulpo salía con la May Parker, sin saber de su relación con el hombre araña.
Taskmaster fue contratado por el gobierno de EE.UU. para entrenar aJohn Walter como el nuevo Captain America, cuando Steve Rogers renuncio.
Antes convertirse en mercenario, Bullseye iba en camino deconvertirse en el mejor lanzador de béisbol, pero un día se aburrió yen su último juego mato al bateador.
Doom, tiene un primo lejano, llamado Dr. Bob Doom, es un dentistade Connecticut, una vez intento formar su reino usando a New York, NewJersey y Connecticut.
Esta es una imgen de Wolverine MANGA
Imagenes de la pelicula X-Men Origins Wolverine
Escrito por amigofilms2000 el 22/05/2009 19:10 | Comentarios (2)
"Todos los sucesos y personajes en la película son totalmenterepulsivos. Cualquier semejanza con personas, vivas o muertas, es unatriste coincidencia".
El jefe (oyabun) de Kakihara (Tadanobu Asanoen el papel de un yakuza tan masoca como sádico. Sin embargo Asano leimprime con un atractivo y estilo muy diferente al personaje del manga,el cual es totalmente repulsivo y desagradable) ha desaparecido con unacantidad importante de yenes. Muchos piensan que ha sido asesinado porun lunático (interpretado por Nao Omori, hijo del famoso bailador de butoh, Akaji Maro) que pulula por las calles de Kabuki-cho(centro de Tokio).Éste, durante el día es un joven tímido e introvertido que trabaja decamarero pero también es un experto en artes marciales y, bajo elcontrol hipnótico del misterioso Jijii (Shinya Tsukamoto, director de TETSUO y 
Elementos sadomasoquistas también son muy comunes en películas de estegénero y, de la misma manera, Miike los empuja hasta extremosimpensables. Cuerpos enteros rajados por la mitad, completamentedescuartizados o suspendidos de ganchos de carnicero y atravesados conagujas. ¿Pero tiene ICHI THE KILLERalgún tipo de moraleja o comentario social?. Quizás, pero están muysumergidos en la carnicería. Ichi, el protagonista, está obviamenteobsesionado con videojuegos y cuando no se está cargando yakuzas ovisitando camareras/prostitutas en hostess bars, pasa las horasencerrado en su habitación. De pequeño Ichi fue martirizadopor sus compañeros de escuela (un problema que es bastante común enJapón, vease 
Por otro lado, esta teoría pudiera ser muy rebuscada y como alguien ha comentado, quizás la violencia en ICHI THE KILLERno haya que tomarla demasiado en serio (después de todo el film estábasado en un manga. Y si éste le parece a alguno demasiado extremo, nose puede comparar a la barbarie del manga. Comparada con éste, laversión de Takashi es bastante blandilla), pero casi como de broma.Aunque hay algunas escenas que podrían definirse como cómicas, otras,la que protagoniza Susumu Terajima y Tadanobu Asano al principio del largometraje, te dejan boquiabierto. Cómica o no, Takashi no puede remediar acabar ICHI THE KILLERcon un final bastante depresivo y muy intrigante que, a mí, me hadejado helado las dos veces que la he visto. Un final, que por cierto,difiere completamente, o por lo menos es más enigmático, del queaparece en el manga. Una de las razones por esta discrepancia quizássea lo laborioso, por no decir imposible, que sería llevar el final delmanga a la gran pantalla.
Miike parece ser que simpatiza más con los críos que con las mujeres (como por ejemplo en 
